古典吉他论文 范文（精选多篇）

推荐第1篇：古典吉他名家简介

专 辑 介 绍

《爱的罗曼史》

这首乐曲主旋律取材于西班牙传统民谣。1952年，法国影片《被禁止的游戏》的导演，邀请西班牙著名吉他演奏家叶佩斯，为这部影片配乐。耶佩斯别出心裁，只采用一把吉他为整部影片配曲，并且由他一人独奏。该影片的主题音乐就是这首《爱的罗曼史》。影片《被禁止的游戏》上映以后，《爱的罗曼史》广为流传，并成为所有知名吉他演奏家的保留曲目。乐曲优美纯朴的旋律与清澈的分解和弦完全溶为一体，充满温柔和浪漫的气息，《爱的罗曼史》甚至成为吉他的同义词，是吉他曲中的一首不朽名作。

《帕格尼尼小步舞曲》

帕格尼尼这个名字，总是与小提琴有着不解之缘。但是，帕格尼尼在吉它方面的造诣，则鲜为人知。事实上，帕格尼尼不但会演奏吉它，而且完全称得上是一位不折不扣的吉它家。帕格尼尼为了潜心研究吉它，曾放弃了公开的小提琴演奏活动达数年之久。欧洲的古典吉它艺术在十八世纪曾盛极一时，这与当时的几位吉它艺术家如索尔、阿瓜多、朱里亚尼的努力倡导是分不开的。这几位杰出人物作古之后，欧洲古典吉它艺术一时趋向衰落，直到十九世纪中后期才得以复兴。帕格尼尼研究吉它的时代，正是古典吉它艺术处于低潮之时。他将许多吉它演奏技法有机地“移植”到了小提琴上，大大增强了小提琴的表现力。帕格尼尼一生留下了大量的小提琴作品，也留下不少吉它曲，都堪称艺术精品。有趣的是，他的小提琴曲几乎都以技巧艰深而著称，但他的吉它曲却很少有“炫技之作”，大多平易而优美。帕格尼尼是吉它艺术史上的一位重要人物，不仅因为他留下了几首堪称珍品的吉它曲，更重要的在于他在吉它艺术处于低潮之时对吉它艺术的苦心扶植。帕格尼尼为吉它艺术在十九世纪中后期的复兴，作出了不可磨灭的贡献。

《雨滴》

是一首著名的古典吉它曲,它描写了雨过天睛这后,漫步于林中小径,聆听枝尖叶梢滴水的情景.全曲没有特别艰深的技巧,然而它所能表达的情绪与装饰音的效果,除了吉他这外,没有任何一种其它乐器代替得了.演奏时速度自由流畅,慢而不拖,快而不乱,形成自然地流动。

《小罗曼史》

露伊丝（Luise Walker, 1910-1998），1910年出生于奥地利维也纳，为20世纪吉他乐史上最具代表性的女性演奏家之一。她在八岁时开始学习吉他，不久后就展现出惊人的天赋。14岁举行生平第一次的独奏会，观众为之疯狂，随即很快在欧洲名声大振，并开始以职业演奏家的身份应邀到欧美各国演出。《小罗曼史》是露伊丝的作品之一，也是深受许多学生喜爱的吉他小品。以往曾经有文章介绍说此曲是讲述一个失恋少女的故事，其故事虽然缠绵悱恻，其真实性却有待推敲。全曲分为A，B，C三个段落，每一段落均有反复，后面有一段再现（A ）

段的尾奏（coda），所以可以称为是单纯的三段体曲式。乐曲一开始的A段（6/8拍子），这是一段酷似维拉罗伯士(H.Villa Lobos)>的主题，过去就曾见到有学生在音乐会上将这两首作品“混为一弹”，确实令人有些啼笑皆非。在这一段中，主题以“模仿大提琴”的效果在

5、6弦上缓缓的唱出略微感伤的旋律，谱上德文写 Getragen Mitviel Ausdrucksvoll,其意就是“非常有感情地 ”。乐曲进入B段后，节奏转为4/4拍子，乐谱上提示出Lebhaft（活泼生动）的演奏要求，所以这一段的情绪明显地要比A段来得轻松、活泼许多，使人感受到盎然的蓬勃朝气。而在接下来的C段，节奏仍然维持在4/4拍子，这是一段全部为三连音分解和弦作成的主题，其中所运用的和声及旋律，又与《爱的罗曼史》一曲有着几分神似，充分地表达出吉他无穷的魅力。乐曲最后的尾奏短暂地再现了 A段的主题，随后以四个中止式的和弦简洁有力地结束全曲，整首作品优雅细致、极具抒情色彩。

《小行板圆舞曲》

西班牙吉他演奏家安东尼\";卡诺（Antoni Cano,1811-1897）生于洛尔卡。卡诺早年学医，取得外科医生资格后回故乡行医数年。同时学习音乐。此后，曾在宫廷演奏并任职。1813年索尔由于政治原因离开祖国，流亡巴黎。在巴黎他得到凯鲁比尼（Linsi Cherabini,1760-1842），梅于尔（Etienne-Nicolas Aehul,1763-1817），贝尔东（Henri Montan Berton,1767-1844）等好友的热烈支持。于是这位失意的军人，又在诸友的劝慰下，再度重返艺术家的生涯。

《泪》

是塔雷加的十分脍炙人口的小品之一。全曲仅有十六小节，但仍然发挥了吉他音色的多彩性。通过对吉他六条弦的交替弹奏，典型地表露在小品中追求吉他音调色彩的塔雷加的风格。优美的旋律并非是深沉的哀泣，更像是天真的孩子流出快乐而兴奋的眼泪。

《拉斯图利亚斯传奇》

原曲由西班牙作曲家阿尔贝尼斯作于1896-1897年。原系钢琴组曲《西班牙之歌》（Op.232）的第一曲《前奏曲》，但其写法本身就受到吉它演奏法的影响。主要以吉它独奏曲广为流传。阿斯图利亚斯地区位于西班牙北部坎塔布连山脉北侧，这一地区历史上经历过多次战争，留下许多传说。中轮扫奏法的运用，增强了乐曲前后段落强烈的节奏性和戏剧性。中间部主题的性格与前后部分形成鲜明对比。在徐缓速度上吟唱的中间部主旋律充满内在的激情。《阿斯图利亚斯传奇》也是著名的古典吉他经典保留曲目。

《拉利亚的祭典》

意大利吉他音乐之父莫扎尼作曲,乐曲感人,指法编配,堪称完美。

《玛祖卡》

塔雷加在演奏技法上，尤其在弹弦上塔雷加别开生面。他还使泛音奏法尤其是八度的泛音奏法成为吉他常用的一种演奏技法而丰富了吉他在音色方面的表现性能。塔雷加创作的吉他曲约八十首，其中*《阿尔罕布拉宫的回忆》，*《阿拉 伯风格随想曲》，*《前奏曲集》已成为吉他音乐的古典名作。此外抒情而高度发挥了吉他乐器独特的表现性能的《晨歌》，《泪》，

《阿德丽塔(玛祖卡)》等吉他音乐小品也成为经常演奏大保留曲目。

《大圣堂》

又译大教堂，作者巴里奥斯。由于历史的渊源，南美给人的印象首先要跟西班牙挂上钩：激烈热情的西班牙吉他，粗犷奔放的性格和热辣的Tango。虽然其中具有南美的音乐元素，然而从这首标题音乐的题目就可以看出来，不同于南美的传统风格，这是一首具有理性的、对于最高原则的思索和探求的曲目。也许这就是古典吉他的魅力，它可以在不同时空、不同民族、不同文化的人当中引起共鸣。《大教堂》被算做巴里奥斯4类作品中巴洛克风格的作品之一，然而曲子本身展现的对于人性的关怀和强烈的画面通感又使其极具浪漫时期的人文色彩。 全曲共分三部分：第一部分：D大调本属于节奏明快的调性，却展现出了略带忧郁的感觉。仿佛祈祷的人站在空旷的教堂中央，缓慢的度步，阳光从巨大彩色的玻璃中透过来，使宁静的教堂带上了斑斓而温暖的色调。第二部分：这是属于天国的声音。庄重的和弦表现出最崇高的、不可违抗的上帝的律令。似乎在描写天堂的同时勾勒出了人间的疾苦。人世的苦难众多，但是低沉、稳健的低音区奏出了坚强甚至有些悲壮的音符：顶着风雨前进：这是我们唯一的选择。这部分是最能够引起人内心的伤感同时又最能给予人力量的一部分。第三部分：进入教堂祈祷的人们，男男女女，老老少少。各人都有各人的不幸，但是得到的答复都是相似的：因为上帝的安慰不会因人而异。

《阿尔汗布拉宫的回忆》

是被尊称为“近代吉他音乐之父”的西班牙著名吉他作曲家兼演奏家塔雷加的一首最有名的代表作品。乐曲描绘了作曲家对西班牙格拉纳达城的一座宫殿的印象。全曲的旋律从头至尾都用轮指来演奏，同进配有分解和弦的伴奏，颤的效果发挥得淋漓尽致，无论从演奏技巧或是表现意境方面都有相当的深度。既精妙地描画出阿尔汉布拉宫宫殿的辉煌华丽的景致，又给人以深的感受和回想。不了解吉他的人很难想像是由一把吉他的独奏来完成的。由于全曲采用轮指技巧长达

3、4分钟，给人以“珠落玉盘”的感觉，所以也有人称之为珍珠曲。该曲是西班牙著名作曲家泰雷加为纪念法国画家阿尔弗莱德·高登所作的，乐曲的副标题为《祈祷》。阿尔罕布拉宫是中世纪时由北非侵入西班牙的摩尔人所建立的格拉那达王国的一座宫殿。15世纪时，西班牙人开展复国运动，把侵略者赶出了国境，于是格拉那达王国的这所废宫遗址给后人留下了很多回忆。据传说，某一天的黄昏时刻，泰雷加来到了格拉那达，眺望着在夕阳西下背景衬托之下的这座昔日富丽堂皇的废旧宫殿，引起了他无限的感慨。当天夜里，他就将脑海中浮现

的回忆主题用颤音技法(即轮指技巧)来描述，写成了一首吉他独奏曲，并加上了《祈祷》的副标题。全曲由于运用了颤音技巧，充分表现了作曲家迷蒙，回忆，幻想，憧憬，以及感慨万千的心绪。

《魔笛主题变奏曲》

西班牙著名的作曲家和吉他演奏家索尔被后世尊称为“吉他史上的贝多

芬”。《莫扎特“魔笛”主题变奏曲》是索尔根据莫扎特的歌剧《魔笛》第一幕第三场的主题所作的变奏曲。全曲分序曲、主题、五种变奏、尾声等八个部分。各个部分均有不同的细腻技巧及丰富的音乐性格，只有本人是出色的演奏家才能创作出如此发挥乐器特性的器乐曲，此曲是吉他音乐会上的保留曲目，亦常常作为吉他比赛中的规定曲目之一，以此来说明演奏者的技巧水平和音乐素养。可见此曲在吉他曲中的地位之一斑。

专辑曲目:

01.爱的罗曼史

02.帕格尼尼小步舞曲

03.雨滴

04.中板

05.小罗曼史

06.小行板圆舞曲

07.泪

08.圆舞曲

09.梦幻曲

10.拉斯图利亚斯传奇

11.拉利亚的祭典

12.玛祖卡舞曲

13.大圣堂

14.阿尔罕布拉宫的回忆

15.皇之燕弗拉门哥舞曲

16.爱的浪漫主题变奏曲

17.魔笛主题变奏曲

推荐第2篇：古典吉他考级曲目

古典吉他考级曲集（套装上下册）（2010年修订版）

第1级 1.绿袖子 2.樱花 3.补破网

4.甜蜜的家（歌剧《米兰少女克拉里》） 5.芭蕾 6.塔莱萨

第4级 1.船歌 2.小罗曼斯 3.雨滴 4.晨祷者 5.冥想曲 6.舞曲 第7级

1.阿尔罕布拉宫的回忆 2.委内瑞拉第二号圆舞曲 3.西班牙的故事 4.练习曲第一号 5.送我一枝玫瑰花 6.塔兰泰 第10级

1.恰空（BWV1004） 2.古典奏鸣曲 3.最后的颤音 4.练习曲第二号 5.大教堂

6.音乐会练习曲（Op.35）

第2级 1.舞曲

2.莫斯科郊外的晚上 游戏》主题曲） 4.太湖船 5.浪漫曲 6.我的夫人 第5级 1.小步舞曲 2.小夜曲 3.月亮河 4.拉利亚的祭典 5.练习曲第六号 6.加洛普舞曲 第8级

1.练习曲第十一号 2.亨德尔主题变奏曲 3.西班牙舞曲第五号 4.阿拉伯风格随想曲 5.性格舞曲

6.西班牙福利亚主题变奏曲 演奏级 1.回忆组曲 2.黑人十日谈

3.大提琴无伴奏组曲第三号（Bwv1009）

4.天秤座小奏鸣曲 5.炽热的阳光 6.米隆加

第3级

1.在绿色的树荫下 2.玛丽亚·露易斯 4.练习曲

5.巴洛克风格小品三首 6.哈巴涅拉舞曲

3.爱的罗曼斯（电影《被禁止的3.绣荷包

第6级 1.钟声 2.序曲 3.C大调前奏曲 4.我爱我的台湾 5.樱花主题与变奏曲 6.罗西塔（波尔卡） 第9级

1.音乐会练习曲（Op.35） 2.音乐会练习曲第一号 3.探戈

4.卡斯蒂利亚组曲

5.阿斯图里亚斯的传说.1 6.凡丹戈

推荐第3篇：古典吉他入门教案

古典吉他入门教案提要

朱可翔 1134782160

课程设置目的与要求

本课程面向的对象为愿意学习古典吉他的，但没有或者只有一点关于吉他演奏和音乐认识的初学者。

课程的设计目的在于，使学生能够在完成全部课程之后，建立起对于音乐和古典吉他演奏的基本概念和意识，能够进行简单的独奏和合奏，为今后进一步的学习奠定一个良好的基础——即使学生打算转向吉他弹唱，已经掌握的内容也足以完成大多数的歌曲。

课程设置的原则是，首先尊重吉他学习的规律和现有的教学方法和经验，不因为“枯燥乏味”等原因而回避一些必要却较为机械的练习；其次是在保证必要的训练量之后，适当选取一些具有较好的练习价值的流行歌曲弹唱，以调动学生兴趣；最后是要求完成的作业部分，尽量确保相互之间的联系，既能复习已经学过的内容，又能为接下来的学习打好基础，考虑到具体学生的情况，教授时会酌情布置。

课程提要（按每节课顺序介绍）

第一节：

课程内容：

（一）熟悉古典吉他的构造和组成部分；

（二）学会正确的持琴姿势；

（三）左右手的基础指法：

1、学会左手正确的按弦方式；

2、学会右手p、i、m、a指的靠弦奏法；

3、右手i、m指的交替奏法；

4、左右手能进行初步的协调

（四）基础的乐理了解，学会十二平均律和C大调音阶。

作业：

（一）纵向间隔一品的爬格子；

（二）C大调音阶；

（三）两到三首简单的单音旋律练习曲。

第二节：

课程内容：

（一）右手反向三连音的琶音练习（以爱的罗曼史为例）；

（二）加强右手大拇指靠弦奏法练习；

（三）学会大拇指与其他指头同时奏响。

作业：

（一）《小星星》；

（二）《爱的罗曼史》前四个小节；

（三）《马车夫舞曲》前四个小节。

第三节：

课程内容：

（一）学会a小调音阶；

（二）加深对于右手i、m交替指法的理解和运用；

（三）小横按。

作业：

（一）《马车夫舞曲》五至八小节；

（二）《爱的罗曼史》五至八小节。

第四节：

课程内容：

（一）对音程有初步认识；

（二）左手手指独立性的练习（交叉和横向的爬格子）；

（三）右手2/4，3/4，4/4等几种节拍的琶音练习；

（四）简单的C大调或a小调歌曲弹唱。

作业：

（一）《马车夫舞曲》旋律部分全部；

（二）《兰花草》弹唱。

第五节：

课程内容：

（一）大横按；

（二）双音练习；

（三）大拇指的靠弦奏法加强训练。

作业：

（一）《爱的罗曼史》A段全部；

（二）《欢乐颂》；

（三）《多年以前》。

第六节 ：

课程内容：

（一）右手大拇指与其他指头的协调练习；

（二）琶音训练。

作业：

（一）《马车夫舞曲》全曲；

（二）《小行板a小调》第一段。

第七节：

课程内容：

（一）和弦转换；

（二）左手圆滑音（击勾弦）。

作业：

（一）自选C调歌曲弹唱；

（二）《连音华尔兹》；

（三）《中板》。

第八节：

课程内容：

（一）G调音阶；

（二）琶音练习；

作业：

（一）《小行板a小调》全曲；

（二）《摇篮曲》；

（三）《G大调华尔兹》A段。

第九节：

课程内容：

（一）琶音练习；

（二）反向三连音练习。

作业：

（一）《喀秋莎》；

（二）《爱的罗曼史》B段；

（三）《G大调华尔兹》全曲。

第十节：

课程内容：

（一）左手揉弦练习；

（二）《小罗曼史》。

作业：

（一）《小罗曼史》A段；

（二）《小星星》。

第十一节： 课程内容：

（一）《小罗曼史》；

（二）轮指基础训练。

作业：

《小罗曼史》全曲。

第十二节：

课程内容：

（一）《小罗曼史》；

（二）《雨滴》。

作业：

《雨滴》。

推荐第4篇：古典吉他大师与曲目

吉他名人：

Aguado, Dionisio 迪奥尼西奥·阿瓜多 Auel, Roberto 罗伯特·奥塞尔 Azabagic, Denis 丹尼斯·阿萨巴吉克 Barrios, Agustin 奥古斯汀·巴利奥斯 Barrueco, Manuel 曼努埃尔·巴鲁艾科 Behrend, Siegfried 贝伦德

Blaha, Vladislav 瓦拉蒂斯拉夫·布拉哈 Bonell, Carlos 卡洛斯·波奈尔 Bream, Julian 朱利安·布里姆 Chen Shanshan 陈姗姗 Clerch, Joaquin 华金·克莱尔奇 Dearman, John 约翰·迪尔曼 Dyens, Roland 罗兰·迪安斯

Escarpa, Margarita 玛格丽塔·艾斯卡帕 Fernández, Eduardo 爱德瓦尔多·费尔南德斯 Fisk, Eliot 艾里奥特·菲斯克 Fostier, Johan 约翰·弗斯蒂尔 Fukuda Shin-ichi 福田进一 Gerald Garcia 谢家齐

Garrobé, Alex 亚历克斯·加罗贝 Gallagher, Kevin R.凯文·加拉格尔 Gallen, Ricardo 里卡多·加伦 Giuliani, Mauro 莫罗·朱利亚尼 Goluses, Nicholas 尼古拉斯·格鲁塞斯 Goni, Antigoni 安蒂戈妮·戈妮 Guillen, Gabriel 加布里埃尔·纪廉 Guo Yucheng 郭玉成 Hideo Itoh 伊藤日出夫

Holmquist, John 约翰·霍尔姆奎斯特 Holzman, Adam 阿达姆·霍尔兹曼 Isbin, Sharon 莎朗·依斯宾 Ivanovic, Dejan 德严·伊万诺维奇 Jansen, Ivan 伊凡·杰森

Kanengiser, William 威廉·卡宁盖瑟 Kaori Muraji 村治佳织 Kavanagh, Dale 戴丽·卡瓦娜弗 Keigo Fujii 藤井敬吾

Kostelnik, Steve 史蒂夫· 科斯迪尼克 Kraft, Norbert 诺伯特·克莱弗特 Legnani, Luigi 路易吉·莱格那尼 Lieske, Wulfin 沃尔芬·雷斯克 Li Huizhe 李汇哲

Lucia, Paco de 帕科·迪·路西亚 McFadden, Jeffrey 杰佛瑞·麦克法登 Montoya, Carlos 卡洛斯·蒙托亚 Newman, Michael 米切尔·纽曼 Papandreou, Elena 埃琳娜·帕潘德丽欧 Parkening, Christopher 克里斯托弗·帕肯宁 Platino, Franco 弗兰克·普拉迪诺 Romero, Angel 安吉尔·罗梅罗 Romero, Pepe 佩佩·罗梅罗

Romero, Celedonio 塞利迪尼奥·罗梅罗 Ruell, David 大卫·罗素 Serrallet, Rafael 拉法尔·塞拉耶特 S?llscher, Gran 格兰·索舍尔 Sor, Fernando 费尔南多·索尔 Suzuki Ichiro 铃木一郎

Tarrega, Francisco 弗朗西斯科·塔雷加 Tennant, Scott 斯科特·泰南德 Tanenbaum, David 大卫·塔南邦 Vieaux, Jason 杰森·维奥克斯 Voorhorst, Enno 恩诺·乌尔霍斯特 Wang Yameng 王雅梦 Wang Zhen 王震

Williams, John 约翰·威廉斯 Xie Qianlong 谢乾隆

Yamashita Kazuhito 山下和仁 Yang Xuefei 杨雪霏 Ye Dengmin 叶登民

Yepes, Narciso 纳西索·耶佩斯 York, Andrew 安德鲁·约克 Zanon, Fabio 法比奥·匝让 Zarate, Raul Garcia 拉乌尔·加西亚·萨拉特 Zhao Changgui 赵长贵

Amadeus Guitar Duo 阿玛杜斯吉他二重奏 Aad Brothers 阿萨德兄弟

Eden-Stell Guitar Duo 伊甸-斯蒂尔吉他二重奏 Beijing Guitar Trio 北京爱乐吉他室内乐团 Katona Twins Guitar Duo 卡托那孪生兄弟二重奏 Kubica-van Berkel Gtr Duo 库比卡-范·博克尔二重奏 L.A.G.Q.洛杉矶吉他四重奏

