《色彩Ⅲ》课程教案
教学目的：这是一门低年级油画入门课程，首先要让学生在理论层面上了解从文艺复兴到印象派油画技法发展概况，掌握油画艺术的发生及源流知识。在实践教学中，从做框、绷布、打底等油画基本技能入手，使学生逐步熟练掌握油画技法并具备油画景物写生（写实）能力，同时具有一定的感受油画艺术语言的审美能力。
教学重难点：
重点：是熟练地运用油画技法深入完整地表现对象
难点：油画感的把握及局部的深入表现，注意暖色调勿火气、勿燥及焦糊感，冷色调勿灰、勿沉闷及不透明感。 教学内容（理论讲述、实践辅导）：
第一节 油画材料与技法发展简史
一、油画材料与技法的演变过程
1、西方早期绘画的材料与形成： 1）淡彩丹培拉技术
蛋彩就是坦培拉绘画是欧洲古老的画种，曾经造就了乔托、波提切利等众多绘画大师。现在有更多的艺术家和绘画爱好者希望通过对这一古老画种的研习，来丰富自己的艺术创作。
坦培拉来源于古意大利语，意为“调和”“搅拌”，后泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常单用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画。通常人们以画家使用的颜料来鉴别各类画种，以颜料中所含的粘合剂（媒介）来为颜料命名，色粉与鸡蛋等乳液结合就是坦培拉颜料。 2）形成了油性媒介材料和技法的雏形
由于蛋彩和其他坦培拉材料干燥过快，操作程序繁琐，又有难以达到细微的写实风格的缺点，画家们便不断寻找更为理想的颜料结合剂和更完美的制作技法，因此有了油性媒介材料的雏形。
2、传统油画材料与技法的形成： 1）油性媒介材料取代丹培拉材料技法
从十四世纪起，在威尼斯，由于航海船运的需要，帆布业发达，画家借便开始尝试以帆布为依托作画，取得成功。这使已往媒介材料的缺陷也日益尖锐的摆在画家面前。需要一种不易干的，便于改动的绘画材料才能满足画家对细微的层次和复杂的形体表现需要。这种困惑一直到十五世纪尼德兰画家凡·爱克兄弟的笔下才解除。他一改以胶水和蛋黄为媒介剂，采用了一种油剂。这种油剂是透明不变色的,而且干的比较慢,一旦干后要凝固结实,这就是亚麻仁油。画家还发现核桃油也有相同性质。这种油和树脂及松节油结合，可以制出一种膏状的理想媒介剂。
2）确立了以油性材料为主的绘画材料体系
使蛋彩画进一步向油性材料和继发过度的并作出重大贡献的是意大利北方的威尼斯画派，以贝里尼、乔尔乔尼和提香等人为代表的威尼斯画派继承和发展了混合绘画技法，他们开创了使用深色底子作画的先例并开始采用比较厚重的不透明颜料作画，色彩强烈而浓厚。
3、近代油画材料与技法的演变
17世纪佛兰德斯画家鲁本斯采用了坦培拉材料做底层画，以树脂光油罩染颜色的技法，又继承了威尼斯画派的有色底子和强烈的色彩对比，将两家之长结合起来，开创新一代画风。他创造性的在浅灰底子上罩染暖色的油彩，这种油菜能形成一种微妙的如珍珠的色泽。他的作品中直接画法已经出具端倪，近代油画暗部薄而透明，亮部厚重的规律也起于此。 1）纯粹的直接画法
直接画法是利用油画颜料的不透明性和覆盖能力,用色彩直接塑造形体从而达到形色兼备的绘画方法。随着十九世纪社会发展和工业技术的发达，艺术观念和功能发生了巨大的改变，传统油画技法已经不能满足新的表现内容形式的需要，以印象派的出现成为必然，大部分的印象派画家采用直接画法。