Romero Guitar Quartet 罗梅罗吉他四重奏 Seoul Guitar Quartet 汉城吉他四重奏 Aguado, Dionisio (迪奥尼西奥·阿瓜多) Albeniz, Isaac (伊萨克·阿尔贝尼兹) Bach, John Sebastian (约翰·塞巴斯蒂安·巴赫) Barrios, Agustin (奥古斯丁·巴利奥斯) Boccherini, Luigi (路易吉·波契里尼) Castelnuovo-Tedesco, Mario (马里奥·卡斯泰尔沃－泰代斯科) Dowland, John (约翰·道兰) Giuliani, Mauro (莫罗·朱利亚尼) Granados, Enrique (恩里克·格拉纳多斯) Lauro, Antonio (安东尼奥·劳罗) Mertz, Johann Kaspar (约翰·卡斯帕尔·梅尔兹) Ponce, Manuel Maria (曼努埃尔·玛利亚·庞塞) Regondi, Giulio (朱利奥·雷冈蒂) Rodrigo, Juaquin (华金·罗德里戈) Schubert, Franz (弗朗兹·舒伯特) Sor, Fernando (费尔南多·索尔) Tarrega, Francisco (弗朗西斯科·塔雷加) Torroba, Federico Moreno (费德里科·莫雷诺·托罗巴) Villa-Lobos, Heitor (海特尔·维拉－罗伯斯) Bernabe, Paulino (鲍里诺·贝尔纳贝) Bolin, George (乔治·柏林) Bouchet, Robert (罗伯特·布彻) Byers, Gregory Stuart (葛瑞格利·拜尔) 新！ Contreras, Manuel (曼努艾尔·康德雷拉斯) Dammann, Matthias (马提亚·达曼) Esteso, Domingo (多明哥·埃斯特索) Fang Renjun (方仁俊) Fischer, Paul Fleta, Ignacio Friederich, Daniel (丹尼尔·弗瑞德里奇) Gilbert, John M.Gropius, Achim-Peter (阿明) Gogh, Jonathan (高君) Hauser, Hermann (赫尔曼·豪瑟) Hernandez y Aguado (贺尔南德斯与阿瓜多) Hernandez, Santos Hopf, Dieter Humphrey, Tom (汤姆·翰弗瑞) Kneipp, Ian (伊恩·内普) Kohno Masaru (河野贤) Menkevich, Michael (米切尔·蒙克维奇) Monch, Edgar (伊格尔·莫奇) Montero, Antonio Marin (安东尼奥·马林·蒙代罗) Oribe, Jose (约瑟·奥里贝) Panhuyzen, Kolya (柯尔雅·潘彗真) Panormo, Louis (路易斯·帕诺莫) Pardo, Antonio Raya (安东尼奥·莱亚·帕多) Rodriguez, Manuel (曼努艾尔·罗德里戈斯) Rodriguez, Miguel (米盖尔·罗德里戈斯) Romanillos, Jose Luis (何塞·露易斯·罗曼尼奥) Smallman, Greg (吉尔·斯摩曼) Torres, Antonio de (安东尼奥·德·托列士) 古典吉他曲：

A.Barrios：La Catedral (大教堂) A.Lauro：Valses Venezolanos No.3(委內瑞拉圓舞曲第三号) A.Ruiz-Pipo：Cancion y Danza No.1 (歌與舞曲第一號) A.Tansman：Danza Pomposa (壯麗的舞曲) A.Tansman：Suite in Mode Polonico (波兰组曲) A.Tansman：Variaciones sobre un tema de Scriabin(史克里亞賓主題與變奏) Alonso Mudarra：Fantasia No.10 穆达那（幻想曲第十号） Anon ：Romance de Amor (爱的罗曼斯) Antonio Lauro：Venezuelan Waltzes拉罗（委内瑞拉圆舞曲） Astor Piazzola：Tango suite for two guitars 探戈组曲（双吉他）

Astor Piazzola：History of Tango for Guitar and flute皮亚梭拉探戈历史（吉他和长笛） Augustin Barrios：Paraguayan Dance No.1巴利奥斯 巴拉圭舞曲第一号 Augustin Barrios：Concert studies 巴利奥斯 演奏会用练习曲 Augustin Barrios：Julia Florida 巴利奥斯 船歌

Augustin Barrios：Last tremolo 巴利奥斯 祈求上帝的爱 Augustin Barrios：Un Sueno en la florest 巴利奥斯森林之梦 Augustin Barrios：Waltzes 巴利奥斯圆舞曲 Augustin Barrios：Las Abejas 巴利奥斯蜜蜂 B.Britten：Nocturnal Op.70 (布列頓的夜曲) Capricho Arabe (阿拉伯幻想曲) Carlo Domeniconi:Bird bridge 多明尼康尼鹊桥

Carlo Domeniconi:Turkish variation多明尼康尼土耳其变奏曲 Choro da Saudade (鄉愁鳩羅曲) Cimarosa：Sonatas 史麦罗沙奏呜曲

Concerto Antico for guitar and small orchestra 理查德·哈维（古风协奏曲） Concierto de Aranjuez 罗德里戈（阿兰胡埃斯协奏曲） D.Scarlatti：Sonatas 史格拉第奏呜曲 Danza Caracteristica (個性舞曲) E.Pujol：Los Abejorros (大黃蜂) E.Sainz de la Maza：Habanera (哈巴奈拉舞曲) F.Martin：Quatre Pieces Breves (四首小品) F.Mompou：Suite Compostelana (蒙波的康波斯特拉組曲) F.Tarrega：Gran Jota de Concierto(大霍塔舞曲) F.Tarrega：Lagima; Adelita; Marieta(淚，阿德麗塔，瑪莉葉塔) F.Tarrega：Preludios; Maria(Gavotta); Rosita(前奏曲、瑪莉雅、小玫瑰) F.Tarrega：Recuerdos de la Alhambra(阿罕布拉宮的回憶) Fantasia para ur Gentilhombre 罗德里戈（绅士幻想曲）

Fernando Sor：Variations on a Theme from The Magic Flute 索尔莫扎特主題變奏曲 Francisco Tarrega：Mazurkas 泰雷嘉马祖卡舞曲 Francisco Tarrega：Alborada 泰雷嘉晨歌

Francisco Tarrega：Capricho Arabe泰雷嘉 阿拉伯風格隨想曲 Francisco Tarrega：Vals 泰雷嘉圆舞曲 Francisco Tarrega：Sueno 泰雷嘉梦

Franz Gruber: Silent Night弗朗兹·格鲁贝尔(平安夜) G.C.Lindsey：Rain Drops (雨滴) Gaspar Sanz：Suite Española 山斯西班牙组曲 Giulio Regondi：Nocturne op.19 雷宫第夜曲 op.19 Grand Solo 索尔（伟大的独奏） Grande Ouverture朱利亚尼（大序曲）

H.Villa-Lobos：Preludios No.1, 3, 4 (前奏曲1,3,4 號) Isaac Albaniz:Sevilla 阿尔贝尼滋塞维利亚

Iac Albeniz: Granada伊萨克·阿尔贝尼兹(格拉纳达) Iac Albeniz：Asturias (Leyanda) 伊萨克·阿尔贝尼兹(阿斯图利亚斯传奇） J.Duarte：English Suite (英國組曲) J.K.Mertz：Elegie, Fantaisie Hongroise op.65梅尔兹悲歌，匈牙利幻想曲 J.Rodrigo：En Los Trigales (小麥田) J.Rodrigo：Invocacion y Danza (祈祷与舞曲) J.S.Bach ：Lute Suites (魯特琴組曲) J.S.Bach： Fuga BWV1001 巴赫 赋格

J.S.Bach：Prelude from cello suite No.4 BWV997巴赫前奏曲 J.S.Bach：Chaconne from violin partita No.2 BWV 1004 巴赫恰空舞曲 J.S.Bach：Cello Suite BWV 1009 巴赫大提琴组曲 BWV 1009 J.S.Bach：Sonata BWV 1043 巴赫奏呜曲

J.S.Bach：Lute Suite No.4 BWV 1006巴赫鲁特琴组曲 J.Turina：Homenaje a Tarrega; Fandanguillo; Rafaga (疾風) Joaquin Turina:Sonata Op.70 屠连纳奏呜曲 Op.70 John Dowland：Prelude, Pavan, Fantasia, 约翰杜兰（前奏曲, 孔雀舞曲, 幻想曲） José Luis Merlin:Suite del Recuerdo梅林回忆组曲 Julio Sagreras：El Colibr沙格拉斯蜂鸟 Koyunbaba 多明尼康尼（科庸巴巴） L.Brouwer：Elogio de la Danza (舞之頌) L.Brouwer：Tres Apuntes (三首素描) L.Mozzani：Feste Lariane (羅利安那祭曲) L.Walker：Kleine Romanze (小羅曼史) La Danse Des Naiades (水神之舞) Leo Brouwer:Elogio de la Danza 李奥包华舞蹈禮贊

Leo Brouwer：El Decameron Negro 黑色十日谈（利奥·布劳威尔）

Luys de Narvaez：Diferencias sobre Guardame las Vacas 拉维斯（看牛歌变奏曲） M.C.Tedesco:Sonatina for flute and guitar泰德斯高长笛与吉他小奏呜曲 M.C-Tedesco：Capricho Diabolico (魔鬼綺想曲) M.de Falla：Homenaje a Debuy (德布西的讚歌) M.Guiliani：Le Papillon, Op.30 (蝴蝶) M.Llobet：Canciones Populares Catalanas(卡達朗民歌) M.Muorgsky：Pictures from an Exhibition 莫索斯基圖畫展覽會 M.Torroba：Suite Castellana (卡斯提亞組曲) Madrigal Gavotta (牧歌風嘉禾舞曲) Manuel de Falla:Hommage pour le Tombeau de Debuy 费亚德贝西之墓赞歌 Mauro Giuliani:Sonata for flute and guitar朱利亚尼小提琴与吉他奏呜曲

Mauro Giuliani：Variations on a theme by Handel朱利亚尼（韩德尔主题变奏曲） Nicolo Paganini：Sonata, Caprices Nos.5, 8, 24帕格尼尼奏呜曲, 随想曲 Nos.5, 8, 24 Nicolo Paganini:Sonatas for violin and guitar 帕格尼尼小提琴与吉他奏呜曲 Pieza Sin Titulo (無題小品) R.S.Brindle：Polifemo de Oro(黃金的古希臘獨眼巨集) Robert Saxton: Night Dance 布列顿夜曲 Op.70 Roland Dyens:Tango en skai 迪恩斯探戈 Roland Dyens:Sudade No.3 廸安斯鄉愁曲三號 S.Dodgson：Partita (多格森的組曲) S.L.Wei：Paacaglia 魏斯帕撤嘉利亚舞曲 saac Albaniz:Cordoba 阿尔贝尼滋哥多巴 saac Albaniz:Torre Bermeja 阿尔贝尼滋红塔 saac Albaniz:Cadiz 阿尔贝尼滋卡廸斯 saac Albaniz:Mallorca 阿尔贝尼滋马约加 V.Gomez：Triste Santuario (悲傷的禮拜堂) W.Walton：5 Bagatelles for Guitar(五首為吉他而寫的小品)

推荐第5篇：42首古典吉他精品曲目赏析

1、《阿尔汉布拉宫的回忆》——塔雷加

这是被尊称为“近代吉他音乐之父”的西班牙著名吉他作曲家兼演奏家塔雷加的一首最有名的代表作品。

乐曲描绘了作曲家对西班牙格拉纳达城的一座宫殿的印象。

全曲的旋律从头至尾都用轮指来演奏，同进配有分解和弦的伴奏，颤的效果发挥得淋漓尽致，无论从演奏技巧或是表现意境方面都有相当的深度。既精妙地描画出阿尔汉布拉宫宫殿的辉煌华丽的景致，又给人以深的感受和回想。

不了解吉他的人很难想像是由一把吉他的独奏来完成的。

2、《阿兰胡埃斯协奏曲》——华金\"罗德里格

马德里东南30英里有一座小城名叫阿兰胡埃斯，这里原是波旁王朝的夏宫，西班牙作曲家华金\"罗德里格60年前创作的一首吉他曲让它名扬天下，名字就是阿兰胡埃斯协奏曲。 整个乐曲充满一种西班牙式的忧伤，绝不同于欧洲其他地方的那些伤感音乐，具有无比伦比的震撼力，被誉为三大吉他协奏曲之一。

3、《大教堂》——巴里奥斯

说到大教堂就不能不提到它的作者巴里奥斯。由于历史的渊源，南美给人的印象首先要跟西班牙挂上钩：激烈热情的西班牙吉他，粗犷奔放的性格和热辣的Tango。虽然其中具有南美的音乐元素，然而从这收标题音乐的题目就可以看出来，不同于南美的传统风格，这是一首具有理性的、对于最高原则的思索和探求的曲目。也许这就是古典吉他的魅力，它可以在不同时空、不同民族、不同文化的人当中引起共鸣。《大教堂》被算做巴里奥斯4类作品中巴洛克风格的作品之一，然而曲子本身展现的对于人性的关怀和强烈的画面通感又使其极具浪漫时期的人文色彩。

全曲共分三部分：

第一部分：D大调本属于节奏明快的调性，却展现出了略带忧郁的感觉。仿佛祈祷的人站在空旷的教堂中央，缓慢的度步，阳光从巨大彩色的玻璃中透过来，使宁静的教堂带上了斑斓而温暖的色调。

第二部分：这是属于天国的声音。庄重的和弦表现出最崇高的、不可违抗的上帝的律令。似乎在描写天堂的同时勾勒出了人间的疾苦。人世的苦难众多，但是低沉、稳健的低音区奏出了坚强甚至有些悲壮的音符：顶着风雨前进：这是我们唯一的选择。这部分是最能够引起人内心的伤感同时又最能给予人力量的一部分。福田好啊。好啊。好的不能用语言形容啊。 第三部分：进入教堂祈祷的人们，男男女女，老老少少。各人都有各人的不幸，但是得到的答复都是相似的：因为上帝的安慰不会因人而异。

4、《华尔兹》——索尔

华尔兹是一种轻快的三拍子舞曲。这一首华尔兹在世界现代的吉他教材中很常见，指法并不难，但是很好听。它可以帮助初学者找到旋律声部和伴奏声部的层次感。

5、《幻想曲》——穆达雷

幻想曲史上最令人激动人心的吉他曲子，穆达雷的幻想曲没有扫弦，没有轮指，只是拨弦，只能靠曲子本身打动人心，但是他做到了，老练的拨弦手法，优美起伏的曲子令人神往。

6、《吉诺诺它》第一号

十分舒缓悠扬的一首曲子，觉得更像是小品，不长，也没有急迫的那种气势，适合人心情平和是来听。

7、《卡门组曲》——比才

法国作曲家比才于1874年创作的歌剧《卡门》，其中前奏曲是该歌剧中最著名的器乐段落，常单独演奏。一般的歌剧序曲都是用交响方式缩写或提示歌剧内容，这首序曲结构简单，仅仅描写了欢乐气氛和剧中次要人物斗牛士的英勇形象。

开始呈示的快板主题选自歌剧第四幕斗牛士上场时的音乐，生气勃勃、充满活力，表现了斗牛士英武潇洒的形象和斗牛场内兴奋活跃的气氛。由于它带有进行曲特点，故又称《斗牛士进行曲》。

接下来乐曲从A大调转为F大调，出现第二幕中《斗牛士之歌》的副歌音调，具有凯旋进行曲特点，坚定有力的节奏和威武雄壮的曲调表现了斗牛士的飒爽英姿。反复时提高八度，使情绪显得更为高昂。之后再现第一部分主题。

结束部分出现卡门的音乐动机，带有不祥的气氛，在弦乐有力的震音背景下，以大提琴为主的乐器奏曲悲剧性主题，暗示悲剧性的结局，最后在强烈的不和协音响中结束。

8、《骷髅之曲》——圣\"桑

很鬼魅的一首曲子，一定得配合着大小提琴一起演奏才会有效果。曲子听起来异样的欢快，令人神往，高潮迭起，小提琴部分是高潮，吉他部分作为铺垫。

9、《魔笛变奏》——索尔

西班牙著名的作曲家和吉他演奏家索尔被后世尊称为“吉他史上的贝多芬”。《莫扎特“魔笛”主题变奏曲》是索尔根据莫扎特的歌剧《魔笛》第一幕第三场的主题所作的变奏曲。

全曲分序曲、主题、五种变奏、尾声等八个部分。各个部分均有不同的细腻技巧及丰富的音乐性格，只有本人是出色的演奏家才能创作出如此发挥乐器特性的器乐曲，此曲是吉他音乐会上的保留曲目，亦常常作为吉他比赛中的规定曲目之一，以此来说明演奏者的技巧水平和音乐素养。可见此曲在吉他曲中的地位之一斑。

10、《拉斯图利亚斯传奇》-----阿尔贝尼斯

原曲由西班牙作曲家阿尔贝尼斯作于1896-1897年。原系钢琴组曲《西班牙之歌》（Op.232）的第一曲《前奏曲》，但其写法本身就受到吉他演奏法的影响。主要以吉他独奏曲广为流传。 阿斯图利亚斯地区位于西班牙北部坎塔布连山脉北侧，这一地区历史上经历过多次战争，留下许多传说。中轮扫奏法的运用，增强了乐曲前后段落强烈的节奏性和戏剧性。中间部主题的性格与前后部分形成鲜明对比。在徐缓速度上吟唱的中间部主旋律充满内在的激情。《阿斯图利亚斯传奇》也是著名的古典吉他经典保留曲目。

11、《玛祖卡》-----塔雷加

塔雷加在演奏技法上，尤其在弹弦上塔雷加别开生面。他还使泛音奏法尤其是八度的泛音奏法成为吉他常用的一种演奏技法而丰富了吉他在音色方面的表现性能。

塔雷加创作的吉他曲约八十首，其中《阿尔罕布拉宫的回忆》，《阿拉伯风格随想曲》，《前奏曲集》已成为吉他音乐的古典名作。

此外抒情而高度发挥了吉他乐器独特的表现性能的《晨歌》，《泪》，《阿德丽塔(玛祖卡)》等吉他音乐小品也成为经常演奏大保留曲目。

12、《梦中森林》----巴里奥斯

巴里奥斯的《森林之梦》是一首对吉他演奏者不论是技巧（尤其是轮指的技巧）上，还是音乐上进行全面考验的曲子。

13、《莫扎特小夜曲》----莫扎特

莫扎特的音乐清明高远，乐天愉快，淳朴优美，其挚温暖，有如天籁一般。常常被誉为“永恒的阳光”。SPring Spring （春泉）。莫扎特在严酷命运的摧残之下默默地承受着、孕育着、奉献着„„象殉道的使徒般唱着温馨甘美的音乐安慰着自己，安慰着整个世界。

14、《平安夜》----弗朗兹\"格鲁贝尔

格鲁贝尔的这首平安夜，也是异常出名的古典吉他名曲。平安夜降临前听着如此婉转，神往的吉他曲子，不禁期盼来年的美好，也让你思绪万千，魂牵梦绕。其中的轮指虽然不多却也异常好听，特别喜欢结尾。

15、《西班牙舞曲》----格拉纳多斯

在那部举世闻名的芭蕾剧《天鹅湖》里面，柴可夫斯基引用了大量的各个国家的民族旋律，其中有西班牙、意大利、波兰甚至中国旋律。而这首西班牙舞曲是里面非常热辣的一段，节奏飞快。

16、《西西里舞曲》----雷史毕基

西西里舞曲也是相当动听，似乎能将我们带到中古世纪里的意境中，非常地优雅安逸。

17、《月光狂想曲》

改编的月光狂想曲，由吉他和着钢琴的声音，表现出寂静的夜晚明媚的音乐光下作者澎湃的思绪，倾吐着内心的感受，确实适合晚上独奏。

18、《忧伤圆舞曲》----西贝柳斯

芬兰作曲家西贝流士（J.Sibelius）宛如小型交响试的「忧伤圆舞曲」（Valse Triste, Op.44-1, 1904）原本是他为妻舅Armas Jarnefelt的剧作【死神】（Kuolema）谱写的一段配乐，以伴隨死神趁著垂死老妇隨伺的儿子睡著之际，化身做其亡夫邀舞的情节；主題动机以相當隐喻的旋律展开預示死亡，中段的相当甜美的旋律延伸出高昂的情绪，象徵与亡夫相逢的喜悅，最初的阴沉旋律最后仍接管了一切，末尾三個不安的和弦意味死神在儿子醒來的那一刻，帶走了他的母亲。这种摻杂哀伤与欢乐的情绪正是人生的最佳写照，加上此曲沙龙味十足，出版后成了当时欧洲咖啡屋的热门曲目。

19、《月光》----索尔

作者是19世纪杰出的吉他艺术家费尔南度\";索尔，该曲指法变化不多，演奏速度较慢，技术难度不高，是首容易弹奏的曲子。

但该曲展现了一幅田野、河流、村庄在朦胧的月光下，万籁俱寂、大地一片银光的美丽画面，它与贝多芬的钢琴曲《月光》有着异工同曲之妙，展现给人们一幅梦幻般迷人的景色。索尔被誉为“吉他史上的贝多芬”是受之无愧。《月光》也成为了古典吉他曲中的不朽名曲。

20、《爱的罗曼史》----叶佩斯

《爱的罗曼史》这首乐曲,主旋律取材于西班牙传统民谣。1952年，法国影片《被禁止的游戏》的导演，邀请西班牙著名吉他演奏家叶佩斯，为这部影片配乐。

耶佩斯别出心裁，只采用一把吉他为整部影片配曲，并且由他一人独奏。该影片的主题音乐就是这首《爱的罗曼史》。影片《被禁止的游戏》上映以后，《爱的罗曼史》广为流传，并成为所有知名吉他演奏家的保留曲目。

乐曲优美纯朴的旋律与清澈的分解和弦完全溶为一体，充满温柔和浪漫的气息，《爱的罗曼史》甚至成为吉他的同义词，是吉他曲中的一首不朽名作。

21、《悲伤西班牙》----尼古拉﹒德﹒安捷罗斯

一首同样忧伤但动听的西班牙吉他曲

22、《镜中的安娜》----尼吉拉.德.安捷罗斯

浪漫柔美得吉他曲《镜中的安娜》，这首名曲是法国吉他大师尼吉拉.德.安捷罗斯演奏的。尼古拉以此曲一举成名，独特的弹奏将吉他滑音的魅力表现得淋漓尽致，分解和弦伴奏富有动感，與旋律有機的结合，给人以心旷神怡的感受，使人们越聽越能更深刻地理解它，是一首極其美丽的吉他曲。

23、《卡尔卡西练习曲》-----卡尔卡西

在古典吉他的练习曲中，卡尔卡西的练习曲占有相当的地位。而卡尔卡西的25首练习曲，作品第60号，则是卡尔卡西的代表作，也是学习古典吉他的学生从初级向中级迈进的重要练习曲目。这首乐曲就选自其中的第3号A大调《小行板》。由带再现的单二部曲式构成这首乐曲，用分散和弦的三连音贯穿全曲，力度的强弱变化突出。

24、《绿袖子》―――英国民谣

绿袖子,是一首英国民谣，在依丽莎白女王时代就已经已广为流传，相传是英皇亨利八世所

作（他是位长笛 家），根据19世纪英国学者威廉\";查培尔(William Chappell)所做的研究资料指出，《绿袖子》的旋律最早是记录在16世纪末英国著名的鲁特琴曲集《WilliamBallet/\'s Lute Book》，歌词部份则出现在1584年。然而这首歌曲真正广为流传开来，则是在英国作曲家约翰\";盖伊(John Gay)将它编入为了对抗意大利歌剧所创作的 《乞丐歌剧》(The Beggar/\'s Opera,1728)中。

这首民谣的旋律非常古典而优雅，是一首描写对爱情感到忧伤的歌曲，但它受到世人喜爱的层面却不仅仅局限在爱情的领域，有人将它换了歌词演唱、也有人将它作为圣诞歌曲，而它被改编为器乐演奏的版本也是多不胜数，有小品、有室内乐、有管弦乐„，而这其中又以上述的《乞丐歌剧》和英国作曲家佛汉威廉斯(Vaughan illiams)所写的《绿袖子幻想曲》(“Fantasia on Greensleeves”)最具代表性。

在《绿袖子》的诸多乐器版本中，最能表现此曲略为凄美的情境，除了最早的鲁特琴版本、吉他版本一直以其独特的音色占有独特的表现地位。

25、《雨滴》----林塞

《雨滴》是一首著名的典型吉他曲,它描写了雨过天睛这后,漫步于林中小径,聆听枝尖叶梢滴水的情景.全曲没有特别艰深的技巧,然而它所能表达的情绪与装饰音的效果,除了吉他这外,没有任何一种其它乐器代替得了.演奏时速度自由流畅,慢而不拖,快而不乱,形成自然地流动。

26、《悲伤礼拜堂》----Vicente Gomez

作者此曲是为了献给自己的父亲，所以比较庄重，但也藏着深情，乐曲缺少了以往那种欢快的气氛，转而像是一种陈述，一种表达，一种怀念，不多说了，自己听听吧。

27、《泪》----塔雷加

这是塔雷加的十分脍炙人口的小品之一。全曲仅有十六小节，但仍然发挥了吉他音色的多彩性。通过对吉他六条弦的交替弹奏，典型地表露在小品中追求吉他音调色彩的塔雷加的风格。优美的旋律并非是深沉的哀泣，更像是天真的孩子流出快乐而兴奋的眼泪。

28、《小罗曼史》----路易斯 华歌

露伊丝\"娃可（Luise Walker, 1910-1998），1910年出生于奥地利维也纳，为20世纪吉他乐史上最具代表性的女性演奏家之一。她在八岁时开始学习吉他，不久后就展现出惊人的天赋。14岁举行生平第一次的独奏会，观众为之疯狂，随即很快在欧洲名声大振，并开始以职业演奏家的身份应邀到欧美各国演出。

《小罗曼史》是露伊丝的作品之一，也是深受许多学生喜爱的吉他小品。以往曾经有文章介绍说此曲是讲述一个失恋少女的故事，其故事虽然缠绵悱恻，其真实性却有待推敲。

全曲分为A，B，C三个段落，每一段落均有反复，后面有一段再现（A ）段的尾奏（coda），所以可以称为是单纯的三段体曲式。

乐曲一开始的A段（6/8拍子），这是一段酷似维拉罗伯士(H.Villa Lobos)>的主题，过去就曾见到有学生在音乐会上将这两首作品“混为一弹”，确实令人有些啼笑皆非。在这一段中，主题以“模仿大提琴”的效果在

5、6弦上缓缓的唱出略微感伤的旋律，谱上德文写 Getragen Mitviel Ausdrucksvoll,其意就是“非常有感情地 ”。

乐曲进入B段后，节奏转为4/4拍子，乐谱上提示出Lebhaft（活泼生动）的演奏要求，所以这一段的情绪明显地要比A段来得轻松、活泼许多，使人感受到盎然的蓬勃朝气。

而在接下来的C段，节奏仍然维持在4/4拍子，这是一段全部为三连音分解和弦作成的主题，其中所运用的和声及旋律，又与《爱的罗曼史》一曲有着几分神似，充分地表达出吉他无穷的魅力。乐曲最后的尾奏短暂地再现了 A段的主题，随后以四个中止式的和弦简洁有力地结束全曲，整首作品优雅细致、极具抒情色彩。

29、《大霍塔舞曲》 ----塔雷加

泰雷加一生创作的大量作品中有不少是不朽名作。他的绝大多数作品都是以突出吉他的音乐性、抒情性为主，唯独《大霍塔舞曲》炫耀了吉他各种各样的技巧，包括许多特殊技法：快速半音阶，琶音，分解和弦，揉弦，轮指，上下行涟音奏法，滑音奏法，靠弦与不靠弦奏法，泛音奏法，左手单手涟音奏法，大鼓奏法，小鼓奏法，单簧管奏法，大管(巴松管)奏法等等。可以说这支曲子几乎包括了古典吉他全部技法，弹奏这首乐曲需要相当的功底才能真正应付自如。

30、《樱花变奏曲》-----横尾幸弘

日本名谣，横尾幸弘改编为《樱花变奏曲》，分前奏、主题、3个变奏、尾声6个部分。

31、《大序曲》----朱利亚尼

弹奏朱里亚尼的《大序曲》，需要有非常熟练的技巧和高度激动的热情，才能把这首曲子表现得淋漓尽致。

大序曲开始是15小节的序奏，a小调，4/4拍，行板，可分为三段，前4小节为第一段，乐曲一开始的第一个主和弦就给人以强有力的乐队全奏的感觉，然后是分解和弦，渐弱之后到第二小节第二拍是一个突强的和弦，接下来第三小节是很弱的、模仿木管乐器演奏的分解属七和弦。到第四小节第二拍，又是一个突强和弦，形成序奏第一段的小高潮。

序奏的第二段是个过渡句，在力度上明显地由弱到强，这三小节的过渡引出了序奏的第三小段。序奏的第三小段使用不断重复的低音加上此起彼伏的分解和弦，把序奏引向高潮，然后又渐慢、渐弱，一直到序奏的结尾。

32、《小夜曲》-----舒伯特

小夜曲这是舒伯特短促的一生中最后完成的独唱艺术歌曲之一，也是舒伯特最为著名的作品之一。此曲采用德国诗人莱尔斯塔勃的诗篇谱写成。“吉他是非常美妙的乐器，然而，能了解其中奥妙者，则寥寥无几”，这是舒伯特的一句话。他给我们留下了非常美妙的吉他室内乐作品，如由吉他、横笛、中音提琴及大提琴演奏的四重奏就是这一首作品。

33、《少女的祈祷》-----巴达捷斯卡太克拉

《少女的祈祷》是一首由钢琴经典小品改编的古典吉他曲。该曲作于1859年，初刊登在法国巴黎一家音乐杂志的副刊上，但很快就不胫而走，成为畅销一时的名曲，此后相继以八十余种不同版本风行全球。

作者芭达捷芙斯卡是一位女钢琴家，她生于波兰首都华沙，二十四岁时就过早地离开了人世，留给我们的只有这一首名曲。虽然世人对于本曲的作曲经过已无从知晓，但这首乐曲在形式上只不过是简单的变奏曲，却由于命名为《少女的祈祷》而蜚声世界，久盛不衰，也许应归功于作曲者的匠心独具，抑或是出版商的精明，总之，这不能不说是音乐史上的一个奇迹。 乐曲的结构极其简单，为速度适中的行板，以下行音为中心的四小节前奏之后，乐曲呈现出温婉而幽丽的主题；此后是主题的四种变奏形式，最后一个变奏以三连音符为主，饱含热情，和声只是一些属七和弦和主三和弦而已。本曲形象单纯、手法朴素。俄国杰出的文学家契诃夫曾在他的著名剧作《三姐妹》中引用此曲作为配乐。

34、《阿拉伯风格绮想曲》-----塔雷加

《阿拉伯风格绮想》，也是有近代\"吉他音乐之父”之称的塔雷加的代表作品之一，曾被后人称赞为“吉他演奏技术与音乐表现最合理的结合”。

全曲中小夜曲风格的主题与变化的旋律交替出现。悠然自得的主旋律和华彩乐段几乎扩展到吉他的全部音域。充分发挥了吉他六根弦各个音区的不同音色特点，表现了吉他魅力之所在。 塔雷加和别的古典派作曲家不同，很少写奏鸣曲或协奏曲等室内作品，而专注于吉他小品之作曲和编曲，这首曲子中飘忽变化的旋律，表现了抒情悠扬的小夜曲风格，使人在广阔音域中欣赏到吉他的美妙的音色。

35、《最后的颤音》----巴里奥斯

巴里奥斯的《最后的颤音》，旋律优美、神秘悠远而带有沉思意境，在潺潺流水般的轮指下，像是悠悠地诉说着巴里奥斯生平的故事。

36、《阿狄利达》----塔雷加

阿狄利达与《泪》一样，学习塔雷加的初学者必须学习《阿狄利达》。此曲以较缓慢的速度演奏，曲中在明朗歌唱的部分采用高音部的滑音演奏法，这是吉他以外乐器所无法表现的。

37、《卡伐蒂娜》----史坦利 梅耶

与另一只吉他名曲《爱的罗曼斯》有惊人的异曲同工之妙。这只乐曲出自英国作曲家斯坦尼.麦尔斯的笔下。在电影《猎鹿人》中，导演邀请了享有“吉他王子”美誉的吉他演奏家约翰.威廉斯（John williams）来担任配乐演奏。乐曲在电影放映之后一举风靡全球。

“卡伐蒂那”原意是指短小的抒情歌曲，在器乐上是指旋律优美动听的小品。这只乐曲也正是这样一只曲子。乐曲在轻柔的分散和弦的伴奏下奏出舒缓如歌的旋律，意境温柔而浪漫，充满了向往与憧憬，最后在无穷的眷恋中结束了全曲。这只迷人的乐曲深受人们的喜爱，但涉及到的技巧内容要远比《爱的罗曼斯》复杂的多。

38、《罗密欧与朱丽叶》-----普罗柯菲耶夫

一个传统的爱情故事，用一段音乐就真实地表现出来了。于是《罗密欧与朱丽叶》的主题很快风靡全球，并被改编成钢琴、小提琴等多种音乐形式。现在，我们不妨从吉他中去感受这段忧郁的旋律......39、《小行板圆舞曲》-----卡诺

西班牙吉他演奏家安东尼\";卡诺（Antoni Cano,1811-1897）生于洛尔卡。卡诺早年学医，取得外科医生资格后回故乡行医数年。同时学习音乐。此后，曾在宫廷演奏并任职。1813年索尔由于政治原因离开祖国，流亡巴黎。在巴黎他得到凯鲁比尼（Linsi Cherabini,1760-1842），梅于尔（Etienne-Nicolas Aehul,1763-1817），贝尔东（Henri Montan Berton,1767-1844）等好友的热烈支持。于是这位失意的军人，又在诸友的劝慰下，再度重返艺术家的生涯。

40、《追想曲》 -----阿兰布拉

阿兰布拉的《追想曲》被赞为历史上最浪漫的追想曲，记得以前上海每天早上有一个广播，主持人是裴子安，她主持的节目背景音乐放的一直是这首歌曲，确实是很优美。

41、《随想曲第24号》——帕格尼尼

闻名于世的“二十四首随想曲”是浪漫时期“琴魔”帕格尼尼的小提琴曲集，由于帕格尼尼亦是一位吉他演奏者，其作曲思维也受到吉他演奏法的影响，所以这二十四首随想曲改编为吉他作品也很自然与小提琴比各有千秋，其中第二十四首无论是小提琴还是吉他都演奏的较多，它的一首变奏曲作曲手法很有新意、技巧高难，“琴魔”狂傲之气尽现无遗。

42、《美人鱼小夜曲》-------那卡巴亚西

听着这首《美人鱼小夜曲》仿佛来到了丹麦那个童话世界，来到了海边看到了那个美人鱼雕像。而且，本曲子需要颤音技巧；《美人鱼小夜曲》的轮指全部是轮一弦，使得轮指难度相对较低，同时它的左手没有太难的指法，不会成为演奏上的障碍。而《阿尔罕布拉宫的回忆》则不同，上来就是轮指轮二弦，这样声音不易出来，连贯性也不易弹好。

推荐第6篇：探讨古典吉他轮指技巧

目 录

摘要„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅰ Abstract„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ 1 导论

„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 1.1 古典吉他轮的起因 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 1.2 国外有关古典吉他轮指的研究动态 „„„„„„„„„„„„„„4 1.3 国内有关古典吉他轮指的研究动态 „„„„„„„„„„„„„„5 2 轮指的要领 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 2.1 条件 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 2.2 轮指常见毛病与解决„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 3 轮指初步练习方法„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„7 3.1 心理分析„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„7 3.2 练习„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„8 4.掌握与巩固 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„9 4.1 慎选练习曲 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„9 4.2 掌握正确练琴方法„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„10 4.3 每天要抽一定的时间练习轮指 „„„„„„„„„„„„„„„„10 结论 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„10 参考文献 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„11 致谢 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„12

摘 要

轮指是古典吉他演奏中很重要也比较难的一种弹奏技巧。在国外，古典吉他大师约翰·威廉斯弹奏的轮指音色柔美，颗粒感觉不强，更像是拉弦乐器的延音。而村治佳织她的轮指坚韧有力，颗粒性强些，给人一种遨游天空的感觉。耶佩斯的轮指力度把握的非常好，给人以飘渺、空旷、忧郁的感觉，一副副美丽动人的画面犹如电影画面浮现在我们面前。杨雪霏的轮指可以说弹到炉火纯青的地步，拇指弹奏的低音柔美且强弱对比控制的特别到位，完美的表达曲中蕴含的情感，a,m,i指的主旋律音色很亮，旋律线的感觉带有中国音乐特有的细腻与诗意，仿佛带我们游于美丽的山水之间。殷飚弹奏的吉他酷似中国的琵琶，大珠小珠落玉盘的境界在他那的到更好的体现。

本课题通过欣赏不同古典吉他大师的轮指演奏与轮指教学中找到经验与诀窍，再结合自己学习轮指时所得经验，写出这篇关于古典吉他轮指的技巧的轮指，以与其他的古典吉他爱好者更好的交流学习。

关键词： 古典吉他；轮指；节奏

Abstract

Round refers to claical guitar playing a very important and a more difficult playing technique.In other countries, the claical guitarist John Williams playing the wheel • refers to mellow sound, particle do not feel strong, more like an extension of pulling strings sound.The village, good governance means a tough round of weaving her powerful and strong particles more, giving a feeling of traveling in the sky.Yepes wheel refers to efforts to grasp very well, gives a fleeting, empty, depreed feeling, a deputy beautiful surface of the screen like a movie screen in front of us.Xuefei wheel that can be projected into the consummate point the thumb playing the ba gentle strength of contrast control and a special place, a perfect song to expre the emotions inherent in, a, m, i refers to the main theme of sound is very bright, melodic line Chinese music with a unique sense of the delicate and poetic, as if to take us to swim in the beautiful mountains and rivers between.Yin Biao play guitar exactly like the Chinese pipa, big beads beads off the jade plate in his realm of to better reflect the.

This topic through the appreciation of the different masters of claical guitar playing with the wheel means a wheel that found in the teaching experience and know-how, combined with their own learning when the wheel refers to the experience gained from writing this on the claical guitar-round skills mean the wheel means to keep up with the other claical guitar enthusiasts to learn better communication.

Keywords: claical guitar; round of finger; rhythm

1.导 论

1.1 古典吉他轮指的起因

轮指的起因弹拨乐器的最大弱点是只有音头而没有余音，而没有像弓弦乐器、吹奏乐器那样有强弱变化自如的长音。因此，演奏宽广缓慢的歌唱性旋律是所有弹拨乐器的一大难题。最好的补救方法就是用同音的急速反复来表现乐曲中的持续长音，这种技巧就是轮指。

在实际应用中，轮指通常使用P指(拇指)弹奏低音分解和弦，用a(无名指)、m(中指)、i(食指)三指轮流反复弹奏主旋律。

1.2 国外有关古典吉他的轮指研究动态

在国外，古典吉他演奏家约翰·威廉斯随着那首令人陶醉的《卡伐蒂娜》动人旋律在他的指尖流动，从而，众多的吉他爱好者知道了他的名字。他，就是被塞戈维亚称为“吉他王子”的当代最负盛名、最受欢迎的吉他大师——约翰·威廉斯.他的轮指拇指弹奏的低音强弱对比明确，与指所弹奏的主旋律一样赋予它感情与生命，所弹奏的音色柔美，听起来颗粒的感觉不强，更像是拉弦乐器的延音，是音符更行云流水、连绵不绝。

而村治佳织村治佳织(Kaori muraji)1978年生于东京，3岁开始跟父亲学吉他，10岁起师从福田进一先生，她得到了来自男女老幼各个层次范围人们的支持，是位大有前途的实力派的顶级艺术家。出有专辑：《田园牧歌》、《梦森林（卡伐蒂纳）》、《巴洛克素描》、《Lumieres》等。她的轮指拇指弹奏的坚韧有力，a, m, i指的主旋律颗粒性很强，发挥了拨弦给人强韧的感觉，颗粒性的音符慢慢流淌，给人一种冲向天空任意遨游的感觉。

著名吉他演奏家、音乐家耶佩斯在轮指有更深的造诣。有"吉他旗手"的美称。耶佩斯是当今最受欢迎的演奏家之一，他擅长演奏近现代的西班牙作品，其乐曲处理造型性强，演奏技巧高超而洗练。耶佩斯也是优秀的教育家，许多青年的吉他演奏家得到过他的指导，另外，他还改编整理了许多古代乐谱，丰富了吉他演奏曲目。他的轮指演奏的美轮美奂，大拇指弹奏低音与其他三指弹奏的颗粒性旋律融合的恰到好处，在突出主旋律的同时用音量稍低的低音作衬托，力度把握的恰到好处，让人感觉连绵不断的旋律的空隙里隐隐夹的低音伴奏，给人以飘渺、空旷、忧郁的感觉，副副美丽动人的画面如电影似的浮现在我们面前。

1.3 国内有关古典吉他的轮指研究动态

在国内，杨雪霏作为罕有的活跃在国际舞台上的中国吉他演奏家，被誉为当代其中一位最令人瞩目的音乐家新星。2000年她的首张独奏专辑面世，获得世界各地的高度好评，同年6月于中央音乐学院毕业，成为中国第一个取得学士学位的吉他本科毕业生，9月作为第一个中国学生，也是第一个吉他学生获得英国皇家音乐学校联盟的全费奖学金，赴英国皇家音乐学院随米高卢因(Michael Lewin)及约翰米尔斯(John Mills)修读研究生课程。杨雪霏的演奏不仅具有东方人特有的细腻与诗情，并且具备女性演奏家所罕有的魄力与激情，加以对乐曲深刻的理解和超群的技巧，使她在负笈英国的短短四年中，以惊人的速度建立了她的国际演奏事业，演出和访谈经常出现在不同国家的各种媒体上，在许多国家和重要音乐节演出独奏、协奏曲及室内乐音乐会。

她的轮指可以说弹到炉火纯青的地步，拇指弹奏的低音柔美且强弱对比控制的特别到位，完美的表达曲中蕴含的情感，a、m、i指的主旋律音色很亮，旋律线的感觉带有中国音乐特有的细腻与诗意，仿佛带我们游于美丽的山水间。

而殷飚：出生于音乐世家，广东歌舞剧院青年吉它演奏家。说起吉它，怎么也与中国传统器乐沾不了边，可殷飚成功地运用吉它表现了民乐同样的意境。

殷飚五岁从其父殷惠麟（星海音乐学院教授，琵琶教育家、演奏家）学习柳琴。后考入广州音乐学院主攻琵琶，学习吉它。

殷飚的基础扎实，知识全面，借助于民族乐器（尤其是琵琶）中的技法，将中国民乐中的韵味融入吉他，充分发挥了吉他的表现力。他将《夕阳箫鼓》、《出水莲》、《彝族舞曲》、《金蛇狂舞》等改编成吉它独奏曲，将《塞上曲》改编成吉它与乐队合奏曲，在吉它界影响甚大，流传很广。

他弹奏的轮指曲目颗粒性比较强，与杨雪霏所弹奏的一样，具有中国音乐的特色，酷似中国的琵琶，音色亮，但低音的混响比琵琶足，他的轮指拇指铿锵有力，其他三指的轮指弱中有强，强中有弱，强强弱弱中带人进入诗意的山水之中。

2.轮指要领

2.1 条件

纵观古今中外古典吉他艺术实践，好的轮指必须同时具备以下6项基本条件: 节拍进行绝对要平稳、准确，前后一致，不能前快后慢或前慢后快，不允许突快突慢，要有节奏感。

轮指的音色要颗粒均匀，即音与音之间时值要相等。 轮指的每个音的音量要平衡。

轮指的发音要清晰可辨，要有颗粒性，不能“含糊其辞”。只有通过采用正确的拨弦方法和大量的慢速练习才能达到这项要求。英国古典吉他大师翰·威廉斯的轮指发音清晰，颗粒性很强，琴友们可以通过约翰·威廉斯的音像资料了解大师的技巧。

P指和a、m、i各指能分别独立控制各个声部的力度、节奏，P指的低音伴奏要和a、m、i指轮出旋律线层次分明地结合在一起。要做到这点，必须训练右手P、m、a、i各指具有单独弹奏的能力。

轮指的旋律线要有强弱起伏，要富有表情。多唱谱有助于加深对乐曲的感受和理解，它是增加轮指演奏音乐性的一条捷径。

2.2 轮指常见毛病与解决

2.2.1 三种常见毛病

节拍不准、不稳，前后不一致，前快后慢或前J漫后快;容易的地方就弹得快，难的地方则弹得慢。

音色的颗粒感分布不均匀，即音与音之间的时值不等，使得轮指的演奏效果变得结结巴巴，缺乏鲜明的节奏感。以《阿尔汉布拉宫的回忆》(第一小节)为例，不良的轮指奏法，常会造成如下情形:(图一)。

我在练这首曲子的时候开始也有这样的毛病，总感觉力不从心，弹奏不均匀，这跟基本功有很大的关系，要每天坚持手指的单独练习。 2.2.2 毛病解决方案

克服上面两点毛病的方法是必须用节拍器打拍子练习，以培养良好的节奏感。以《阿尔罕布拉宫的回忆》(第一小节)为例，不良的轮指奏法，常会造成如下情形：克服上面的两点毛病的方法是必须用节拍器打拍子练习，以培养良好的节奏感，正确的情形:(图二)

图一

图二

轮指每个音之间的音量不平衡。最为普遍的毛病是拇指P弹奏的音量较大，而a、m、i三指所弹的音量较小且音色模糊、暗淡，轮指缺乏颗粒感。

在P、a、m、i四指中，因a指天生力量较弱，灵活性、独立性最差，所以要有针对性地加强a指的练习，如用m与a指交替弹奏音阶、半音阶、三度旋律音程等等，使它们尽量达到像用i、m指弹奏的效果。

此外，P指的作用也不能忽视，即使a、m、i各指都能弹奏自如具有独立性，但若缺乏P指的良好配合仍然弹不好轮指。

3. 轮指初步练习方法

3.1 心理分析

要强调控制而不是速度。学习把你的拇指仅仅当成另一根手指。在演奏颤音时，很多人的通病之一是他们以为拇指是一个更重的、更强力的部分。这加重了他们的心理负担，总是想着使拇指弹奏的音符与其他三个音符一致。不要将颤音分成 1+3 的模式（拇指加其他三 指））而要将其简单地想象成由连续的四根手指弹奏的4个音符。

让我们来实践一下。在你开始练习之前，先在一根弦上用 p-a-m-i 的顺序稳定地弹奏8 个音符。弹奏时，速度要慢。要非常仔细地去听，以保证发音均匀

—它们音量和时值是不是相同的？这是一个重要的入门练习，因为最终你要靠你的耳朵去分析你弹奏出的颤音；如 果你听到的声音不均匀，你的手指就能自动地调整。要习惯用耳朵去听，而不要总是盯着你的手指。

3.2 初步练习

3.2.1练习1-3（图三）

不仅仅在本练习中，而且是在整个颤音练习中都要保持发音短促。我发现通过练习较慢 的断奏可以使颤音在快速弹奏时听起来非常平滑。以这种方式慢速练习以后，再进行快速弹 奏也会更容易写。

在这个练习中，我们正逐渐涉及到速度爆发。在练习任何速度爆发时，都要立即回复较慢的速度，这一点至关重要。这给我们一个参考点；并且，最终—当爆发的时间增长—就会觉得快速的弹奏了和慢速的没什么区别了。所有音符都要用断奏的方式弹奏，这更有利于听清楚每个音符的时值和音量，并且只要能够听清，我们就能控制它。