直接画法是用油画材料直接表现从而达到形色兼备的绘画方法。所谓“直接”，是相对古典技法一层一层“做”的、带某种预期效果的方法而言，它既包含一次性挥洒的直接现象，也包含油画材料在已有底子上塑造的“蕴积”效果；既包含一笔之中带出形色的写实技巧，也包含以并置笔法为发端的现代绘画的直接呈现的变革语言。
正由于直接画法的这种眼手如一的直接关系，揭示了人与对象共进共退、相互依存的内在本质，所以，油画直接技法在近现代油画史和相关的绘画史中成为主要的表现语言。
2）使用画刀和其他非传统工具，材料技法逐步多元化
印象派以后的西方绘画面貌有了更大的变化，画家纷纷寻求和个人风格相适应的得材料和技法，形成多元化格局，同时也发现了油性媒介材料的材质和特点。后来的抽象表现主义画家中，所用的工具和手段由单一的画笔发展到更多使用画刀和其他非传统材料，甚至用泼溅、滴流等方法让材料本身来说话。 3）出现综合材料绘画
综合材料绘画进一步发展，画家大量使用多种媒介以及非绘画材料，利用材料的对比丰富画面表达观点。这方面在美国最著名的代表人物有贾斯帕·约翰斯和罗伯特·劳申伯格等。
50年代末，当这两位美术家的作品公展时，引起了社会极大的义愤。他们利用废品、实物、照片等组成画面，再用颜色作些拼合或涂绘，其目的是要打破传统的绘画、雕塑与工艺的界限，把日常生活中最平凡的东西，甚至废物与垃圾也当作素材而加以利用，他们的艺术创作与波普艺术不可分割。
4、当代油画材料与技法应用趋势 1）绘画材料语言发挥的作用越来越明显
强调颜料与色彩的肌理和质地感，运用各种媒介的特质来突显个性。特别是在抽象油画作品中体现的更多材料技法成为在造型色彩之外的第三种重要的形式语言。
2）油画材料与其他绘画材料技法的综合运用成为一种趋势
在传统的油画中虽然有坦培拉与油的结合，在现代的综合材料作品中则更没有限制的把油性颜料与各种不同的媒介手段混合应用，使传统的绘画受到巨大的冲击，但也促使人们对材料和技法的传统观念发生了变化。 3）绘画材料由物质手段或形式向表现内容或主题转化
这主要是指一幅作品并没有特定的主题和内容，但在显示材料特质或手段方面有非常讲究的独立审美价值，有的作品直接让材料本身来成为作品主角。
二、油画材料与技法运用实践
1）古典写生风格油画的材料与技法：鲁本斯、安格尔
古典写实风格油画总体上以严谨的写实造型为主，在色彩上强调固有色，使用的主要技法是透明画法和多层混合技法。 早期的油画透明技法是单线勾勒轮廓和但金丹的敏感加上透明色平涂找色，这也是最基本的间接画法，后来随着明暗和造型等绘画技术的进步，逐渐发展成为用线条和明暗作完整的单色素描，最后罩上一遍或多遍透明色的技法。后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法，一般是与多层混合技法结合起来使用。
安格尔是新古典主义的领袖人物，尤以高度写实的肖像画著称。安格尔喜欢用浅灰白色的底子作画，他追求的光线是柔和、均匀的光线体现女性高雅柔美气质的表现。安格尔作画基本属于直接画法，但分了多次完成。安格尔在最后也使用透明色罩染的办法来调整色彩的冷暖明暗变化。 2）传统写意风格油画的材料与技法：德加、弗洛伊德
传统写意油画以直接技法为主，比较多地采用了颜料厚涂相结合的方法，在形体描绘上更强调把握对象的整体节奏感，并特别讲究运笔的韵味而不拘泥于细节的真实。写意的油画在色彩上获得了更多的主动，有再现的成分，也有表现的成分，有力与画家情感的表达。