我刚开始弹奏这个练习的时候总是力度不到位，一定要找到爆发的感觉，每一个手指弹完下一个手指马上靠到要弹得弦上，这样对以后加速有很大的帮助。开始一定要慢速，把感觉找到，再逐步加速。并且要随时注意自己弹奏的音色是否统一。

目标：

每一个练习都要练到快速的音符也能轻松弹奏。

在一个练习没有练得熟练轻松之前，不要急于开始后面的练习。 尽量使所有音符的音量一致。 尽量使所有音符的时值一致。

弹奏一个音符之前要先预先体会它。

（图三）

弹奏时要倾听每一个音符。

3.2.2 练习4 （图四）

这个练习涉及到拇指在琴弦之间的移动。获得对拇指的控制能力是非常重要的。要精确地放置拇指，并使其作直线运动。也许你想把速度爆发练习加进来。不要忽视拇指的音色。

在练习这个练习的时候，也要从慢速开始，急功近利是行不通的。要注意音色控制，p指与其他三指一定要做到音色统一，但到后面p指弹低音的时候，低音的可以看情况定，音弹扎实就可以了，应该用靠弦法弹奏。

（图四）

4.掌握与巩固

为了彻底掌握和巩固轮指技巧，除了要遵循上面提到的训练方法外，还必须注意几点:

4.1 慎选练习曲

《阿瓜多17首琶音练习曲》

《卡尔卡西25首练习曲之

二、之三》 《泰雷加44种变型练习和12种变型练习》

《塞戈维亚半音阶推进轮指练习曲》

等是四位吉他大师为轮指技巧专门设计的练习曲，它们对提高轮指弹奏技巧有显著效果，是每一位古典吉他演奏者学习轮指技巧的必奏曲。

4.2 掌握正确练琴方法

弹奏姿式要正确、自然，身心要放松;手指动作要领是:用力要柔合，动作要肯定、干脆，手指动作要尽量小(所谓“节约空间，争取时间”)；在慢练阶段，P、a、m、i各指要全部采用靠弦奏法。

请牢记“欲速则不达”的古训，要多轻弹慢练，即使已经到达一定程度的演奏者，每天练习也必须从弱奏(即尽量小的声音)逐渐进人到强奏，并以缓慢的速度开始，然后逐渐增加速度。惟有如此，才能除去多余的力气(肌肉紧张)，避免发出不舒服的指甲声，从而弹出像指头弹出的柔美声音。绝对不可以说:“我已经会弹了，所以开始就弹强，而且弹快。”

4.3 每天要抽一定的时间练习轮指

平时身边没有琴的时候也可以活动活动手指，具体做法是按amip, pami, pima等不同指法组合反复敲击桌面或其他物体。

指甲的保护和修剪也很重要，因为指甲的形状及光滑与否直接影响到轮指的音质和音量。

轮指作为一项重要的古典吉他演奏技巧，它始终是音乐的一部分。

结 论

轮指是古典吉他的一种重要的弹奏技巧，在很多吉他曲子都用到这个技巧，与琵琶的轮指有异曲同工之处，这篇文章只讲了四个十六式的轮指，在弗拉门戈吉他里还有五连音跟六连音的轮指，轮指的弹奏博大精深，还有很大的研究深度，希望各位同仁继续发掘。

学习好轮指技巧对一个古典吉他演奏者的水平是一个跨越的提升。前人的轮指境研究都已经很到位了，在借鉴前人的研究经验，我稍稍加了一些补充，很多人在介绍轮指的时候忘了给初学者一些更好的建议，有必要叫他们在每根弦上做基础练习，在粗线做练习，跟能练习手指的控制能力跟独立性

参考文献

[1]赵传,李成福.吉他三月通[M].北京:蓝天出版社,2007.[2]王震,古典吉他教程[M].北京:人民音乐出版社,2004 [3]北京吉他学会,陈志主.吉他艺术(第1辑)[M].北京:人民音乐出版社,1997. [4]北京吉他学会,陈志主.吉他艺术(第3辑)[M].北京:人民音乐出版社,1999.[5]陈志,音乐周报.古典吉他技巧与表现[M].北京:东方出版社,1993.[6]沟渊浩五郎,郭天泽.卡尔卡西古典吉他教程[M].北京:人民音乐出版社,1986.[7]斯科特·泰南特.跳动的尼龙[M].北京：人民音乐出版社,2000.[8]殷飚.现代吉他综合教程[M].北京:同心出版社.2001.

致 谢

本文在郭嘉老师的精心指导下完成的，论文从选题到完成的整个过程中，得到了郭嘉老师的热情帮助和精心指导。郭嘉老师严谨的治学态度、渊博的专业知识、敏锐的学术眼光、精益求精的精神给我留下了深刻的印象，并对我的学习和工作产生了极大的促进作用。在论文完成之际，我要感谢郭嘉老师在我四年的学习和生活中的关心和教诲，特向郭嘉老师表示深深地敬意和感谢！

在此，还要感谢潘青丰老师早四年的学习中给我的帮组和支持。在古典吉他课堂中以严谨的治学态度、渊博的专业知识来教授我弹奏古典吉他，在他的精心指导下，我学会如何更好的把握古典吉他的音色、节奏、情感、强弱等问题。这些在我的吉他演奏中起的关键性的作用。

本文参考了大量的文献资料，主要文献已列出来了，本文有些语句或段落引自这些文献。在此向所有的作者表示深深地感谢！

推荐第7篇：浅论古典吉他右手运指法

浅论古典吉他右手运指法

下面这篇文章是我恢复练琴一年多来的一点心得体会(已发表在04年第11期《吉他平方》上，12月10号出版的《音乐周报》也刊登了，但是后者作了少许删节），现贴出来，供各位参阅，一方面希望能对初学者有所启发，另一方面也希望各位专家、老师和琴友批评、补充。

浅论古典吉他右手运指法

古典吉他右手技巧基础训练的主要目标是发展和巩固右手各指的独立性、敏捷性和耐久性，使之能轻松自如地弹出既干净柔美明亮，又饱满结实有力，且富有穿透力的声音。那么，怎样做到这一点呢？

一、认识并自觉运用“触弦时小关节倒弯”的规律

众所周知，右手拨弦实际上包含三个动作：触弦、绷弦和放弦(离弦)。它们的特征是：

1、触弦时大关节（即指根关节）要用一点力（非常小、非常轻柔），中关节（即第二关节）则辅助大关节略微带一点点力，而小关节（即第三关节）则要完全放松——全部放掉力气，因此小关节触弦时是倒弯的；

2、绷弦时手指三个关节都要用力（包括小关节），当然拨弦的主要力量来自大关节，其他两个关节只是辅助发力，因此小关节是不能倒弯的；

3、离弦之后，手指要立即放掉力气并自然舒展，注意：离弦动作要干脆、果断，离弦的一刹那手指运动的方向要与弦垂直（特别是拨弹

4、

5、6缠弦），以免指甲碰触到琴弦发出杂音。总之，在拨弦时，手指运动方向与面板大体平行（当然在绷弦时，手指稍向琴心方向压，离弦时手指运动方向与弦垂直）；在触弦时手指关节要有弹性(力)，在绷弦时手指与琴弦互相作用要产生摩擦力，在放弦舒展手指时则要利用手指自身的重量（力）；在实际弹奏中,触、绷、放三个动作是在一瞬间完成的，三者是紧密关联的整体。

平时我们经常说 “右手拨弦时手指要柔软”、“触弦时手指不用力” 、“小关节要放松（放掉力气）”等等，其实就是指触弦时小关节要倒弯(即折指、塌指)。在实际弹奏中，由于触弦时间非常短暂，所以小关节倒弯动作并不明显，但触弦时小关节倒弯却是客观存在的事实。判别触弦时小关节放没放松，主要看小关节倒没倒弯，若倒弯了则说明小关节是放掉力气的、放松的；若没有倒弯，则说明小关节是紧张的，还没有放松；触弦时小关节若没有完全放松（即小关节没有倒弯），不但容易造成手指挂弦、妨碍右手的灵活运指，而且还会产生杂音、影响发音的纯度。实践证明，若能认识这一规律并自觉运用这个规律，则能有效提高右手运指的敏捷性，最大限度地降低手指触弦时所产生的杂音，增加声音的柔度和纯净度。当然要让初学者一下子就做到这一点——小关节触弦时倒弯而绷弦时不倒弯——是比较困难的,必须经过一段时间耐心、细心的练习才能做到这一点。我们知道，右手发力点是大关节，小关节和中关节是辅助发力，所以在强调“触弦时小关节倒弯”的同时，也不能忘记提醒右手发力点是大关节，只有这样才能发出即干净柔美、又厚实饱满的琴声。

二、养成用大关节发力的习惯。

据了解，有很多习琴者还没有养成用大关节发力的习惯，虽然他们知道大关节发力的道理，但是在实际弹奏中仍然采用所谓的“鸡爪子”弹法，拨弦时靠中关节和小关节发力，中、小两个关节的动作很大，出音单薄无力，音量小且音质粗糙。我们知道，在右手指三个关节中，大关节是指根关节，它能用较小的力发出较大的音量，产生丰富的力度层次，因此它比中关节和小关节更有力也更省力；上述“大关节发力，中、小关节辅助发力”的含义就是指在右手拨弦时，大关节主动发力，而中、小关节不主动发力，后者仅仅是配合大关节运动，中、小关节是被大关节带动的，中、小关节主要起“力的传递”的作用，即把大关节的力传递到指尖，进而作用到琴弦上。而所谓手指独立性则是指每根手指都能单独有力地拨弦的能力，手指不互相牵扯。如当食指拨弦时，拇指、中指、无名指都处于自然松弛状态，若拇指、中指、无名指受食指的牵连也跟着乱动，就是手指缺乏独立性。当今古典吉他界绝大多数演奏家之所以采用大关节发力的用力方法，就是因为只有大关节发力拨弦，手指才能轻松地弹出厚实有力和富有穿透力的声音 ,并且也只有在以大关节为发力点拨弦时，才能真正实现右手各指的独立性；而以中、小关节为发力点却做不到这一点。所以，学习用大关节发力是培养右手指独立性、耐久性和敏捷性的必由之路，同时也是古典吉他右手技巧训练中最基础的内容之一，坐姿、持琴、手臂和手腕的摆放都要配合这一点来进行。

我们知道，良好的运指是建立在正确的弹奏姿势上的,为了掌握大关节发力拨弦的方法，弹奏者必须采取科学的持琴姿势和右手手型。首先要选好合适的坐凳和脚凳，弹奏者要“自然端坐”，腰身要直，要“坐如钟”，让琴体有一个稳当的“依托”；右前臂轻轻搁在琴框和琴边上（琴身最宽的部分），前臂、腕、掌则自然下垂，肩、臂、掌完全放松。这时，手指若离琴弦较远影响正常拨弦，可通过调节右前臂与上臂的角度来解决。假如右上臂和前臂的姿势是正确而且放松的话，那么右手手腕将自然地形成弓形，手腕内侧与面板之间保持3一4英寸的距离，食指、中指和无名指分别与六根琴弦所构成的平面形成大约80-90度的角度（见图1）；拇指则与食指交叉，形成一个三角形的空间(见图2，a)，而食指、中指、无名指均与琴弦形成一定的倾斜（倒向面板）。上述姿势和手型对大关节的发力至关重要，因为只有这样，在大关节带动下的手指运动才会有足够的活动空间。请注意，当大关节带动手指拨弦时，仅仅是手指在运动，掌、腕和臂基本上是静止不动的；而手指运动又主要是指大关节活动，中、小两个关节的动作则很小。在实际弹奏中，右手手型最常见的毛病是右手腕弓形弯曲不够，手腕内侧紧挨着面板,致使手指活动缺乏必要的回旋空间。

三、正确处理拨弦运动中手指“放松”与“用力”的辩证关系

吉他属弹拨乐器，弹奏用力时不能凭“死劲”和“蛮力”，而是要善用“巧劲”与“活力”，做到亦紧亦松，亦张亦弛，亦实亦虚。弹奏时，右手（其实也包括左手）始终是“用力”与“放松”的相互交替。这里说的“放松”即指手指从“用力”状态恢复到“自然状态”。具体而言，“放松”有两种情形，第一种放松指在拨弦之前手指都要放松（即处于“自然状态”）；第二种放松指在拨弦之后手指要立即恢复到它的“自然状态”（手指要自然舒展、充分打开）。只有做到弹前和弹后两种放松，右手拨弦才会轻松有力；如果两次“用力”之间的“放松”掌握不好，就会形成我们平常说的“紧张”。演奏时手指“紧张”，手在用力后得不到休息，演奏时间一长就会疲劳，一方面容易造成手指劳损，另一方面还会严重妨碍右手运指的敏捷性、独立性和耐久性。

在右手拨弦运动中，还要注意把握好“柔”与“刚”两个因素的平衡，做到“柔中有刚”、“刚柔并济”；触弦和放弦时手指侧重于“放松”，属“柔”；绷弦时手指要有爆发力，侧重于“用力”，属“刚”。“刚”太多则手指僵硬、出音粗糙；“柔”太多，则缺乏力度、出音单薄且音量较小。很多初学者常见的毛病不是“刚”多“柔”少，就是“柔”多“刚”少。总之，要正确处理好拨弦过程中 “紧”与“松”、“动”与“静”、“刚”与“柔”诸因素之间的辩证关系，做到 “松紧适度”、“动静相宜”、“刚柔并济”，努力达到“强而不噪”、“轻而不弱”、“快而不乱”、“ 慢而不拖”的弹奏效果

推荐第8篇：古典音乐课论文

广西大学

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姓名：梅飞 学号：1007200238

对古典音乐的认识

古典音乐通常指18世纪到19世纪初的音乐，大致从巴赫到早期的贝多芬，这一时期称为古典音乐时期。

古典乐派的创作思想与十八世纪法国、德国的启蒙运动以及1789年爆发的法国资产阶级革命的进步倾向有密切联系。在艺术上，古典乐派崇尚理性，强调逻辑，追求艺术形式的严谨性，音乐语言清晰简明而又富于表现力，音乐主题轮廓分明，各有特色。在创作手法上，注重戏剧性的对比、冲突和发展，继承和发展了欧洲传统音种的主调音乐因素，并确立了近代奏鸣曲、各类重奏曲等器乐套曲的体裁。从此，音乐史上出现了能够充分表现赋予哲理性的、内容较深广的器乐体裁和形式，对后来的音乐产生了深远的影响。

欧洲古典音乐经历了五个时期，以巴罗克为代表的巴罗克时期；以海顿、莫扎特为代表的维也纳古典乐派时期；以舒伯特、肖邦、比干为代表的浪漫主义时期；十九世纪中叶以后，与资产阶级民族主义文化运动密切联系的一批音乐家形成民族乐派；一些浪漫主义乐派的延续形成印象派。

每个时期的音乐都有各自的特点，巴罗克一词起源于建筑艺术，歌颂上帝、赞美宗教。古典音乐起源于德、法的启蒙运动时期，崇尚理性，腔调逻辑。浪漫主义音乐在艺术与技术手法上都有创新，打破了古典音乐平衡的、程式化的限制。民族乐派大多是激进的爱国主义者，具有强烈的民族意识。印象派音乐家则主义表现自然界的光和色

1 广西大学

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姓名：梅飞 学号：1007200238 的变化，试图用音乐表现出视觉感受不到的细微变化。

古典音乐有匀称的形式美，体现人类普遍的理想与美的观念，得到世人的普遍喜爱。直到现在，音乐会里这一时期的作品仍占有很大比例，因它经受了时间的考验，故习惯上又称为“经典音乐”。

《致爱丽丝》，《第九交响曲》，《仲夏夜之梦》等都是脍炙人口的经典古典音乐曲目。

《致爱丽丝》好像月光一般。它是如此的梦幻，静静流淌在心田；又是如此的忧伤，不同于阳光的温暖和煦，澄澈皎洁却冷清如水；还是如此的美丽，让人忍不住靠近，随着它在欢快时微笑，在微笑后忧伤，在忧伤中叹息：实在是美的心碎！

提到交响乐，我抑制不住对那些古典音乐家们心生崇拜之情。欣赏只需随着感觉的召唤即可，创作却是头脑和智慧的产物。交响乐曲式结构宏大，乐队庞大齐全，犹如一支军纪严明的军队。当欣赏交响乐时，我们的耳朵在各种乐器的奏鸣下享受着一顿饕餮大宴，但是大脑只能吸收、消化其中的一部分，远远不及它所呈现出来的严谨、变化、深远、宏大……

在此，不得不说一下贝多芬的《第九交响曲》。如果说《致爱丽丝》是朦胧的月光，那么《第九交响曲》就是一场瑰丽的日出。

在第一乐章中，弥漫着一种压抑的氛围。乐曲在弦乐器低沉压抑的演奏中展开，然后逐渐增强，好像千军万马，踏着黄沙滚滚而来；终于，这种压抑到令人窒息的低气压被冲破，霎时间好像“银瓶乍破水浆迸，铁骑突出刀枪鸣”，斗士们为了自由、幸福和信仰而浴血奋

2 广西大学

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姓名：梅飞 学号：1007200238 战、前仆后继，真是跌宕起伏、荡气回肠！第二乐章则相对明快很多，好像战士们占取了制高点，在通往胜利的道路上大踏步前进，时而兼有鼓点，使节奏趋于紧张。第三章曲调舒缓，恰如在我们面前展开一幅战争过后的画面：在磅礴的雾霭之中，天际的太阳折射出紫红的光芒，战士们在废墟中相互搀扶，向着日光前行，步履缓慢，带着深沉的思考——这天边的红日，究竟是即将喷薄而出的朝阳，还是逐渐下沉的残阳？那紫红的日光，究竟是通往光明的指引，还是末路途穷的回光返照？忧伤、沉静、睿智，它包含的太多，值得我们闭目沉思。第四章是在一阵紧凑的鼓点中敲响的，前面三章的主题依次登场，但都被低音提琴或驱逐、或制止，直到欢乐颂登场——在重重迷雾中，红日冉冉升起，日光倾泻而下，宁静祥和降临人间。欢乐的主题实在太强大了，越来越明快，越来越响亮，让人禁不住要放声高歌——人声，只有用人声才能表达出这种无与伦比的光明和幸福。

《仲夏夜之梦》序曲是门德尔松的代表作，它曲调明快、欢乐，是作者幸福生活、开朗情绪的写照。曲中展现了神话般的幻想、大自然的神秘色彩和诗情画意。全曲充满了一个十七岁的年轻人流露出的青春活力和清新气息，又体现了同龄人难以掌握的技巧和卓越的音乐表现力，充分表现出作曲家的创作风格及独特才华，是门德尔松创作历程中的一个里程碑。

在虚无缥缈的短引子之后，音乐进入小提琴顿音奏出的轻盈灵巧的第一主题，描绘了小精灵在朦胧的月光下嬉游的舞蹈。随后出现的第二主题欢乐而愉快，由管弦乐齐奏伴随着雄壮的号

3 广西大学

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姓名：梅飞 学号：1007200238 角，呈现出粗犷有力的舞蹈音乐，并立即转入热情激动而温顺的恋人主题，曲调朴素动人。经过多次音乐的发展变化，乐队又奏出了舞蹈性的新主题，具有幽默、谐谑的特征。在后来门德尔松所作的十二首《仲夏夜之梦》戏剧配乐中，也有一些非常著名的篇章，常被编为组曲演奏。

《魂断蓝桥》里面的主题曲也是一部很经典的古典音乐曲目。在此就不多做修饰了。

在老师的推荐下，我们也欣赏到了许多著名的中国古典音乐曲目。给我印象最深刻的就是《梁祝》赏析。

“指点梅花曲皆无，扶醉且听梁祝。”当拨起《梁祝》这断魂的琴弦，心从来没有过的感动、悲凄、落泪、无奈……唯有这凄凉的琴声还能告诉现世的世界，爱情是存在的。毋庸怀疑，在每个人的心底都藏着一个永挥不去的影子，即使点点的怀念也是爱的心情。老师给我们播放《梁祝》的时候，只感觉心随弦在拨动，爱与誓言在交汇。《梁祝》吸取了越剧中的曲调因素，是一部小提琴协奏曲。作者将故事的主要情节概括为乐曲三个部分音乐表现的内容，将这三个部分融于欧洲传统奏鸣曲式的结构框架之中：草桥结拜、英台抗婚和坟前化蝶分别作为乐曲的显示部、展开部、再现部的内容，表现了青年男女对爱情忠诚和对封建礼教的控诉。最后化蝶的描写，极富于浪漫色彩，可谓全曲的点睛之笔并以浙江的越剧唱腔为素材，成功地将我国民族音乐与西方作曲技法融为一体，用音乐的形式艺术地再现这一动人的故事。

4 广西大学

计算机与电子信息学院

电子101班

姓名：梅飞 学号：1007200238 音乐是最富情感的艺术。托尔斯泰曾说：“我喜欢音乐胜过其它一切艺术”。黑格尔曾说：“音乐是精神，是灵魂，它直接为自身发出声音，引起自身注意，从中感到满足……音乐是灵魂的语言，灵魂借声音抒发自身深邃的喜悦与悲哀，在抒发中取得慰藉，超越于自然感情之上，音乐把内心深处感情世界所特有的激动化为自我倾听的自由自在的，使心灵免于压抑和痛苦……”。首先，音乐中的投入、想象、联想、思考的范围是广阔的，是不可造型的艺术，并在瞬间或长期都可以有着不同层次的情感。在欣赏一首音乐作品时，通过人的听觉器官，得到的音响效果，直接与人的生活经历相撞击，得到对作品的理解、分析，产生对人的影响，还会产生时空的超越，使欣赏者远离此时此景，身临音乐中所表现出的那个环境与时代，能够与表现的内容共呼吸，共命运，共同体验。用自已的情感去思考，得到新的结论。音乐本身来源于生活，使情感能得到充分的表现，在此基础上得以提炼和升华，情感也随之加重。音乐艺术是综合的艺术，它所包容的内容万千，是其它任何艺术不可替代的，所以音乐是最富情感的艺术。以上阐述了音乐有着丰富的情感，人类的情感是最丰富的，二者不谋而合，因此可以通过情感的体验使大学生更广、更深、更自然地接受音乐艺术的教育和培养。

音乐鉴赏课，一堂可以让自己完全放松的课，很喜欢老师的讲课方式，喜欢老师的平易近人，最重要的是老师有一颗年轻的心，和愉悦的生活态度。让我印象最深刻的是，班上有学生违反纪律打扰到

5 广西大学

计算机与电子信息学院

电子101班

姓名：梅飞 学号：1007200238 老师上课了，老师的处理方式，我觉得很容易接受，而且老师同样保持很投入地讲课。一堂120分钟的课，老师总能带动大家的听课兴趣，每堂课给我们讲许多有意义的内容。这也是唯一一门可以让我聚精会神连续听三节的课。第一次去听课的时候，就喜欢听老师唱歌，很动听。也喜欢听老师弹钢琴，感觉很好听。到了大三，还有一堂这么耐人寻味的艺术课，真的是一种很不错的艺术体验，既陶冶了我们的情操，也提升了我们的人文素养。在繁重的学习之余，能静下心来聆听古典音乐的动听与美好，确实是一种不错的精神盛宴。

推荐第9篇：如何培养儿童学习古典吉他的兴趣

如何培养儿童学习古典吉他的兴趣

作者威威

音乐是通过乐音的选择和结合来表现或激起内心的情感和情调的艺术。被世人称为“乐圣”的伟大音乐家贝多芬告诉人们“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。不同民族、不同年龄、不同职业的人.生活中都离不开音乐，它能给人带来精神愉悦，并给人以健康、积极向上的精神陶冶。被称为“乐器之王子”的古典吉他以其优美的音色、宽广的音域、复杂多变的和声织体及较多的强弱变化等优越性为人们所青睐.学习古典吉他可以眼、耳、手、脑各种感官同时并用，锻炼各种感觉、知觉，有利于记忆力、注意力、思维力和想象力的培养，有助于智力的开发，符合全面发展的培养目标。它是提高修养、培养高雅爱好，锻炼意志和敏捷反应力的一种有效行为。

在我国，改革开放带来了经济的繁荣，人们在满足物质生活的同时，努力追求精神享受，越来越多的家庭为孩子创造了学琴的条件。然而，由于学琴的原因不同，有的是孩子喜爱音乐主动要学，有的是家长一厢情愿迫使孩子被动地学，其学习效果也就大不一样。因此，兴趣的培养显得尤为重要。“兴趣”是最好的老师，是和一定的情感联系着的。中外有名的乐器演奏家都是因为酷爱音乐艺术，才取得辉煌成就的。如我国著名钢琴演奏家、教育家、中央音乐学院周广仁教授，从小喜欢钢琴演奏，20岁左右就能与交响乐队合作演奏莫扎特和肖邦的著名钢琴协奏曲，曾在第三届世界青年联欢节钢琴比赛中获二等奖。粉碎“四人帮”后，有一次，她登台演出，协助工作人员挪动钢琴位置，手指被压断，这对一位钢琴家意味着什么?曾有报道，当伤势稍有好转时，周教授就开始在墙上进行手指练习，十指连心哪，这在常人是无法想象的，多年的坚持训练，奇迹出现了，手指终于恢复了机能。如今，周教授已七十高龄，仍坚持在教学第一线，有时还登台演出。试想，如果周教授没有对钢琴艺术的浓厚兴趣及责任感、使命感，她能坚持到现在吗?相反，如果我们不注意对乐器学习兴趣的培养，学生讨厌弹琴，不但收不到预想的效果，反而会造成不堪设想的后果。有这么一个残忍的例子:有一位7岁男孩，由于家长用简单粗暴的办法迫使孩子练琴，不弹就打，孩子不堪其苦，于是怪罪于自己的手指，并无知地把两个手指砍了，教训是深刻的。因此，寓教于乐，努力培养儿童学琴兴趣，应当成为乐器教师的永恒课题。

一、了解儿童的心理、年龄特点，采用生动活泼、新颖多变的教学方式激发学琴兴趣我们的教育对象是儿童，因此，作为教师必须了解儿童的年龄特点和个性心理特点，‘懂得心理学、教育学、生理学，然后才是乐器的教学，应遵循教学的七大原则，即教育性和科学性的原则、直观性原则、自觉性与积极性原则、因材施教原则、系统性原则、量力性原则、巩固性原则。由于乐器学习的系统性和科学性，大量的基本练习，伴随严格的技术训练，会使孩子产生一种畏难心理，并产生厌烦情绪，教师必须采用多变的教学方式，使其乐在其中。首先，应创造良好的积极向上的学习环境。整洁、明亮、气氛愉快和谐的学琴环境能使孩子精神振作、注意力集中，提高回琴效率。由于琴童年龄参差不齐，接受能力有差异，进度不一.因此，可采取以个别教学为主，集体教学为辅的方式，定期安排程度相当的学生上小组课，且努力使课堂的气氛欢快、活泼，以激发兴趣。

其次，根据儿童年龄小、活泼好动、持久性差的特点，教学形式灵活多变，并制订出合

理的练琴时间表。一般来说，孩子年龄越小，持久性越差.因此，课堂上要做到动静交替。可以弹一弹唱一唱，弹一弹跳一跳，弹一弹听听.营造一种活泼的课堂气氛，激发了小朋友弹奏此曲的愿望课堂安排需要劳逸结合，中间可休息一下;在家练琴亦需制订一个合理的时刻表.建立动力定型，由家长监督一般4至5岁，每次10-20分钟;5至6岁每次20-30分钟;6至7岁，每次30-40分钟为好。采用少吃多餐的办法，练完一个单位时间可鼓励孩子下去活动活动，这样，大脑不易疲劳，孩子不会产生厌烦心理。

另外，作业的难易程度及作业量要适当，做到因材施教。

二、以启发式教学为主，体现教师的主导作用

作曲家创作每一首乐曲都是有所指的，有其特定的社会背景、创作意境及特定的音乐形象，因此应当利用儿童形象思维的特点来启发孩子理解和表现乐曲。

(1)我们可以把乐曲的内容一与儿童周围的实际生活联系起来，帮助儿童抓住音乐形象。如《威尼斯主题与变奏》一曲，一开始琴童很难找到此曲的感觉，我就问小朋友，引子部分左手象什么?主题代表什么?虽然孩子们没去过威尼斯水城，由于阅历不够丰富，可能对威尼斯缺乏直接或间接的了解，但我们浙江绍兴素有“东方威尼斯”之称，有纵横交错的河流及往来如梭的船只，孩子也许有过荡桨歌唱的生活经历，一经启发引导，孩子们即会产生联想，就能弹出该曲的意境及优美如歌的音色。

(2)可以给某些曲子编个故事，老师编，学生也可以自己编，有时间、地点、人物，使音乐具有鲜明的音乐形象.注重了形象思维教学小朋友较容易抓住基调，乐曲弹得声情井茂.(3)通过浅显易懂的比喻来解决一些实际问题如要求学生把握好渐强和渐弱的分寸时，如果一味地讲述这里要求渐强起来，那里要逐渐轻下去，孩子会觉得乏味，不易表现出来，但当你把它比喻成“火车从远处开来，由远及近，声音从轻到响，开到身边是最响的，再从响到轻，逐渐远去”。一般小朋友都有在站台上候车的体验，故较易理解。指导弹奏时，教师还可用汽笛声加以模拟，小朋友就更高兴了。这样，他自然能把渐强渐弱记弓表现出来又如初学者第三关容易塌陷我就把手比作小猫咪的家，“房顶是凸出来的，如果凹下去，房子就会倒塌，小猫咪会被压死的，多可怜啊!”孩子们就会自觉注意这个问题.

(4)孩子充满好奇心。生活中的孩子爱提问，学琴中也应引导孩子想问题提问题，要鼓励孩子不懂就问，教师再根据其能理解的方式解答。比方说，孩子问:“干嘛弹完一句要提手呼吸呀?”教师可以让孩子捏住鼻子或捂着嘴巴，问他难受不?孩子就会明白，哦!

弹琴时不呼吸，音乐也会“难受”的。

(5)常带孩子到大自然中去感受体验，以深化对音乐形象和意境的感性认识。如我在教弹奏汤普森《春之歌》时，让家长带学生到儿童公园池塘边去找春天，春暖花开，柳枝随风飘荡，使他对春天有所认识，回家后弹出的声音果然优美而流畅。有时还可根据乐曲标题，画一幅画，培养琴童的音乐想象力，激发他们的创造性思维。

三、正确的评价与适当的表扬相结合。

应客观公正地评价孩子回琴质量的优劣。肯定过多，会使孩子产生自满情绪，不求甚解，对乐曲缺乏精雕细琢;否定过多，孩子会缺乏自信。实践证明，对孩子要以正面教育为主，适当给以表扬、鼓励。如弹完某首乐曲，可以说“比上星

期有进步，音准节奏基本正确，要是把声音弹得轻巧活泼些那就更好了”。用这样的语气说话，比直接指责“你的声音这么僵硬，太笨重，难听极了”，更容易让孩子接受。学琴是一种美育，我们不能以不美的方式来达到美育的目的。当孩子弹得较理想时，可在曲首打上★。我还为孩了们制订了评分标准，每周打分，如错一音扣2分，错一处节奏扣1分等等。目的是培养孩子耐心细致的学习习惯。当孩子得到一个较高分数时，脸卜会露出满意的笑容;有时，老师忘了打分，孩子会扯着妈妈的衣角，轻轻说“分数、分数”。看来，孩子是多么在乎老师的评价。当然扫分不是目的，是促进教学的一种手段。

四、定期举行观摩活动，并参加一年一度的考级活动

定期举行观摩，一方面可锻炼胆量;另一方面可激发其表演欲望，因为钢琴本身是一门表演艺术，要敢于在众人面前表演这一活动，对家长和孩子很有吸引力，那一天人们打扮得漂漂亮亮，早早来到演奏地点，把平时苦练的成绩作一汇报。通过观摩，胆小的孩子变大胆了，同时也使孩子之间加深了解，增进友谊;家长们亦可交流一些指导孩子练琴的体会.另外，考级活动也是对学生学琴的一种促进、对教师教学质量的检验，因而深受家长和孩子们的欢迎，当孩子得到相应级别的证书时，脸上会洋溢着丰收的喜悦。

总之，只有不断研究儿童心理，激发学琴兴趣，才能使琴童真正成为教学主体，而只有主体积极性的激发，才有可能使学生生动、活泼、主动地学习，使教学质量不断提高。(

推荐第10篇：胡爱华老师浅谈古典吉他演奏技术

胡爱华老师浅谈古典吉他演奏技术

命题是笔者在长达15年的古典音乐吉他教学实践中经常观察、思考以及对学生实施教学的一个重要课题。

古典吉他作为一件技术难度大、艺术层次高的西洋和声乐器，不可避免的要产生技术性、音乐性谁更重要这个两极性的问题。就笔者的阅历而言，我国古典吉他爱好者（包括一些专业人士）对此大概有三种意见：一是认为技术是最重要的。其理论支点是没有完美的技术能力，则无法产生完美的音乐；二是认为音乐性高过一切。演奏是表现音乐而非展示技术的；三则认为技术是音乐的先导。音乐的完美表现必须建立在良好的技术能力上。笔者的观点倾向于第三种。

任何乐器演奏所面临的第一个问题自然是演奏者驾驭乐器的技术能力。就古典吉他而言，除了正确的坐姿、持琴方法以外，最重要的就是左右双手的技能训练。笔者从长期的教学实践中总结了几种单纯为解决双手弹奏技能而设计的技巧、技能练习系统。

一、发音及音色的解决。大概是受国外不同地区、不同时期或不同演奏家的影响，我国吉他界对吉他发音这一基础而又是重中之重的问题，呈现出多种不同方式或流派。对于很多初学者和一般学习爱好者而言，靠弦或者不靠弦；右手指甲的角度和运用；手腕、手指与琴弦的角度；手指触弦的位置与角度等都是长期存有困惑的问题。

早期有所谓的“自然发音法”，由于音量小、音色薄而难以表现音乐的色彩和张力，目前自然已难登大雅之堂。而这个自然淘汰的过程，在我国从上世纪七十年代后期直到上世纪九十年代后（大概在1996年左右）才得以在吉他专业圈内完全消失。但时值今日，许多业余授课老师由于对发音方法缺乏正确的认识而难以对业余学琴的学生进行正确的引导。所以从一些国内比赛的赛场上普遍看到很多选手的状态——虽然功夫没少下，但基础的一关——吉他的音色实在难以入耳。其他还有相当一些坚信自己能无师自通的爱好者，虽多年盲修瞎练而终于也是悟性难通，最终一弃了之。

西班牙发音方法至今仍是我国众多师生极力鼓吹并运用的重要流派之一。这种方法靠弦与不靠弦并用。由于两种发音方法的训练方式和机制都不一样，所以通常是弹奏单线条的旋律声部时，其音色饱满、质量上乘。而一弹分散和弦（用不靠弦）时，音质立刻下滑，大部分变得音色过薄、而力度减弱（正常力度处理除外）。而且其连续运用靠弦方法时总感觉其演奏的所有音乐都有西班牙弗拉门哥音乐的味道。巴赫可以弗拉门哥吗？这显然也是个问题。我过去多年运用这种方法弹琴，但心中总有一问，却苦于没有答案。

上个世纪九十年代初期，我有机会拜读了陈志老师关于古典吉他发音技巧的文章，其中谈到触弦、绷弦、放弦等发音的技术理念。我感觉非常新颖，颇受吸引。后来在随陈老师学琴时，我向老师汇报了自己的困惑。陈老师笑着说：“你是个有心人，问题能逼到了这个点上一定是用了心了”。在随后的教学中，陈老师纠正了我右手的角度、手指触弦的位置、摁弦、绷弦的方法以及放弦发音的技巧。并让我练习了很长时间的靠弦发音（此靠弦与以前的靠弦也不一样），当感觉我手指的状态和发音的质量达到了基本要求后，才让我进一步练习不靠弦的发音方法。最终，我体会到了为什么两种发音能音色统一。为什么要先练靠弦而后练不靠弦。为什么在实际演奏中可以大量运用不靠弦的方法发音等。

古典吉他是一件声学乐器，我们在演奏中除了手指和神经感觉之外，没有其他可以借助的元素。而作为一件乐器，音色音质高质量的统一在本质上是至关重要的。大家试想一下钢琴，钢琴的88个琴键覆盖了全部乐声系统。而其声音只有音域高低的变化，其声音的本质却没有变。作为独奏功能为主的和声乐器——古典吉他也是一样。其三个半八度的音域变化是乐器本身学术功能的一种设置，而每个声音的类本质质量却在很大程度上是由演奏者本身所具备的能力和素质决定的。所以在发音这一基础教学上，我给学生所设置的练习如下（考虑文字叙述的非视觉性，手型的角度等暂不论述）：

1、手指左前角触弦，指甲盖儿与琴弦几乎成平行状，p指自然平直。

2、i m a自然弯曲，手指尖直对琴弦。

3、各指做垂直摁弦——放松的练习，以期体会到右手各指根关节发力的技术状态，并反复练习求得条件反射的结果。

4、上述练习成熟后，练习靠弦发音。即手指摁弦迅速向邻弦方向横向拨弦，使琴弦快速沿指甲和肉划过产生相对指板或琴孔方向直上直下的物理震动产生饱满的声音。

5、手指滑拨琴弦后触靠在邻弦上，然后迅速放松，使手指恢复到预备发音的状态，而不是仅留在邻弦上。这个技术动作非常重要，虽然只是一个放松还原的动作，但真正练好后可以达到两个目的：

A、发音时手指适当发力（紧），而发力后手指立刻还原（松），使手指肌肉不断得到紧松、松紧的训练。松和紧是矛盾对立而又互补增益的运动哲学概念，也符合我国古老的“阴”、“阳”学说。

B、由于手指发音后立刻恢复到预备状态，实际上已经做好了第二次攻击琴弦的准备，这样的技术设置对以后提升弹奏速度有着良好的技术基础。

6、当靠弦发音练习确有基础且应用自如后，可开始不靠弦发音的训练。不靠弦是在靠弦的基础上完成的。即：手指正确触弦、绷弦后迅速小动作滑拨放弦，而此时要注意手指绝不可以触到邻弦（当然更不能勾弦发音），要用极小的动作完成拨弦发音，随后立刻还原到预备状态。这个动作从摁弦到完成发音只是一瞬间的事，其动作和发力比较微妙，笔述难以真正说清。

综上所述，古典吉他本质上的发音方法确实存在靠弦和不靠弦两种基本状态。靠弦为练，不靠弦为用。练、用结合，如确实掌握了，最后可达靠弦和不靠弦二法为一，音色质量统一，而且弹奏方便。可基本避免弹奏旋律用靠弦时声音饱满有质量，而弹奏分解和弦或和声时用不正确的不靠弦（甚至勾弦）而产生尖锐刺耳的非乐音本质的不良声音。至于有人提出吉他声音应丰富多变，以增加音乐感染力的问题：上述论述是指吉他在声音质量本质上的一种技术方面的探讨。至于音色的变化和其他方法关系到音乐美学的展现，当另作他论。

二、双手弹奏技能的提高

记得陈志老师曾讲过，弹琴的人，一定要先搞清楚怎么弹，然后再说弹什么。我认为此言甚对。但从实际教学中发现，学生搞清楚怎么弹虽已属不易，但如老师教得准确、明白、有步骤、有控制，而学生也用心钻研，理、行并重，则可在半年左右基本建立起规范的演奏技术定型。而接下来却又有了如何迅速提高双手弹奏能力的问题。

许多爱好者和老师大有急于求成的心态。刚刚能够把琴弹响，便立刻投入大型独奏曲的训练。笔者在全国各地的吉他比赛场地目睹过很多选手弹琴，这些选手从状态上看应该说绝对用功，其精神也大有努力拼搏、克期求证之势，但可惜功夫用的不对，纵有盲力也枉然。

古典吉他的演奏如除去其音乐意义，单从双手的动态上看实际是一种手指的运动。其机械性的特点是无法回避的。而且肌肉的弹性能力、关节的灵动能力、神经的敏感程度，基本上决定了我们对音乐力度实施强弱收放自如，速度快慢可控，精细圆融的处理和表现音乐等能力的高低。单从某一首乐曲来看，其技术元素是割裂式的。其音乐作品是由作曲家按照需要可以自由安排他所认可的各种音乐元素。而任何一种音乐元素都给演奏者从技术元素上提出若干个单元甚至数十个单元的能力需要。单从此一点来看，古典吉他的演奏从技术要求上给我们的双手提出超出常人几十倍甚至上百倍的素质要求。所以有种观点认为，不必花费时间去练什么基本功，多把时间用在弹奏曲目上，刻苦一些、勤奋一些就可以了。对此，本人绝不敢苟同。

我深信：基本功是起点，练习曲是桥梁，而独奏曲及音乐美学的展现是目标。笔者认为，基本功不仅是教学的起点，其丰富的训练方法的设置还使其成为一个宝库。我们弹琴的人，由于某个时期会偏重某些风格的乐曲练习，而这些乐曲的风格从技术形式上是有其范围或说局限性的。所以我们的弹奏能力在不同时期也会有所偏重，导致或上升、或下降。由此我们必须给自己建立一个丰富的基本功的宝库，需要的时候能够获得强有力的技术支持。但就我的阅历和感觉而言，我们国内专业圈子，包括各地音乐学院，可能绝大多数都没有给我们的学生建立这样一个宝库。而只是不同的老师按照自己的好恶所积累的经验（也可能是恶习）盲人摸象般的随心情的臆断，但不失忠恳的教导着一些可怜的孩子。真可“叹其之愚诚，哀其之轻谋’。至于一些盲目的初学者和那些自信可绝对自学成才之辈，则无可言述。

基于以上所述理念，我们在教学上建立了八种基本功的练习体系。基于篇幅，在此只列提纲，略做表述，详细探讨则需看日后机缘。

1、右手基本素质训练：

（1）右手全封闭指靠弦或不靠弦发音练习，逐步过渡到半封闭指及开放指。目的是强化右手各手指发音的正确性及能力的迅速提升。

（2）右手踢指练习。通过手指大幅度的反向运动，提高爆发力的锻炼。同时使右手背及手指的肌肉、筋络获得弹性训练，也对神经系统给予了良性的运动刺激，以期增加神经的敏感程度。

（3）快速反弹练习。通过p i m a快速的扫弦，反弹练习增加手指的灵通性，提高快速的运指能力。

（4）空弦组合练习。包括各种分散和弦型态、旋律音阶指法及p指与i m a交替弹奏的能力。目的在于集中精力，控制好、稳定住右手正确的弹奏状态。

2、左右手基本素质训练

（1）组合指的开指练习。形式：左手各种手指组合在指板上双向伸展、收缩的练习。通过不同把位的变换提高手指的伸展和收缩的能力。目的：使左手的肌肉群得到充分的弹性训练，并有效提高手指关节的支撑能力。对以后左手和弦指位能力及手指的运指能力起着至关重要的作用。

（2）左手的打拨弦练习。形式：左手用单、双、

三、四指的组合，大幅度进行打弦、拨弦的练习。使手指从根关节建立起灵动性，同时练习准确的摁弦能力。需注意：打拨弦的练习不等同于圆滑音的练习。此为素质训练。

（3）左手指走摁弦练习。这个练习对于初学者而言应放在左手练习的第一项。但对于系统练习的人来说应放在打拨弦之后。因为左手前面两项练习可能会对左手正确的摁弦方法有散乱和削减运动信号的可能，所以此时练习走摁弦即可恢复正确的运指信息，也可使肌肉得到良性的刺激，很快放松。

方法：左手在任意把位端正、固定好手型。然后用不同组合指法做摁弦——放松——换弦的训练动作。需注意：手型的端正、手心含空、手指第一关节直立使手指尖端摁弦。目的：固定手型、指型。而所立各指通过摁弦发力、放松还原，使左手的神经、肌肉、关节获得正确的运指能力，并形成条件反射。

3、双手配合练习。

形式：右手在正确的发音状态下（靠弦和不靠弦各有其用、按需安排），配合左手做移位练习。

（1）左手单指变换把位的练习。 （2）左手组合指变换把位练习。 （3）左手跨弦移指练习。 （4）左手斜行移指练习。

（5）左手把位移指练习，包括单弦移指练习。 （内容繁复，不述）

目的：使双手最大限度的协调练习，奠定双手互动能力的基础。同时使左手在各种运指移动的状态下得到全面的训练。

4、右手封闭指单指不靠弦发音强化练习。

方法：右手 p i m a包括小指(ch)全部封闭在琴弦上，然后某一指连续做发音练习。同时左手用附点开指或附点半音阶形式配合右手各指的发音。

目的：这个练习右手是封闭指。所以会更好的强化手指的独立性。从形式和名称上看似乎是针对右手的练习。而从练习效果上看，由于左手始终在配合右手练习，所以这个练习对双手而言实在是相得益彰，同步提高。

5、右手开放指单指不靠弦发音强化练习。上述练习是封闭指，最大目的是提高了右手各指的独立性。而此项练习右手为开放指（悬腕）形式练习、弹奏。开放指是我们在实际演奏中运用最多的形式。而这种弹法很容易出现手腕跳动、勾拉琴弦的错误状态。在练习时需严格控制。方法：右手各指单独练习。四分、八分、三连音、十六分音符四种时值做变换速度练习。使手指得到不同速度、不同强度的训练。而附点的练习更是不可减少的。同时左手以各种不同指法组合配合右手练习（内容略），以期使双手得以进一步互相协调训练。

6、建立在a小调功能和弦上的右手练习

弹奏古典吉他对右手的运指能力和方式提出了较高的要求。在正常演奏状态下，我们的右手要担负音阶形式的旋律、丰富多变的分散和弦、多声部的柱式和声以及轮指等各有技术特点的弹奏方式。所以如要想全面完成右手各方面能力的培养，应需有目的的设置右手全方位的技术弹奏练习。

著名的阿贝尔·卡雷巴洛大师在他的教材中设置了关于右手的丰富的练习，经过实践研练，我认为确实是行之有效的。但也有个问题：这个练习对于右手而言，只安排了一个减和弦的指型，从C1——C12把位上下行移动来配合右手各种形态的弹奏练习。可能卡雷巴洛大师是希望让练习者不过多分出精力来考虑左手的状态，而左手只用一个简单的指型即可让练习的人把注意力充分集中到右手的训练状态上来。如果这个设想成立的话，在理论上应是无懈可击的。