弗洛伊德的画风演变经历了细腻工整的写实到粗狂的写意风格。在20岁之前的作品，几乎全部直接依靠观察所得的材料，这或许是幼年时期孤僻的性格所导致，是对客观现实的敏感，他的画作看起来充满沉郁和凝重。上世纪60年代以后，他像一个隐士那样深居简出，远离喧嚣的国际艺术潮流，与世隔绝般地思考着自己的艺术，力图向自己领域的纵深方向发展。在孤僻与封闭的状态下，他通过各种探索完善了个人的独特风格。
富有弹性的猪鬃笔代替早期使用的较柔软的貂毛笔，更富弹性和力度的笔触与厚颜料粘滞的阻力相互抗衡，在画面上留下清晰的丝状笔痕。笔触由薄到厚，错纵交叠。这些令人激动不已的粗砺生硬的笔触取代了曾经平滑、精巧的画面，宁静的画风也变得热烈，作品更具形式的美感、情感与表现性。
他的画色调多为灰褐色，强调光色变化，用稠厚的调子，能体现出他的笔触语言。他的颜料中几乎不加油稀释，这样更具有强烈的造型感，他的造型基础坚实，所以他的用笔肯定变化十分丰富。《自画像：反省》用厚涂法堆砌出画家的鼻子、前额和他那未加修饰的花白头发，给人以照片般的印象。强烈的明度对比、执著的笔触和厚积焦灼的色彩，将画家的思虑过度、敏感、不安又带有几分神经质的性格特征，生动地表现出来。他刻意留下层层叠叠的肌理与层次，以增添更为人性、自然的味道。
3）印象主义风格油画的材料与技法：毕沙罗、莫奈
注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。
印象派的油画创作基本上是直接画法，以白色画布为主以使色彩获得作强烈的基底衬托，在色彩衔接上自然不死板。用厚涂并且不同的细碎的笔触和色彩并列的方法设色，颜料使用多为不透明色和半透明色。
莫奈曾反复画不同时间的鲁昂大教堂和草垛，正是为了捕捉瞬间的光与色。采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。 他作画喜欢用胶粉底子，通常颜色为浅灰色。为了保持色彩的饱和鲜艳，他使用稠厚的油画颜料。用笔松动灵活，时而薄擦，时而厚涂。 4）照相写生风格油画的材料与技法：威廉.贝克曼
照相写实主义指以照相版的写实风格并使用摄影技术辅助来进行创作绘画技法。照相写实风格油画制作过程严格，表面精致平整大多采用直接画法，但也在局部用罩染的间接润色加工。照相写实主义采用平整的胶粉底子，作画前用照片的素描稿子用网格放大转移到画布上。用铅笔勾勒，再用松节油蘸颜料将稿子确定下来。作画用笔平整，时期表面光滑。
威廉.贝克曼德国画家，早年作品仿效德拉克洛瓦。德国表现派画家和图形艺术家。他的作品处理的十分光洁，他使用铅笔起稿，用松节油蘸颜料画出层次，用褐色铺出底色，喜用砂纸创造色层表面的平整肌理。 （5）装饰绘画风格油画的材料与技法：马蒂斯、莫迪里阿尼
装饰绘画风格油画作品的典型特点是在写实造型的基础上加以简化、夸张或变形处理，表现手法较多地强调轮廓线与结构而减弱明暗光影。装饰风格的油画的材料选择和特殊技法的运用很重要，有时会对画面色彩和肌理效果起决定作用。
马蒂斯是一个善于吸取各种艺术门类的优点的人，他研究东方地毯和北非景色的配色法，发展成一种对现代设计有巨大影响的风格。他以平面和线为主构成夸张变形的形体，具有明显的装饰效果。他喜用较薄的颜料，用笔自如松动。
莫迪格利阿尼的绘画中的装饰性由平面的色彩处理、富有弹性的轮廓曲线和夸张变形的几何形体构成，他的画装饰性强，却通过色彩的黑白灰名都配置使得平面化的画面产生空间的深度，他用色比较薄，用笔灵活多变，具有干湿枯润的变化。