但在实际教学中，我发现长时间带学生做这个练习出现了两个问题：A、单一的音响长时间出现会给练习者的耳朵过早的产生疲劳、甚至是厌烦感。B.左手长时间只用一个指型既容易使左手损伤，同时也放弃了训练左手不同指型变化的机会。这两个问题的出现使我一度中止了这个练习的教学和研究。但心中总有遗憾。

后来我变通了一下，把a小调的功能和弦，即主和弦下属和弦、属或属七和弦，按

1、

4、5简单的连接形式安排在C1——C14各个把位上。这样练习者可用很短的时间便记熟这个和弦套子。然后右手依然可以做所有任务内的练习而达到预期目的。同时这样的训练使左手也得到了一定程度上的指型变化练习。而由于小调式和弦连接有着较强的色彩性，所以使练习者也不至于很快就从听觉上产生厌烦和疲劳感。

目前，这个练习是我给学生们安排的必练内容之一，从教学效果上感觉这个练习确实是行之有效的。

7、双手互动练习

所谓双手互动练习即是双手在演奏快速旋律时所需能力的培养。对于演奏者来讲，速度的训练是必不可少也是无法回避的。古典吉他所演奏的音乐，从巴洛克、古典乐派、浪漫派一直到近现代，很多大师的音乐作品都按其需要而融入了高速度演奏的元素。其中像巴赫大师严谨、复杂的无穷动、朱利亚尼交响般的辉煌以及巴利奥斯丰富独特转瞬即变的魔王旋律等等，都需要演奏者必须具备双手快速运指能力来完成基本演奏要求。

上述第6项是专为解决右手的问题而设计的练习，而此项的双手互动则是单为双手同步运指的能力而设计的。早些年，笔者二十几岁时，曾像很多吉它爱好者一样，每日狂练威拉罗勃斯练习曲第1号。这首练习曲对右手各指灵动性的练习确实有独到之处，而左手却大多数情况下处于紧张的和弦状态之中。这样的状态持续久了，左右手的运指速度能力会产生失衡的情况。（这里只是举例说明一种现象，而非对大师有任何偏见。其实大师的第2首练习曲即对左手灵动性的培养起着很积极的作用。）我所希望的是我们的教学从一开始就应该考虑这些不利因素，进而从基本功的训练中，纲领性、原则性的设置对抗某些不利因素的练习，以求得双手能平衡的发展。

“双手互动”的左手指法基于我们所熟知的24种半音阶基础上的指法组合。可分为四组指法。每组六种组合。这个练习指法全面，但练习时间过长，只适合做周期分组性的轮换练习。鉴于此，我编了两组左手的互动组合练习指法，配合右手六种常规弹奏指法（im ma ia pi pm pa）进行各种附点和变化速度的练习。从多年的教学结果看，实际效果是非常明显的。

8、圆滑音的练习圆滑音有打弦发音、拨弦发音以及打拨结合的发音形式。这种纯粹左手的技巧可以有效的提高旋律声部的流畅性和连贯性，进而能更好的展现吉他音乐的魅力。

然而左手手指的灵活性，决定了圆滑音质量的好坏。手指打弦、或者拨弦（与前面提到的打拨弦不一样）要用很小的动作——短距离的槌击琴弦或小动作的拨弦，还要产生足够的音量并保持圆润的声音质量。很多前辈大师的音乐作品中都运用了圆滑音的技巧借以提高音乐的流畅性。其中浪漫派和近现代音乐应该运用的更为广泛。为了这种技巧圆满的运用，我们可以用下述形式进行训练：

A.左手双指单独打弦和拨弦的练习。（所谓双指并非是指双指一起动作，而是相邻或间隔的两个手指分别练习。）

B.三个手指分别作打弦和拨弦的练习。 C.四个手指组合分别做打弦和拨弦的练习。 D.打弦和拨弦组合的练习：这个练习主要以左手双指三音组合打拨琴弦和三指四音组合打拨琴弦构成。

而且要以变换节奏型和附点形式组成练习。上述练习的功用可以在短期内行之有效的提升左手运指的高限能力。并且可游刃有余的完成一般音乐作品中圆滑音的乐句。当遇到更为特殊的圆滑音乐句时，由于有上述练习的能力铺垫，稍作针对性的适应练习，即可得到彻底解决。

9、揉弦的练习与运用

揉弦作为弦乐器常用的一种技巧，我的感觉是很多人对它既熟悉又陌生。之所以熟悉，大家可能从小提琴等乐器演奏中感受过揉弦所产生的音乐魅力。当然，大家也都知道吉他在演奏中运用揉弦时，可以适当延长时值（需要时）和一定程度的美化音色。

但我们从教学意义上讲，揉弦的练习可以有效提高演奏者的功力。也即是说，揉弦其实在训练中更有其特殊的作用。

揉弦的技术动作是：左手某一手指或某一和声指型在琴弦上摁好后，右手弹奏出这个音或这个和弦。然后在余音中左手保持摁弦状态，用手腕发力，顺吉他指板方向用均匀的频率作出左、右揉动，使所发出的声音既保持其基本音高而又产生一定频率的、超出平直音概念的声波变化。 我经常希望学生用三种类型的练习曲、全曲练习揉弦。比如：威拉罗勃斯练习曲1号、巴利奥斯音乐会用练习曲2号、索尔和声练习曲16号。这三首练习曲一首是分散和弦状态，一首是旋律状态，另一首是和声状态。在这三首曲子的练习中加入揉弦练习（当然速度要慢下来），尤其是全曲都用揉弦的要求去练，难度是相当大的。刚开始练习时，练习者会出现肌肉紧张、疲劳的现象，甚至偶尔会出现双手突然自动停止演奏，而练习者似乎忘了曲子该怎样弹、怎样调动手指和肌肉的力量。这充分说明，揉弦练习是一种负荷练习。在练习中练习者不仅要求控制好左手揉弦的动作，还要努力调整放松左肩、大臂甚至小臂和手腕的肌肉张紧度。更同时还必须分出脑力去支配右手正确的进行弹奏。所以此时人的内在意识和外在的参与练习的所有神经和肌肉组织都会很快进入刺激——兴奋——疲劳——刺激——兴奋——疲劳这个过程。这个过程既是生理上的训练，也是精神意志的训练。经常做这种揉弦练习，可以使我们迅速的超越我们在正常情况下的训练中建立起来的基本能力。

过去陈志老师经常说“揉弦是内功，你要多练”，十几年的教学经历之后我真切的体会到：是真的，那真是内功！

揉弦，可以与我前面所述各项基本功的内容融合而练。果有能行之人，相信必有可喜的收获！

以上简述之8项基本功练习内容，得之于老师、得之于教学的经历，得之于平时的精心思悟和研练。望同道师友们阅后斧正。不胜荣幸。

双手同时互动在形式上看起来似乎是最自然不过的事情。但这种形式对演奏者的神经系统——尤其是脑部神经对双手的协调控制，其实是提出了极为苛刻的要求。所以练习者在做此类练习时一定要“气定神闲”的用工夫。同时要保持精神意念的高度清明。这样在一定的练习时间的积累下，练习者可能会体会到我们东方文化中所提到的“练气”的境界。所谓“意动形随、形动意融”。即手指形体的动作与意念高度融合，进而产生近乎“道”体的本来功能态。真有此境，则即使是练基本功也可乐在其中。当然，能入此佳境者，真需能自愿刻苦用功的“有缘”人。

第11篇：令人神魂颠倒的41首古典吉他精品赏析

令人神魂颠倒的42首古典吉他精品赏析 1.阿尔汗布拉宫的回忆----塔雷加

这是被尊称为“近代吉他音乐之父”的西班牙著名吉他作曲家兼演奏家塔雷加的一首最有名的代表作品。乐曲描绘了作曲家对西班牙格拉纳达城的一座宫殿的印象。全曲的旋律从头至尾都用轮指来演奏，同进配有分解和弦的伴奏，颤的效果发挥得淋漓尽致，无论从演奏技巧或是表现意境方面都有相当的深度。既精妙地描画出阿尔汉布拉宫宫殿的辉煌华丽的景致，又给人以深的感受和回想。不了解吉他的人很难想像是由一把吉他的独奏来完成的。 [url]http://www.daodoc.com/z40/d[/url] .../Capricho_Arabe.mp3

36.最后的颤音----巴里奥斯 巴里奥斯的《最后的颤音》，旋律优美、神秘悠远而带有沉思意境，在潺潺流水般的轮指下，像是悠悠地诉说着巴里奥斯生平的故事。

[url]http://www.daodoc.com/bbs/egg/music/guitar/cunzhijiazhi10th/[/url] 村治佳织10周年吉他精选-13%20卡伐蒂娜舞曲(梅耶%20改编威廉姆斯).wma 39.罗密欧与朱丽叶-----普罗柯菲耶夫

一个传统的爱情故事，用一段音乐就真实地表现出来了。于是 《罗密欧与朱丽叶》的主题很快风靡全球，并被改编成钢琴、小提琴等多种音乐形式。现在，我们不妨从吉他中去感受这段 忧郁的旋律......[url]http://www.daodoc.com/images/song/08.MP3[/url]

40.小行板圆舞曲-----卡诺

西班牙吉他演奏家安东尼•卡诺（Antoni Cano,1811-1897）生于洛尔卡。卡诺早年学医，取得外科医生资格后回故乡行医数年。同时学习音乐。此后，曾在宫廷演奏并任职。1813年索尔由于政治原因离开祖国，流亡巴黎。在巴黎他得到凯鲁比尼（Linsi Cherabini,1760-1842），梅于尔（Etienne-Nicolas Aehul,1763-1817），贝尔东（Henri Montan Berton,1767-1844）等好友的热烈支持。于是这位失意的军人，又在诸友的劝慰下，再度重返艺术家的生涯。

[url]http://www.guitar21.net/music/audio/claical/XiaoXingBan.mp3[/url]

41.追想曲 -----阿兰布拉

阿兰布拉的《追想曲》被赞为历史上最浪漫的追想曲，记得以前上海每天早上有一个广播，主持人是裴子安，她主持的节目背景音乐放的一直是这首歌曲，确实是很优美。 [url]http://www.xz.jsinfo.net/Music/mp3/guitar/A5_6.mp3[/url]

42.随想曲第24号--帕格尼尼

闻名于世的“二十四首随想曲”是浪漫时期“琴魔”帕格尼尼的小提琴曲集，由于帕格尼尼亦是一位吉他演奏者，其作曲思维也受到吉他演奏法的影响，所以这二十四首随想曲改编为吉他作品也很自然与小提琴比各有千秋，其中第二十四首无论是小提琴还是吉他都演奏的较多，它的一首变奏曲作曲手法很有新意、技巧高难，“琴魔”狂傲之气尽现无遗。 [url]http://melos.cau.ac.kr/zboard/data/Paganini_Caprice_no_24.wmv[/url]

第12篇：古典吉他学习的基本知识简单介绍（推荐）

古典吉他学习的基本知识简单介绍-古典吉它

1.音色的好坏

基本上在于选择指肉或是指甲触弦。

指肉触弦的音色厚实圆滑但比较模糊不清，指甲触弦则单薄尖锐但比较精楚可辨。多数人喜欢的是David Ruell那种厚实的声音，那么在选择触弦时就要以指肉为主指甲为辅，在过弦时是先过指肉再过指甲。

2.音色的厚实程度 要点是\"触弦面积

2.第一点：触弦点，角度及面积：

手指入弦的位置(触弦时手指第一个碰到弦的地方)是用手指的左侧或右侧或中间的指肉，每种入弦声音都不尽相同。手指触弦的角度，越平行弦声音越厚，越垂直弦声音越薄。

其实最根本就是手指入弦至离弦的所经过指肉的面积，触弦的过程中所经过的面积越大声音越厚，所以触弦点和触弦角度的影响音色的原因即在于此。 第二点：速度及力量：

触弦时下压弦的深度，也就是手指将弦往斜下压入.弦震荡时前视图看到的轨迹画出的截面积越大声音越厚，所以最适合的震动是弦在打圆而不是左右晃动。

另外手腕的角度(手掌与手臂的夹角)，角度越大声音越厚，角度大时(例如180度)，手指在做出勾弦动作时，指尖的自然动作就能用一种比较类似由上而下的压入弦的动作，而角度小时(例如90度)，指尖的自然动作反而只能做由下而上拉弦的动作。

所以，过弦速度快，面积自然比较小，声音自然就变成较薄，反之亦同。加大力量，弦被压入较深，音量自然比较大，音色自然比较厚，反之亦同。 第三点：指甲：

指甲当然会影响到音色，但基本上除非你的指甲相当厚，否则纯粹只是在触弦完成时顺势划过去的被动角色，厚实音色主要还是来自指肉。修指甲时只需要去掉绫角，不会卡到，触弦顺畅即可。 探讨指甲所造成音色的影响，原理也是经过指甲的面积大小；于出弦的那一点的指甲如果修成划过弦时和弦形成一种锐角，声音就会尖锐，形成钝角，声音就会混浊。指甲形状修成可让弦经过较多或较少的指甲，声音亦有浊锐。比较好的选择是修成适当的声音明亮度，不过份尖锐或混浊 3.右手的放松

很多演奏吉他的人，只注意左手的放松，却忘记了右手也是一个需要放松的地方。放松的主要问题：手指(或手掌)张力的过份紧张，手指弹弦之后没有放松。一般而言，右手的手指在拨完弦之后要回到原本的位置，并不是刻意，而是出力完，手指会自然的回去原本位置的地方。

可以做个实验：将手拿起来自然的放松，然后任一手指可以用点力向掌心内弯曲，然后出力之后立刻放掉力气，会看见手指会很自然的回去原本的位置(或相当近似)，故拨弦亦同。

如果要得到比较好的音色，比较大的音量，势必要将弦在拨弦的时候将弦向下压入，或者使用止弦，这些动作容易使手指产生僵硬，更要注意触弦之后的放松，要缓慢练习到轻松自然的完成。 4.右手预备消音

吉他没有像钢琴一样的踏板装置，所以在一些和弦变换时，没办法像钢琴一样利用踏板来防止前一个和弦的音渗入下一个和弦(如果和声进行的目的不允许时)。那么右手的手指可以用来充当消音器的角色。

动作的顺序在于：

(1)和弦变换前将手指放在想要消音的弦上。依情况，一条或以上。 (2)左手手指离开弦，至下一个目标。

(3)左右手手指同时压弦及拨弦。如果有用来消音的手指不必拨弦，在拨弦同时仍可以置于弦上。 要点：吉他是一种共鸣很强的乐器，我们弹出一个和弦，在消音同时，吉他会有和声的泛音残留，以及人类在声音突然中断时听觉会产生暂留，所以当右手预备消音的动作相当快的时候，它可以用来防止音与音的中断。当然不管在吉他或钢琴上，因为时间差的关系，跳跃前后的两个音不可能完全连接，但好的演奏者依然可以使乐器歌唱。 5.旋律的要素

音乐不单纯是乐句进行到这里要大声，到那里要小声，同时也要注意到旋律的进行，不论大声小声，在其范围内，旋律依然有高低起伏。先撇开音色不谈，基本上旋律是一种流动的状态，可用力度来表示，例如：将所出力量由大到小分为1至10，我们可以将一段音阶弹成4-5-6-7-8-9-10-9-8-7-6-5-4，就是由弱到强由强至弱。以此类推，用坐标来比喻，就像我们画出来各种的曲线，X轴是时间，Y轴是力度，我们可以把旋律演奏成那样。同理，音色根据厚薄亦同。

当然音乐是一种感觉的表现，但是没有经过训练的手指并不会将心中的声音自动转变成手上的触弦。音乐所需要的触弦非常细腻，必须细心注意手指的触弦感，要用它控制整个旋律的走向。让心中想的和实际弹的一样非常不容易，在练习时要依照慢速度的原则，事先在心中考虑好，然后仔细的听，仔细感觉指尖所弹出的每一个音是否和想象一样。 6.右手跨弦

所谓跨弦，举个例，用i指弹第三弦，接着用m指弹第二弦，最后用i指弹第一弦，就会发现到最后的步骤有跨弦的情况产生。

依照正常人的生理，跨弦可能有以下几种方法：

1.将手腕向离开面版的方向拉高，手指会自然伸张，可以自然的弹到其它弦。

2.直接改变手腕的角度，由垂直弦至平行弦，可以自然的弹到其它位置的弦。手指触弦的角度也会随手腕角度的变化而变化。

3.手指触弦的角度不变，手腕的角度改变，以手臂*在吉他上的点为支点，利用手臂位置的拉高或降低的改变，可以自然的弹到其它弦。

4.手指触弦的角度不变，手腕的角度不变，改变手臂上*在吉他上的支点位置，来回滑动，可以自然的弹到其它弦。

5.不在意手腕手臂，手指直接伸长缩短去弹要弹的弦。在此只列举一般常见的情况，依个人习惯的不同亦有差异。 7.右手的定位 因为吉他是两手并用的乐器，所以右手是左手一个重要的定位点，若是右手的触弦不稳定，左手也容易失去方向感。练习或演奏时可以在手指装上心眼，想象弦所在的位置，在弹出即将要被弹出的音之前，手指要尽可能*近弦。又手指在触弦时，往往都会有一个反作用力，让手腕手臂震动，这是自然放松的现象，但不要让震动太过份表现出来，变成了摇晃。 8.轮指

谱上所记载的拍子为p-a-m-i各一个单位的时间，但是实际上在演奏时，这样的方法会造成a-m-i的旋律不连贯。可能比较好的方式是，i-p-a间各半个单位，a-m-i间各一个单位的时间，目的是为了让a-m-i-p-a-m-i中i-a的的旋律连结起来。a指是轮指中第一个被听见的音符，要调整好a指的位置以期得到最好的音色音量。演奏轮指时，避免手腕手指的不必要的晃动。

第13篇：古典爱情诗词论文

道是无情也多情

翻开一卷宋词，如打开千年前的纷纭的往事。许是萍水相逢，又或是命中注定，我且当做是一段与文字的际遇。它如一朵开在绝情谷的花，以绝色英姿吸引人们，让我们中了宋词的毒，其中情思，当真使人肝肠寸断，回味隽永。

盛夏时节，春光早已逝去，连一丝踪影也觅不见。可是连绵的青草，却没有过尽人间芳菲，铺撒在天涯各处，郁郁葱茏。每当我读这首苏轼的《蝶恋花》，脑中都会浮现出一幅清新动人的画。

蝶恋花 苏轼

花褪残红青杏小。燕子飞时，绿水人家绕。枝上柳绵吹又少，天涯何处无芳草！ 墙里秋千墙外道。墙外行人，墙里佳人笑。笑渐不闻声渐悄，多情却被无情恼。

绝代有佳人，幽居在庭院，这院门似乎终年落锁，墙上爬满绿藤，积累了经年的时光。她豆蔻年华，醉人风姿，无须轻妆，只是天然。她每日摇荡在秋千架上，风情而潇洒，全然听不见墙外熙熙攘攘的人流。她总是独自轻笑，却不知，那笑声已将墙外人惊扰。她累时，在亭内铺一张清香的草席，躺在上面，看风中飘扬的帐幔，为她独舞。她不知，她虽不见任何生人，她的芳魂却越过墙院，迷醉了赶路的行人。让墙外的行人，多情地止步，几乎忘记自己是个过客。甚至想要轻叩门扉，窥探院内的春光，和那倾城的佳人。 写惯了豪迈豁达之词的苏轼，也常有清丽婉约之作，这一首《蝶恋花》写得生动婉转，意趣盎然，有一种遮挡不住的活力和生趣。“花杏残红青杏小”，他起句伤春惜春，可刹那就超脱这景象，笔锋一转，让人看到燕子飞舞，绿水人家绕。柳絮迎风飘飞，欲觉留春不住，一句“天涯何处无芳草”让画面跳跃，仿佛眼前铺展了一片没有尽头的绿意。这就是东坡先生词风的魅力之处，姹紫嫣红的春光在赶往夏天的路上死亡，他没有一直感伤，而是用积极的心态接受季节更替，看到更加苍翠的风景。

绿水人家，高墙之内，有荡秋千的佳人，发出愉悦的笑声。那笑声，似黄鹂鸣叫一般婉转清脆，让墙外的行人，不由自主地停下脚步。可是只闻笑声，却觅不到佳人的芳踪。一堵院墙，挡住了所有的视线，可是却挡不住佳人的青春美丽。心灵的眼睛可以穿越院墙，看到佳人绝色的容颜，和她在秋千架上轻盈翩跹的姿态。可当他为这生动的情景而痴醉不已时，墙内的笑声却已经听不到了。佳人就这样抛洒欢笑之声，飘然而去。那秋千，在风中空空摇荡，而墙外的行人，空自多情。

每当读这首词，我就会想起那个影响苏轼一生的女人。他的结发之妻王弗，容貌美丽、知书达理，夫妻二人情深意笃，恩爱有加。可是在一起生活了十一年，王弗便病逝了，苏轼悲痛万分。他在埋葬王弗的山头，亲手种植了三万株松树以寄哀思。更让人深刻的是，十年后，他为亡妻写的那首千古第一悼墙里秋千墙外道。墙外行人，墙里佳人笑。笑渐不闻声渐悄，多情却被无情恼。 然而，还有一个女子，她的名字，烙刻在我记忆深处。王朝云，苏轼的侍妾，他的红颜知己。朝云美丽贤惠，长于歌舞，陪伴苏轼颠沛流离,沉浮官场,历经无数艰难，承受无数打击，是苏轼至亲至爱的患难伴侣。在惠州，一日，苏轼与朝云闲坐，“时青女初至，落木萧萧，凄然有悲秋之意。”于是，苏轼请朝云歌唱《蝶恋花》词。朝云唱了几句，忽然歌喉哽咽，满目噙泪，苏轼问其故，答曰：“奴所不能歌的是‘枝上柳绵吹又少，天涯何处无芳草’也。”说罢禁不住潸然泪下，泣不成声，自此,朝云终日惆怅，不久抱病而终。真正是:一曲伤春词，肠断多情女。

我在想，朝云是在伤春，还是在感叹，苏轼如此豁达，是否在她离去之后，又会天涯海角觅知音。也许真的是宿命，这位小苏轼整整二十六岁的绝代红颜，竟然先他而去。朝云逝后，苏轼终生不复听此词，并且一直鳏居。也许是，垂暮之年的他，再也禁不起任何的生离死别了。苏轼将朝云葬于惠州西湖孤山南麓栖禅寺大圣塔下的松林之中，并在墓边筑六如亭以纪念，撰写了一对楹联：“不合时宜，唯有朝云能识我；独弹古调，每逢暮雨倍思卿。”

这首词的上阕重在伤春。春花凋零，残红落地，青杏初现。春燕在绿水环绕的人家低飞。柳絮飘飘流落远方，哪里是它栖身的芳草呢？一切只是正在逝去的春景；心中唤起的却是年华流逝伤春之情。想到和苏东坡流浪漂泊，朝云怎不伤心落泪，难抑悲情？苏轼却笑曰：“吾正悲秋，而汝又伤春矣”。悲秋伤春同样反映出深沉的时间忧患的恐惧，联系苏轼作词时的背景，可体会到苏轼当时壮志难酬，对时间流逝的叹惋；历经磨难，如同那残红败絮，朝云悲凉甚至于绝望的心境可以想见。

下阕重在伤情。苏轼巧妙地抓住生活中的一个细节，创作了一幕富含理趣的悲喜剧。“墙”犹隔也。墙内佳人，墙外行人，一墙之隔。佳人笑语，行人动情。笑语者不知墙外有人，动情者但闻笑声不见人。笑声渐渐远逝，多情的行人却凭空生出无限的烦恼。这种哀怨缠绵的情感，从作品表层看，似乎是描写生活中邂逅的恋情；从深层次揣磨，却是反应了苏轼密州生活时政治上抑郁的心境。朝云的绝望也许正是这种隔而生出的悲剧。

佳人杳去，蜡炬成灰，自古多情，总被无情恼。不禁想问，究竟是苏轼多情，还是这二位女子多情？这一切，似乎不重要，因为他们曾经相处过、拥有过。好过那墙内佳人，只给墙外行人，留下缥缈难捉的笑声。其实，每个人，都只是过客，没有谁，可以陪伴谁走到人生的终点。

独自上路吧，天涯何处无芳草！

第14篇：古典管理探析论文

自美国管理学家哈罗德·孔茨(HaroldKootz)1961年发表《管理理论丛林》一文，把管理理论称作丛林以来，管理理论的发展加速了自己的进程。此后，安索夫(Ansoff)《公司战略》(1965)一书的问世, “战略”开始引入管理界，迈克尔·波特(M.E.porter)的《竞争战略》，在20世纪80年代把战略管理的理论推向了高峰。1993年迈克尔·海默(M.Hammer)博士与詹姆斯·昌佩(J.Champy) 合著的《再造企业——管理革命的宣言书》,完成了企业再造理论的最终构架，在世界范围内吹响了所谓的“第二次管理革命”号角。同一时期,彼德·圣吉(p.M.Senge)出版了《第五项修炼》，在全球范围内引起轰动，学习型组织成为全球化和知识经济时代组织管理革命的重要标志。然而，在现代管理理论日新月异的今天，在我国管理学界，古典管理理论却受到人们越来越多的关注，有研究者甚至提出古典管理理论回归的论断。呼唤古典管理理论回归，有的是来自对中小企业管理的考察，有的是来自对管理职业化的理性分析，也有的是来自对古典管理理论自身的评判。一种观点的形成绝不是空穴来风，必然有其深刻的原因和背景，分析这些原因，回望并深思作为现代管理理论繁荣基础的古典管理理论，对推进管理理论中国化，促进企业管理科学化，具有一定的理论价值和较强的现实意义。

1 古典管理理论具有自身的科学性及较强的应用价值

古典管理理论是人类历史上第一次用科学方法探讨管理问题所取得的丰硕成果，是生产力发展到一定历史阶段的必然产物。古典管理理论作为一个完整的体系，集管理理念、管理技术和管理方法于一体，对企业管理实践有着强大的指导意义。它犹如一只有形的手，科学有效地调动和配置企业的各种资源，在适应生产力发展要求的同时，促进了生产力的进一步发展。一般认为，泰勒、法约尔和韦伯是古典管理理论的三位先驱，古典管理理论的科学性首先在于它的实践性，它是从企业管理实践中概括出来的理论。作为古典管理理论代表人物的泰勒和法约尔，有着丰富的企业工作经历。泰勒就是在生产一线发现并注意到 “磨洋工”现象的，对这一现象的仔细观察，使他找到了工人“磨洋工”原因。他认为工人“磨洋工”有三个原因，即：工人们害怕不断增长的生产带来失业；失败的薪金制度不鼓励工人高效率的工作；工厂没有给工人提供科学的工作方法。这些观察和分析，成为科学管理理论构建的起点。虽然法约尔与泰勒有着完全不同的人生经历，但他也一直处在企业管理的中、高层，漫长而成绩卓著的经营管理生涯使他对企业管理有更加宽阔的视野和更高层次的认识。

古典管理理论的科学性还在于管理理念的先进性。泰罗认为，科学的工作方法是管理中的“思想革命”，“思想革命”最重要的内容就是需要雇佣双方把视线从分享利润这块蛋糕转移开，共同想办法把“蛋糕做大”。他说：“管理的主要目的应该是使顾主实现最大限度的富裕，也联系着使每个雇员实现最大限度的富裕。”并且认为，对雇主来说，“最大利益”不仅代表着短期内有较大的利润，也包括为达到公司的长期繁荣而全方位地发展。对雇员来说，最大利益则不仅代表着高工资，还有他们自身职业生涯的发展，使他们在能力范围内做到最高等级的工作。在他看来，管理的真正目的是使劳资双方都得到最大限度的富裕。这一思想直到今天仍然闪耀着真理的光辉，以至于王义昌先生在《一封辞职信——成就组织和个人发展的第六项修炼》后记中，还要遗憾：这么多年过去了，让雇主和雇员关系和谐共同发展，却至今依然是我们企业管理实践者和理论者的重大任务。作为一般管理理论的构建者，法约尔认为，管理是一种可应用于一切机构的独立的活动；一个人在某机构内地位愈高，管理活动愈加重要；管理是可以教授的。正是这种对一般管理的认识，使管理理论作为一种普适工具在广泛的社会领域得到了运用。由于韦伯是一个置身企业管理之外的“旁观者”，站在更加超脱的立场冷静分析企业管理的基本问题，他的管理理念更显深邃。他指出一套支配行为的特殊规则的存在，是组织概念的本质所在。没有它们，将无从判断组织性行为。这些规则对行政人员的作用是双重的：一方面他们自己的行为受其制约，另一方面他们有责任监督其它成员服从于这些规则。韦伯理论的主要创新之处导源于他对有关官僚制效率争论的忽略，而把目光投向其准确性、连续性、纪律性、严整性与可靠性。韦伯这种强调规则、强调能力、强调知识的行政组织理论为社会发展提供了一种高效率、合乎理性的管理体制。直到今天，在组织中普遍采用的高、中、低三层次管理就是源于他的理论。

古典管理理论具有很强的应用价值。泰勒所提出的科学管理的四个原理：即对工人操作的每一个动作进行科学研究，用以代替旧的、单凭经验的劳动操作；科学地挑选工人，并进行培训和教育，使之成长，以代替允许工人凭自己的爱好选择工作的作法；管理人员与工人之间亲密协作，以保证一切工作都按建立起来的规章制度去办；管理人员和工人在工作和职责上要分工，各自承担最适合的工作，以代替所有的工作和大部分责任都推卸给工人的办法。这些原理，对于夯实企业的管理基础是非常重要的。法约尔提出的14条管理原则，以及他对管理过程计划、组织、指挥、协调、控制等五个要素进行的详细分析，则是企业管理过程科学化必不可少的。韦伯要求理想的行政组织体系所具有的八个特征，即实现明确的分工、实行等级原则、实行考核和训练制度、所有公职的担任者都是任命的而不是选出的、行政管理人员领取固定的薪金、行政管理人员不是他所管理的那个单位的所有者、组织是根据明文规定的法规规章组成的、组织中人员之间的关系完全以理性准则为指导，正是企业形成完整、有序和高效组织体系必须遵循的基本原则。

2 古典管理理论是现代管理理论的逻辑前提和应用基础

古典管理理论从创建到现在已经整整100年，社会政治、经济、科技、文化环境已经发生了翻天覆地的变化，正是这些变化推动着管理理论向前不断发展，形成流派纷呈的格局。但是，站在21世纪回望古典管理理论，我们看到的不仅是它们的真理光辉，也清晰可见它们与现代管理理论千丝万缕的联系。作为逻辑前提，古典管理理论不仅在理论上是现代管理理论创新的基础，而且本身也是现代管理理论的构成内容，同时还是现代管理理论在实践中应用的基础。

古典管理理论先驱们所试图解决的问题，是管理学面临的两个根本问题，即效率和组织问题。它们是任何管理理论都不可回避的问题。从这个意义上说，现代管理理论都是在古典管理理论的启发下或指导下，在古典管理理论已经搭建的平台上的创新，而且可以肯定地说这种创新会一直持续下去。古典管理理论所研究的问题仍然是现代管理学所要研究的问题，比如对计划和策略的研究、对发展战略的研究、对组织形式的研究、对管理工作环境的研究，等等，都是对古典管理理论的继承和发展。就是在彼得圣吉的《第五项修炼》里，通过系统思考、自我超越、心智模式、共同愿景、团队学习，所要解决的也是泰勒在百年前所关注的雇主和雇员关系和谐及共同发展问题。古典管理理论不仅为现代管理理论搭建了创新的平台，经过发展和完善的古典管理理论已经成为现代管理理论的构成内容之一。在现代管理理论丛林的九大管理学派中，管理过程学派和经验主义学派就是古典管理理论的现代版本。管理过程学派也叫管理职能学派、经营管理学派，其开山鼻祖正是古典管理理论的创始人之——法约尔。这一学派因美国管理学家哈罗德孔茨等人的发扬光大，成为现代管理理论丛林中的主要学派，在现代管理理论中占有十分重要的地位。经验主义学派也被称为经理主义学派，他们以向大企业的经理提供管理企业的成功经验和科学方法为目标。他们认为，有关企业管理的理论应该从企业管理的实际出发，特别是以大企业管理经验为主要研究对象，加以抽象和概括，然后传授给管理人员，向经理提出建议。经验主义学派中的许多代表人物深受古典管理理论影响，而且其中的多数人长期担任大公司的顾问或直接在大公司高层供职。经验主义学派走的是与泰勒、法约尔一样的研究道路，把实践放在第一位，以适用为主要目的。虽然，由于时代的变迁和实践对象的不同，经验主义学派所概括出来的理论并不是古典管理理论的翻版，但是他们的出发点和思想方法是完全一致的。但是， 由于现代管理理论抓住了管理中效率与人性这一被古典管理理论忽略的矛盾，所提出的一些观点，对于处理好管理中人与人、人与组织、组织与组织、人及组织与环境的关系，从而保持组织的平衡和谐状态，具有很强的实践意义。用现代管理理论指导现代企业管理，是无庸置疑的。然而，当现代管理理论在实践中应用的时候，我们会发现，它离不开古典管理理论所构建的组织体系的基础性支持。现代管理理论为企业管理提供了许多工具，比如管理方格、决策模型、激励手段，等等，都要放在按照古典管理理论构建起来的、能完整地履行计划、组织、指挥、控制、监督职能的组织体系中，才能发挥其作用。

3 古典管理理论的应用是我国当前企业管理实践的现实需要

管理理论不是“屠龙术”，它必须见诸于实践，在实践中得到检验。一切不能为实践所用的理论都是灰色的。管理理论的实践价值并不在于管理理论本身，而在于它的指导对象，在于它与指导对象的吻合性。因此，管理理论应用是有边界约束条件的，在发达国家有用的理论，在发展中国家未必有用；在大企业奏效的理论，在小企业未必奏效。我们不能说哪一种理论更好，更不能说时髦的理论就是最好的理论。

3.1 现实经济社会条件为古典管理理论回归提供了适宜的土壤

古典管理理论诞生于20世纪初期的美国，是与美国当时的经济、社会、文化的发展状况密切相关的。按照美国经济学家罗斯托的经济成长五阶段论，人类社会的发展经历了传统阶段、起飞前阶段、起飞阶段、成熟阶段和高消费阶段。古典管理理论形成的时代正是美国处于起飞阶段时期。在这一时期，社会出现持续的增长，在主要成长部门有可能通过革新创造或者通过利用新的资源，从而形成很高的成长率，并带动社会经济中的其他方面扩充能量。由于经济起飞时期，几乎整个经济都在快速地增长，从而使具有经济现代化观念的人战胜坚持传统社会观念的人，在社会、政治和文化等方面取得胜利。起飞阶段所迸发出来的强大刺激力量，既可以表现为政治革命的形式，也可能是技术革新的形式，还可能是管理方式改变的形式。当年，正是因应起飞阶段的经济发展需要，古典管理理论破土而出。

从发展经济学的角度看，一般来讲,人均GDp400美元以下为经济增长的起步阶段，人均GDp400～2 000美元为经济起飞阶段，人均GDp2 000～10 000美元为加速成长阶段，人均GDp10 000美元以上为稳定增长阶段。据国家统计局公布的资料，2003年我国国内生产总值（GDp）相当于1.4万多亿美元，人均1 090美元。这是我人均GDp首次突破1 000美元。这表明我国经济发展阶段处于起飞阶段的关键时期。我国当前经济社会状况，从发展经济学的角度来看，与上个世纪初的美国有很强的相似性。这种相似性表明，古典管理理论回归在我国有比较适宜的土壤。所以，有人认为，“考虑我国企业的发展阶段，反省我们走过的路程，我们提出‘回归古典管理’，补上科学管理这一课，并试图以此作为我国企业迈向职业化的理论指导。”

3.2 市场经济初级阶段人们所能达到的认识水平是古典管理理论回归的重要人文环境

我国直到1994年才提出经济体制改革的目标是建立社会主义市场经济体制，至今仅仅10年时间，从政府到民间对市场经济的认识都十分有限。我国从市场经济初级阶段到成熟阶段，还有比较长的路需要走。处在计划经济向市场经济转轨时期的企业，传统体制的惯性，制约着人们对市场经济认识水平的提高，因而，对在成熟市场经济中孕育出来的现代管理理论，多少有些消化不良。

企业管理说到底是人对人的管理，管理者和被管理者所能达到的认识水平，是制约管理理论应用的重要约束条件。从企业管理者来看，由于我国缺乏优秀企业家诞生和正常发育的社会土壤和社会氛围，社会体制方面也存在压抑优秀企业家成长的弊病，现阶段堪称真正企业家的厂长、经理为数其实并不多，甚至一些功成名就的企业管理者，往往并不是因为他们已经拥有了娴熟的市场经济驾御技巧，而是因为在市场经济改革浪潮中抓住了某一个机遇。在成功的或失败的企业管理者口中，我们都不难听到成串的、最时尚的管理学词汇，但是在他所管理的企业里却很难看到这些词汇所代表的管理理念、管理机制和管理制度。至于，在改革大潮中大量涌现出来的家族企业，管理者的状况更不容乐观。

3.3 大量存在的中、小型企业为古典管理理论回归提供了广阔的空间

根据2004年中国统计年鉴，我国拥有国有及规模以上非国有工业企业单位196 222个，其中大型企业仅为 1 984个，占1%；中型企业为21 647个，占11%；小型企业为172 591个，占88%。在工业总产值上，三类企业各占1/3。大量存在的中、小型企业，管理水平普遍比较低下。

有人对浙江民营中小企业做过调查分析，在那里企业管理存在四个具有共性的问题，即制度不科学，缺乏连续性；忽视基础，管理方法运用不当；未发挥组织职能，团队效率低；脱离实际，曲解“企业文化”。调查者认为，民营中小企业的管理整体上还处于十分原始的阶段，甚至还远未达到以“科学管理”和“一般管理”为代表的“古典管理”阶段的水平。浙江省是我国民营经济发展状况最好的省份，情况尚且如此，其他地区的情况可想而知。

解决我国中小企业的管理问题，更切实可行的办法是普及古典管理理论知识，帮助企业加强管理的基础，比如应用“科学管理”理论，提高计划水平，增强管理控制能力。通过贯彻和运用“工作定额”、“能力与工作相适应”、“标准化”、“差别计件付酬制”及“计划和执行相分离”等原则和方法，来提高企业的生产计划、组织与控制能力，从而实现管理效率的提高；应用 “行政组织”理论，促进组织优化。在韦伯理想的行政组织体系的基础上，结合企业实际，建立起以制度为中心运转的、等级化、专业化的金字塔型的组织，为企业准确、迅速、有效地工作奠定基础。

第15篇：初学者买什么吉他？民谣吉他与古典吉他的区别

民谣吉他与古典吉他的区别

古典吉他独奏与重奏，陶冶情操；民谣吉他弹唱伴奏，简单易学； （1）外形结构特点

琴的指板与吉他音箱结合处，古典吉他12品，民谣吉他14品，有背带扣。 （2）琴弦：

古典吉他使用的是尼龙弦。民谣吉他是钢丝弦。有的人问古典吉他一定要用尼龙弦吗？回答是肯定的。 （3）演奏形式：

古典吉他适合于独奏、重奏、协奏和为经典歌曲伴奏，及吉他交响团。民谣吉他的演奏方式比较单一，大都只是弹唱时伴奏，或乐队里弹solo。也有用钢弦吉他（民谣吉他）演奏指弹吉他曲目，创作了不少另类的风格。在音乐艺术方面，古典吉他表现力比民谣吉他强。初学者建议先学习古典。

（4）学习方法：

古典吉他的学习：正规的姿势（琴、手、坐姿等）、训练和循序渐进的练习，讲究严谨性、专业性、音乐性。伴奏用，民谣吉他演奏古典吉他曲目会失去乐曲味道）。吉他，电声吉他/贝司却是从古典吉他中逐渐演变的用于乐队伴奏的现代乐器。

民谣吉他的学习：比较自由，主要在伴奏类型和节奏上下的工夫要多，入门相对比较简单。

但民谣吉他却是学习吉他二次提高的最大客星，一旦民谣吉他学习成型就很不好再学习古典吉他，可能需要耗费很长时间改正一些错误的指法和技巧，需要重新正规地训练。（老师的方法也很重要，教得不正规也会导致走弯路）先学古典吉他一段时间后，可转学民谣吉他。（古典吉他亦可做弹唱） （5）使用的记谱法：

古典吉他：五线谱。民谣吉他：六线谱、简谱 （6）艺术内涵：

古典吉他：演奏经典音乐，代表有高雅艺术，要求欣赏人有一定的音乐素质。 民谣吉他：表现的艺术内涵一般从属于演唱人和歌曲，真正能够把歌曲的内涵通过伴奏来更贴切的表现，这就需要双方的配合能力。 小编建议大家可以做这样的判断：

喜欢清新民谣、流行音乐或是随性风格的乡村音乐的爱好者，就可以考虑购买民谣吉他。

喜欢演奏古典音乐或是歌剧音乐的朋友，并且在经济上有所富余的朋友，可以考虑购买古典吉他（这是因为古典吉他的价位相比起民谣吉他而言，要高了很多）。 作为初学者推荐民谣吉他比较合适。 初学者应该选择什么品牌的吉他呢?其实品牌并不重要，不同的价位有不同的选择，一般来讲初学者用差不多的合板吉他就可以入门，能用单板更好，单板的音色更出色。

购买吉他前需要考虑的事情：

1.承受的价位是多少。很多朋友进入琴行后都会问摆着的哪种琴好。说实话大部分相同品牌肯定是以价格作为标准的。价格越高品质相对越好，因此没有最好的琴…所以关键是按照您的心里价位来推荐相对适合您的吉他的。同等价位的琴才有可比性。

2.确定自己喜欢的音乐风格。我遇到过几位初学吉他的朋友进入琴行后站在那里一直在痛苦是选择古典还是民谣,其实这个很简单,可以简单理解为古典琴是用作弹奏古典曲目的，民谣琴更侧重于弹唱。（当然古典琴也可以弹唱，民谣琴也可以指弹）。

3.购买吉他的目的是什么。是用来娱乐,还是正式学习音乐,还是用来当做摆设（确实有朋友来买琴就是为了放在房间里好看）,还是用来追女生…

4.简单了解一下吉他的常识。如吉他每个位置的名称，以及吉他的类型等。

给3点建议：

1-最好买41寸的，最好是木质本色的，在完全不懂吉他的时候先别太追求个性的外观。

2-一把标准的入门级民谣吉他价格在500元-800元左右 新手也就是买练习琴咯！虽然是练习琴，练习琴只要买300-500的琴，300-500的琴只是前期拿来练手用的，到了中后期就会感觉到和面单全章之间的差别，自然而然就不会用300-500的合板琴了

吉他不是随便一个商人设计个牌子+上乘的木头+精致的做工就能有好的音色的，推荐你买乐爵吉他4002，，这款吉他厂家打着高配低价口号在卖，这款乐爵吉他4002是40寸的，琴箱圆滑可爱，非常适合女生，声音比起这款的41寸要甜美清脆！而且这吉他是经过磨砂处理，没那么滑手，新手因为容易紧张导致手出汗而滑，所以手感十分的好。建议你买木色的，云杉板原木色能看得到那密集的树轮，非常好看！非常适合女生

3-再好的吉他在购买到手时都需要对琴颈进行细致的调校以后才可以达到演奏的最佳状态，但初学者和大多数吉他爱好者甚至有的吉他老师对这点都不了解，包括多数琴行一般都是很马虎的把音调准卖给你就完了，所以请大家在购买的时候一定要求商家把琴颈的角度调校好，（新琴都会有配套的调琴颈的扳手）这样一是方便于演奏，二是过度弯曲的琴颈时间长了会成隐患导致木头变形。通常一把吉他每变一次季都要调一次，热胀冷缩的缘故。

第16篇：古典吉他学习第一节课程的教学内容以及思路

古典吉他学习第一节课程的教学内容以及思路

来源：歌词大全 http://www.daodoc.com

1： 基本音（定义，以及音名和唱名的基本区别，视情况可用五线或简谱来学习）

2：坐姿（把可能的不良姿势和后果与正确的姿势相结合来教学） 3：右臂与右手的手型（手型与放松结合起来，让学生在做好基本手型的同时也体会到放松的感觉）

4：右手的靠弦(我总是觉得对于靠弦来说首先用拇指来练习会更好一些，让学生掌握靠弦的方向，学会用指跟关节发力，并学会聆听自己演奏的声音以及拨弦以后弦音的延续和消逝，这里让学生学会弹完弦以后的放松也是非常关键的，因为在一开始教授学生的时候就要想到，要教给学生的是一种良好的习惯。我通常让学生的练习方法可能和一些教材中不太一样，右手的拇指通常可以利用指跟关节很容易的做上下的运动，这会让学生在学习靠弦与手型以及放松中会更容易些、带着这样的感觉再去学习其它三指的靠弦，首先在运动的感觉上就找到了。拇指保持手腕放松，手型稳定，音色差不多的基础上就可以做其他三指的靠弦练习了，我一般交给学生做的做的仍然是I，m手指的交替靠弦练习，告诉他们为什么要交替，怎样才叫做到了完整的动作，做好动作以后还要让学生聆听两个指头演奏出来的音的音质是不是好听，音量能不能做到一样。鉴于对于手型的训练，一般来说我是要求从一弦到三弦来做的，这时候手型和手腕应该是稳定，有的同学做到第三弦的时候会觉得很吃力，可往往这个时候更能体会到指跟关节发力和手指运动的方向了。

5：左手的按弦：（至于按弦的要求在这里就不多讲说了，主要是让学生学会在正确按弦的基础上学会在动作上做好音的连接，因为在下一课时，学生们就要学习左右手的配合以及各个弦的音和在听觉上听到音与音的连接了。）

6：讲一下怎样做好练习（让学生明白学习吉他，或者演奏一个练习并不像学习英语单词那样，会读会说会写，并会用了所有的用法就可以了。作为器乐练习永远是只有更好没有最好，而在自己练习的时候千万不要说我已经会了，应该去问一下自己，我能不能弹得更好些）

一对一，一个小时的课程这样下来还要因人而异，一般学生会顺利的学下来，可也有少数学生也许仅仅只能完成右手的一部分。

在以后的安排中的思路是：每节课要检查学生的动作要求是不是规范，音乐中最基本的要求做的是不是到位。这也正是下节课所设计的练习的中主要的练习目的之一。

在以后的教学中会用一些循序渐进的不单单是演奏方便，而且每首都会让学生循序渐进的学到基础的基本乐理和各种节奏的简单优美的单旋律的乐曲作为教学的内容。在经过这一时期以后便可以进入卡卡的C大调的学习了。