6）表现主义风格油画材料与技法：卢奥、汉斯.霍夫曼
表现主义风格的油画创作在材料与技法的运用并无一致的程序，许多表现主义的画家基本上凭直觉直接作画，直接画法和厚涂技法为主，有的完全不用调色媒介剂以强调颜料的肌理和质地感觉，甚至用软管里稠厚的颜料直接剂在画布上作画，在色彩和形式上具有极强的冲击力。还有的在颜料和底子中加入沙子或石粉等不同的肌理材料使得画面质地显得更为粗犷强烈，具有力度。创作出不同的画面效果。
卢奥他在技法上爱用饱满的颜料和率直的笔触，作画用很少的油，有干枯的底子和干涩的颜料来产生厚重的质地感觉。陆奥的色彩与彩色镶嵌画的感觉也很接近，爱使用较纯的红色、宝蓝和绿色。他的用线方法行笔节奏顿挫与形体结合的非常贴切。
霍夫曼在绘画上最关心的问题是如何将色彩和形的要素有效地统一起来。在他看来，绘画意味着用色彩进行塑造，画家的使命，是利用色彩的因冷暖、明度及纯度的不同而形成的进、退、胀、缩的视觉效果的差异，在画面上创造力与势的结构，表达内在情感。四十年代初，他开始采用以颜料滴、洒、甩、泼的方法进行创作，使画面充满强烈的表现性。《门》是霍夫曼创作于1960年的作品，画面看上去简洁、明确。不同形状的长方形错落有致，红黄蓝的色块在黑色与灰色背景的衬托下显得十分强烈。整个画面在抽象色块的对比中显出节奏和张力。这种看似随意的堆砌，实际上经过反复推敲。画家首先用宽刷子松动的画出底色，再用画刀将稠厚的颜料画到底子上想成肌理变化。人们能从色彩和材料构成中体会秩序的魅力。
第二节 直接画法油画静物写生
一、材料准备
1、绷布、做底、调和媒介
2、指导学生现场绷布、油画底层实验
3、松节油、调色油、上光油及调和媒介介绍和实验。
二、静物写生的目的和意义
静物画对于画家来说，是他们创造性艺术思维的一个重要方面；对于习画者来说，则是学习油画基础知识、掌握油画基本语言的最好课题。通过静物画的训练，我们可以初步熟悉油画的工具性能和特点，了解构思构图的一般形式法则，提高实施构图、把握物体色彩造型的能力及加强对物体质感、量感、空间感的表现，研究物体固有色、环境色、光源色的关系，掌握室内光线的一般规律。通过静物写生所获得的能力，也为主题性创作中的环境道具的表现提供了基本的技法语言。
三、油画静物的作画步骤
任何一个步骤图都不能像录像那样使你直观老师的方法，任何一个艺术家进行艺术创作也不能都遵循自己事先设计好的程序。艺术创作既有科学程序化的一面，又有情感宣泄的一面。但作为一门学问，强调其科学有序的一面是必要的。
1、起稿
先学会“阅读”对象
在正式开始之前要先仔细“阅读”眼前的这组物体，体会教师摆放意图，让自己调整到一个沉着安静的心态。适当压抑你的情绪。如果眼前的这堆东西让你激动的话，请学会蓄势待发。要知道优秀的作品不会是从毛毛躁躁开始的，古人说“意在笔先”。 画几张小稿来推敲
准备小速写本和铅笔来帮助自己明确思路，把对象概括成简单的形体，在画面上安排好大致的位置，确定混响之间的大小比例。如果你仔细研究塞尚、马斯或蒙德里安，你会对形状与位置安排变得敏感和挑剔。因为回话从来不是被动的抄袭。要主动的安排画面，在勇敢的实践中积累处理画面黑白灰、点线面这些抽象因素的经验。要做到有感而发，在短时间内，新鲜而兴奋的状态中确定构图，开始上正稿。
开始你的正稿
将小稿放大的正稿上，过程中必然会略作调整。呀充分运用画家视觉上的自律，仔细地观看、体会、构思。
我们可以容易修改的木炭条起稿，那样作画状态比较放松。
要把握好作画的节奏，在这个阶段需要尽可能地放松迅捷。
也可以用松节油起稿，因为干得快，还可以像水彩一样自由挥洒，薄薄的把大的色彩关系错略定下来，使画面一下子呈现出一种气氛，为下一步铺大体色做准备，做进步不推进调整的参照。起稿多用赭色、褐色较为稳定的颜色，不宜用过浓过艳的颜色，方便修改、调整、覆盖。
2、铺大体色
在上大体色时就该尽可能地放开手脚，大胆地为各个主要物品放上明确的色块，让这些色块之间相互作用，形成氛围。不要拘泥于细节上用笔的准确完美，那是下阶段的事。而应该全力以赴地推进你的画面，一气呵成，把你要的大效果呈现出来。
用小稿来推敲色稿
如果你对铺大体色感到没有十分的把握，可以用一张烟盒大小的纸，画一张小色稿。要知道很多大画家在开始创作之前也往往都画上几张小的色稿来反复推敲呢。在铺大色阶段，一定要强迫自己学会概括的表达，要区分好每个大色块之间的关系，即明度、纯度、冷暖、色彩倾向。并使这些色块有利于色调的和谐与空间关系的明确。
3、深入塑造、整理阶段
深入塑造的难点在形色结合，在深入过程中既要保持刚刚建立起来的色彩关系，并不断丰富它，又要塑造形体刻画细节，处理物与物之间的空间关系，丰富虚实变化，使画面接近最后的完成效果。 3.1 亮部、暗部
从亮部往暗部画，这样画面会比较沉稳；从亮部着手塑造，这样画面比较响亮实在。其实并无定法，按个人喜好具体情况而定。
如果你处的角度暗部较多，那么就一定多注意烘托暗部的丰富深沉，最后才惜墨如金地用一点点金色点亮画面；如果你处的角度亮部较多，而这些物品色彩之间相互接近，就要着重处理这些亮色的关系，这时暗部只是增强物品立体感的一些小面积色块，起到稳定画面的作用。 3.2 局部推进 整体把握
塑造也可以从画面中的任何一个局部开始。 3.3 模棱两可的灰色
注意哪些暗色，那些色相甚至冷暖倾向都不太明显的深灰色，如果处在物体的明暗交界线上那就更棘手。理论上说没有色彩倾向的颜色即灰色，也可以通过调整周围环境色让他有所归属，与其他 形成关系，好的灰色可以处理的想玉一样润，让你的视觉舒服得忘了它的存在，因此要大胆地反复尝试。 3.4 质感的表达
在光影变化中研究质感是静物画训练的一个重要内容，这种研究是令人愉快的，尤其是当你第一次表达出一个金属制品或玻璃杯器皿，准确的高光、虚实强烈的反光及边缘线就能使一件不锈钢区别于陶罐、棉被或皮毛。在这方面我们应该好好去研究17世纪荷兰或西班牙的那些大师们的静物画。 3.5 画面的空间关系
空间关系不但可以通过纵深的透视线来表达，色彩本身也给人以远近不同的感受。冷色要比暖色感觉远一些，灰色要比纯色远一些，冷冷的灰色像暮色四合的夜空，感觉辽远。还有，近处的东西色彩变化较大，冷暖拉的比较开，质感强烈，而远处反之。明暗上的叠压关系也会产生强烈的空间层次，如用暗色衬托亮色，或者亮色衬托暗色。在前者边缘线较实，后者较虚。
4、收笔
完成一幅作品要像开始一样果敢自信，当机立断，见好就收。如果你经历了努力的塑造调整，在画面丰富生动敲到好处的时候结束吧。
四、作业：
1、暖调类似色以陶瓷器为主的写生 1幅16学时
2、冷调类似色以水果、蔬菜为主的写生 1幅16学时
3、对比色组合以花卉为主的静物写生 1幅16学时
4、光色变化较复杂的多质感的静物组合写生 1幅16学时