第一节课我是不讲调弦的。因为更多的学生目前还不具备这个能力。但作为老师却必须要把学生的琴调好。 说的永远没有做的更好，会疏漏些，但想能抛砖引玉，共同探讨。

第17篇：购买世界著名古典吉他品牌的最佳方案

购买世界著名古典吉他品牌的最佳方案 2010-11-22 23:56 确定自己购买吉他的预算

购买吉他还有一个非常重要的因素，那就是预算。如果无法确定自己购买吉他的预算，那么就很难做决定。一般说，买较低档的练习手工吉他价位大约人民币10000左右，这个价位上的吉他我们要求具备这些条件：首先，应该是全单板（进口琴可能部分为面板全单，背侧为玫瑰木合板），面板为白松或者红松，背侧板应该为印度玫瑰木，工艺制作上应该是手工制作。比较高档的学生吉他的预算为人民币10000-20000左右。而较低档的音乐会吉他的预算一般为人民币15000-25000左右（这个价位上，也可以找到一些音乐会手工吉他，这些制作家一般都有良好的制作工艺，高雅的艺术品位，但是名气还不太显赫，所以他们的吉他售价相应的也比较低）。更高级的音乐会手工吉他一般的价格在30000-60000，在这个价格以上的吉他往往都是一些传统名牌。不可否认的是，一把古典吉他如果超过人民币60000，除非具有文物或者历史价值，否则性价比就不合理。以我个人的经验，我看过很多传统的老牌名琴，虽然其中有不错的，但是鲜有超过现在一些新兴品牌的，而且订购等待周期很长，因此不推荐考虑。

预算问题，一般要考虑几个因素。其一是个人的经济承受能力；其二是自己的定位。比如，自己是一位职业演奏家，资深爱好者，还是普通的爱好者。

如果是一位职业的演奏家或者资深的吉他爱好者，如果经济条件允许的话，那么，他们绝对需要考虑购买音乐会手工吉他，因为只有这类型的吉他才能满足他们在音乐上的需求。如果经济条件不够宽裕，而本人对音乐的追求又很高的话，可以考虑一些比较普通的音乐会吉他，如果找到合适的制作家，应该说还是有可能买到好吉他的。这类爱好者一般不宜考虑高级学生用琴，对于他们来说，这类吉他达不到音乐上的追求，迟早要更换，而这类吉他的二手货往往非常廉价，所以这也是一种浪费。应该直接考虑音乐会吉他，如果经济能力有问题，宁可积累几年，等有条件的时候再买。

而一般刚入门的学生，除非很有经济能力，并且决意终生热爱吉他，否则应该买一些比较初级的吉他。我个人不建议买太低档的琴，因为这些低档琴往往音准、手感都有问题，直接影响一个学生的学习热情和进度，危害无穷。如果是刚刚入门，根据自己的经济条件，可以选择一些制作工艺比较好的国产工厂吉他，价格在2000人民币以内即可。当然，在入门的时候如果能够确定自己能够坚持很长时间，对吉他的声音要求又很高的人，可以考虑买初级的手工吉他，也就是价位在10000左右的吉他。笔者曾经碰到这样的事例，有入门者购买了一把Picado GI手工古典吉他，因为他对声音有很高的追求，不能容忍一般工厂吉他的声音。到了中级程度，对吉他的热情尚属一般的爱好者，就不一定要更换吉他，或者更换一把高级一些的学生用琴就可以了，否则也是一种浪费。

买琴是为了给自己带了快乐，千万不要因为买琴而负债！否则就会失去拥有好琴的乐趣了。

确定自己的喜好

吉他有很多风格，不同的制作家有不同的风格，而一味模仿别人的制作工匠永远不成成为名家。正如我们喜欢不同风格的演奏家一样，我们也会喜欢某种风格的古典吉他。

一般来说，西班牙制作家制作的吉他风格比较热情，声音比较明亮，而其他欧洲国家的吉他制作家制作的吉他比如英国吉他就比较典雅，声音比较高贵，而德国的制作家制作的吉他声音比较理性。澳大利亚制作家在Smallman的影响下自成一派，他们的设计风格我在介绍Ian Kneipp吉他的时候有详细介绍。以上所说的这些风格并不是绝对的，因为同一个国家的吉他制作家制作出来的吉他风格也可能迥异。要熟悉这些乐器的风格，除了亲自听和亲自演奏外，还有一个重要的途径就是听录音良好的CD，这些高保真的CD可以比较忠实地再现乐器的声音。同时，还要请教一些比较内行的朋友，他们的经验无疑是非常宝贵的，一个有价值的建议，可以为您省下不少资金以及避免购琴后无谓的烦恼。

正因为古典吉他拥有不同的特性，而每个人的欣赏品味有不尽相同，所以，并不是好的吉他就适合您。比如，Smallman吉他是世界最著名的吉他之一，但是我也知道有些演奏家不喜欢，他们不喜欢这种乐器并不是因为它不好，而是不合他们的口味。

在挑选吉他的时候还应该注意一个问题，这也是我在这几年帮朋友订购吉他中得出来的一个重要经验。吉他声音的好坏，是否合适你本人演奏，其实和你本人的弹奏方法有很大的关系。有时候你在试琴的时候不觉得某一把吉他是好琴，可能和你还不能将它的特点、音色、音量发挥出来有关系。因此，如果对自己的发音没有把握，最好请一位在这方面有专长的朋友给你提供一些帮助，当然，你要确保他的意见是客观公正可信赖的。

通常，没有一种吉他适合所有的音乐风格，所以，如果有条件的话，可以买几把风格不同的吉他。

寻找性价比最好的吉他

那么，究竟价格多少的吉他才算是好吉他呢？这是一个很有意思的问题，因为，长期以来，很多媒体或者中间商将乐器的价值炒做得太厉害，以至于很多人以为要买一把好吉他一定要花几十万元才行，其实不然。除了极少数名制作家的乐器，比如Smallman，Demman，Fleta等还有其他一些本身具有文物价值的吉他之外，一般一把高级的古典吉他价格为 4000-7000美元左右。那么，是否7000美元或者更高的吉他就一定比4000美元的吉他好一倍呢？答案是否定的，甚至有可能4000美元的吉他好过8000美元的。这里面有很多因素，有些制作家的乐器由于某些著名吉他演奏家的使用而名气倍增，因此价格也就扶摇直上。虽然他们的吉他为著名演奏家所采用，本身就说明了他们的乐器是优秀的，但是没有任何证据表明他们的乐器就一定比其他没有那么著名的制作家的好。这里还有一个机遇的问题。事实上，就是象 Smallman或者Fleta、Gilbert这样的乐器，还是有很多演奏家使用了之后又放弃。所以，不必盲目追求那些价格最高的吉他，除非您是以为收藏家或者具有雄厚的经济实力。

对于一位不以收藏为目的演奏家或者吉他爱好者来说，购买吉他除了要确定自己的预算（经济承受能力）之外，还要充分考虑一把吉他的性价比。从某种意义上说，Smallman或者Fleta的性价比就不高。而Montero，Kneipp，Vowinkel，Stenzel等这样也拥有国际声望的制作家的乐器就拥有很好的性价比。同样拥有这样很高性价比的吉他还有不少。我今后将陆续为大家介绍。需要说明的是，本着对广大吉他爱好者负责任的原则，我所介绍的吉他都是自己有弹过并且拥有的吉他，否则我不会轻易介绍给大家，毕竟，要了解一种吉他，如果没有经过长时间在不同环境下测试，是无论如何不可能了解它的全面全面性能的。我会挑选一些和制作家直接联系的品牌来介绍，这样我可以直接向他们询问很多问题，因而我对这些吉他有比较透彻深入的了解，否则会给大家误导。

关于手工吉他的制作材料

大部分吉他爱好者选购吉他的一个重要标准是，这把吉他是否“单板”，诚然，一把优秀的吉他一般都需要优秀的材料，但是具有优秀材料的吉他并不一定是优秀的吉他。

吉他的面板材料一般采用Spruce(白松）或者Cedar（红松）。需要指出的是，并不是所有的Spruce或者Cedar都可以用来制作吉他的面板。从红松说起，Ramirez III率先使用一种叫做\"西部红松(Western red Cedar) \"的木材在面板上。他意识到人们长期喜欢使用的欧洲白松（European Spruce）的供应已经有问题，因此，他开始寻找其他替代材料。他指出，他所采用的并不是一般的Cedar，而是一种北美的松树，名字叫做\"Thuya Plicata\" ，可以利用的树干部分可以生长到20米高，每棵树都可以提供大量的木材。，如果不是用这种特定的红松（Thuya Plicata）作为面板，那么所谓的“单板”并没有太大的实质意义。我记得有一位朋友非常幽默地说，如果全单板真的那么有说服力的话，那么，他家的抽屉也是全单的，应该具有很好的声音了。

而我们所说的欧洲白松，来自一些很少量的树龄很老的树木，而且只有靠近底部的比较短的部分可以使用。这种树通常称为\"德国白松\" （German Spruce），但是它不仅来自德国，更多的是产自原来的捷克斯洛伐克地区（波西米亚地区）。近来由于该地区战火不断，因此木材的供应也就极其不稳定。同样道理，随便使用其它种类的Spruce意义也不大。还有一些Spruce经实践证明是很好的吉他制作材料，比如某些日本的 Spruce（Hokkaido Spruce）或者美国的Englemann、Sittka Spruce。

Ramirez开创的先河现在已经有很多制作家效仿，比如Smallman、Byars、Hamphery、Kneipp等，还包括一些传统主义者，比如Fleta等。但是，Western red Cedar还存在争议，因此有一些制作家还是不愿使用它。比如，Romanillos，他于1991年告诉Colin Cooper说，Western red Cedar的声音缺乏精致性，而这是好吉他所追求的。但是，不可否认的是，现在越来越多的吉他制作大师和吉他演奏大师采用了Cedar面板，而且，通过制作工艺的不断改良，Romanillos所说的“精致性”在Cedar面板吉他上也得到充分的表现。

即使采用我们所说的这些木材，还有木材等级的问题。至于如何判断木材的等级，这需要非常老道的经验。不是越漂亮的面板材料等级越高，有些不太漂亮的面板材料，其声音特性却可能非常出色，而制作家一般都是从声音角度出发挑选材料的。每块材料的特点不完全一致，这就要求制作家根据每块木板的不同特性进行制作，这也是制作家与工匠之间的区别，工匠根据尺寸制作，而制作家（艺术家）根据木材的特性制作。这两种制作根据，得出的结果当然完全不同。

木材的质量除了木质本身外，和木材的裁切也有极大的关系。木材一般都要“正切”，也就是从树皮往中心部分裁切，和年轮成90度。这样裁切的木材具有优良的弹性和强度。

古典吉他的背侧板一般使用玫瑰木，玫瑰木的硬度较大，而且不像乌木那样容易开裂，具有很好的声音反射性能，同时，这种木材拥有非常高贵美观的木纹，是制作手工吉他的上等材料。

玫瑰木有很多种类，比较大的分类有巴西玫瑰木、印度玫瑰木、洪都拉斯玫瑰木等，但是每一类玫瑰木还可以分很多种类。我们通常说的巴西玫瑰木（dalbergia nigra）也叫做Jacaranda，Jacaranda当中还有分类。巴西玫瑰木硬度大，外观也比其他种类的玫瑰木美观，但是，由于它比较易碎，因此，加工相对比较困难。印度玫瑰木也可以具有美丽的外观，但是硬度不如巴西玫瑰木。当今世界上有不少著名的吉他制作大师倾向使用印度玫瑰木制作吉他，这其中有Romanillos, Fleta, Robert Ruck, Byers等，因此，我们很难说用印度玫瑰木制作的吉他就比巴西玫瑰木的差。荷兰吉他制作大师Vowinkel先生既采用巴西玫瑰木也采用印度玫瑰木制作吉他，我曾经请教他两者之间的差别。他认为两者几乎没什么差别，但是巴西玫瑰木确实更美丽，而低音也会更强壮一些，但是区别很小。两种玫瑰木都弥漫出沁人心脾的芳香，巴西玫瑰木的香味更宜人。巴西玫瑰木由于长期以来滥砍滥伐，从1992年开始，巴西政府开始全面禁止砍伐巴西玫瑰木，联合国也将巴西玫瑰木列为世界十大濒危物种之一（大熊猫第一位，巴西玫瑰木第十位），因此，现在要取得高质量的巴西玫瑰木是很困难的。现在经营巴西玫瑰木必须取得许可证，在进口出方面也会有很多麻烦，如果没有许可证，往往会被认为走私巴西玫瑰木。

吉他的指板一般是用乌木(ebony)，在一些低档吉他上面可能爱用印度玫瑰木或者其他更差的代用品。乌木应该是不经油漆就呈现出乌黑的颜色。有些乌木上有白色或者黄色的斑点，这是正常的。

作为吉他琴颈的桃花心木（mahogny)原来是比较普通的树种，近年来，也是由于滥伐的缘故，现在也被列为濒危树种了，今后，会有越来越多的树种被列入濒危名单中，因此，滥砍滥伐是一种犯罪行径，而用这些珍稀木材制作低劣吉他同样也是犯罪。

今后，制作家必定会开发出更多的代用品，但是在成熟的代用品被开发出来之前，上述木材是最理想的制作材料。大家拥有这些知识，对今后挑选吉他是非常有益的。

最后需要再次强调的是，材料很重要，但是最关键的还是制作，脱离优秀的制作谈材料是毫无意义的。

如何识别手工吉他或者工厂制品

）。正因为如此，现在市场上越来越多的吉他都标上“手工吉他”的字样，包括一些及其低劣的吉他也成了“手工吉他”，如此鱼目混珠，的确使吉他爱好者在选购的时候无所适从。吉他岛不推荐有经济能力或者资深的吉他爱好者使用工厂吉他。

那么，如何区分手工吉他还是工厂制品呢？这里有一些方法供大家参考。

一般从名家作坊里生产的吉他都是手工制品。比如Vowinkel, Stenzel, Smallman以及我这里所介绍的吉他。这些名家的年产量都在15把以内(有些年制作量20把以内），都是独立制作，所以，可以认定是手工吉他，并且，这是事实早已被世界所公认，对此购买者大可放心。如果是名牌，比如Ramirez，Bernabe，Contreras等吉他，有一些是手工制作的（指的是商标上的制作家亲手制作），但是他们所生产的学生吉他或者低价的吉他往往都是请一些工厂加工，这类吉他最容易混淆视听，所以要多加小心。我们所说的手工吉他应该是由一个制作家（并且应该是特指名家，不然完全没有意义，否则，大家都可以请一个木工按照图纸独自一人完成一把吉他，其效果可想而知）完成的吉他，当然，琴桥等配件有可能买现成的。

从价位上判断，一般，手工吉他的产量每位制作家每年只能制作15-20把以内，所以价格相对比较昂贵，从目前国内市场上行情看，折合人民币 10000元以内的琴几乎不可能是手工吉他。但是如果一把琴经过众多的销售环节，有可能售价达到2万、三万，但却是工厂制品。从产量看，就如上述关于手工吉他产量的注解，如果一种吉他，在全世界的琴行（或某个地区）里都有不少现货可以供应，那么肯定是工厂制品。有一些比较普及的手工吉他，是由手工作坊里的若干制作师合作而成的，这就要看这个作坊的品牌和信誉如何，关键市面板制作的师傅水平如何，这类吉他虽然价格不高（通常 8000-20000人民币），但是可以满足大部分吉他学生的要求，比如西班牙巴塞罗那最著名的手工作坊之一Antonio Picado（只有7名制作家在作坊里制作）作坊制作的吉他。

这里还必须说明一下手工吉他的含义。很多人辩解他们的吉他是手工吉他的论据是：这把吉他的胶水是手工上的；这把吉他的油漆是人工的；这把吉他的弦轴是人工安置的......等等。其实，这不是我们所说的真正意义上的手工吉他。我们所说的手工吉他是制作家为了达到他对吉他品质（工艺、声学等方面）的特有追求，采用各种手段（可能是机械的）对其所制作的吉他加以调整（最重要的是对吉他的声音、手感、音准等方面的调整，至于美观，工厂吉他完全可以达到），最终达到他的理想的吉他。这种调整不仅要求制作家本人有着非常明确的对吉他“好”声音的认识，而且要求制作家对制作有着非凡的经验和制作工艺。比如，一把吉他的低音太“散”，制作家应该找出原因并对此调整，这也是乐器制作和家具制作的本质区别。所以，人们常说，工厂生产的吉他本质上是吉他形的家具。

有些吉他工厂，虽然我们看到的场面都是手工装配的场面，但是，配件都是配件厂机械生产的。面板、背侧板都是机械批量裁切，因此，这些吉他应该归到工厂吉他之列。即使是真的采用手工制作的吉他，我们最终还是要看整个手工作坊的水准如何，如果是水平低劣的工匠制作的吉他，我想有可能比工厂吉他更加糟糕。

推荐一些世界著名的古典吉他

世界著名的古典吉他品牌多如过江之鲫，如何在茫茫琴海中找到一把最适合自己的吉他有时显得非常困难。这里，我将尽可能为大家推荐一些性价比很高的古典吉他品牌，并且，这些品牌也相对的比较容易买到，那些要等待8年10年的吉他我就不加以推荐了（事实上，根据经验，这些需要等待那么长时间的吉他一般都是认为炒作）。

这里推荐的吉他都是在国际上享有盛名的，或者是名声虽然不是很大，但是其乐器性能得到普遍肯定的。目前吉他岛推荐的产品都是纯手工吉他，一些初级的古典吉他，比如一些国产的或者国外的工厂琴，由于其他古典吉他网站已经有大量的篇幅加以介绍，我这里就不再重复了。

以下介绍的吉他将以价格以及等级加以分类。因为国际上没有一个分类标准，所以类似的分类方法都不是很科学。但是为了方便吉他爱好者选择，我还是根据自己的经验和判断，并参考国际上比较通行的分类方法加以划分，不当之处请各位海涵。很多人在考虑吉他的时候会加上所谓的“国情”二字，意思是在我国的经济背景下，一万元人民币的吉他已经很好了。遗憾的是，这是一相情愿的想法，在艺术上，这个标准是无效的。所以，在以下推荐中，我将不考虑所谓的“国情”因素，而是以吉他的性能品质作为唯一标准，因此，即使10000左右的吉他，我也还是将它归类到学生吉他类别中。

由于版主本人学识有限，因此欢迎大家提供更多的资料。

一、学生用琴 （特指具有一定程度的学生，入门者除非具有比较好的经济条件和长远的志向，否则一般不加以考虑）

吉他品牌名称 产地

◆Antonio Picado

Picado作坊生产的吉他被认为是除了大师作品之为最好的作坊产品……

二、中级音乐会吉他

吉他品牌名称 产地

◆Vowinkel 2a

西班牙-荷兰，这是最值得骄傲的中级吉他，自从它诞生以来，便被认为是世界上最好的同级吉他……

三、高级音乐会吉他

吉他品牌名称 产地

◆Kneipp

澳大利亚，和Smallman媲美的吉他

◆Vowinkel 1a

荷兰，众多演奏家的选择

◆Stenzel

德国-最受青睐的新生代吉他之一

◆Estrada Gomez

阿根廷-独特的设计，极高的性价比

国内使用以上音乐会吉他的名家有（排名不分先后，有些吉他不是吉他岛直接销售而是经由各地代理，名单如有遗漏请不吝来信指正）：

演奏家/著名吉他老师 & 吉他品牌型号

◆赵长贵 Kneipp

◆江伟杰

Kneipp

◆苏醒（河南省吉他协会秘书长）

Vowinkel 1a

◆程松（四川省音乐学院吉他专业老师）

Vowinkel 1a

◆蒋达民

Vowinkel 2a

◆马志敏

Vowinkel 2a

◆王泽培（香港吉他乐团助理首席）

Kneipp

关于吉他的运输

从国外购买了吉他，最终要通过运输手段到中国。国外一些制作家较多使用的是DHL、UPS、USPS等快递公司，这些公司都是大型快递公司，在全世界有很多的网络，运输快捷可靠。但是，使用这些公司运输也有一些缺点，比如，运费太贵，一把吉他的运输都要好几千元人民币。如果制作家的报价里已经含有运输费用了，他们一般都比较避免使用这类公司。如果他们的运输成本是按照使用上述公司计算的，他们也会尽量减少不必要的包装以降低运费，通常只是在琴箱外面裹上一层“宝利龙”，如果琴箱质量比较差的话，在运输过程中就有可能损害到吉他，这也是为什么Smallman，Kneipp等制作家要开发坚固的木制琴箱用于运输的原因。然而，最容易损害到吉他的环节并不在于此，而在于吉他进入中国海关的时候海关的查验过程。无论是否需要征税，海关都要拆箱检查，这个时候，如果海关人员少不小心，就有可能使吉他受到严重的损伤。我从事国际货运业务已经十年有余，已经看过无数这种海关的“无心之失”。

凡是有一些进出口经验的朋友都知道，高档乐器的运输是绝对不能使用海运方式的。比如，从欧洲到中国，海上航行时间大约20多天，集装箱在海上受到阳光曝晒，对乐器损害很大。空运是唯一安全的方式，只是成本比海运高很多，因此大批量生产的工厂吉他，由于本身成本低廉，因此不太可能采用昂贵的航空运输方式，但是这对于吉他的使用寿命来说确实非常不利。

有关吉他的售后服务

如果在琴行买琴，发现质量有问题可以找琴行交涉索赔，但是如果买手工吉他一旦发现质量上的问题就要直接和制作家交涉。

一般来说，从世界著名的制作家手里购买的吉他质量都有保证，如果有问题也是出现在运输过程中。如果在运输过程中货物受损，应该向运输公司索赔，而运输公司如果有办理保险的话最终则由保险公司赔偿。

如果由于使用者使用不当引起的损伤（比如碰伤，没有注意防潮、防燥而引起变形、开裂）则可以请制作家维修，但是费用自己承担。如果能够举证说明损伤是由于乐器本身的设计、木材质量等方面引起的，那么可以要求制作家更换乐器甚至要求其退赔。

购买国外名琴的其他问题

好了，现在进入了实质性的阶段。刚刚的大家看到的其他内容是从选购吉他的性价比、质量等方面做一个全面的认识。但是，如果真的要购买，还会有什么问题呢。很多人可能对此表示奇怪，选好了中意的吉他，备好资金，不就可以购买了吗？其实，在中国，要购买国外的吉他还是有相当多的问题值得大家考虑。以下是我个人的一些经验，谨供大家参考。

外汇问题。由于中国是一个外汇管制国家，国家不接受任何个人将外汇汇到境外，所以，购琴者往往无法支付美元（或者其他外汇）给制作家，而制作家也不会接受人民币付款。

进口问题。其实，目前木吉他的关税并不高，只有25%，即使今后下调10%也不会对整体价格产生很大的影响。还有一项税收必须要考虑的，就是 17%增值税（这项税收近年内不会改变），国家对此有非常严格的规定，进口的时候，海关会根据发票（Invoice)，装箱单（Packing list)以及运费征收税款（请注意，运费部分也要加上之后才征税）。并且，国家规定任何个人不允许报关提货，所以个人只能委托进出口公司代办进口报关、缴税等手续，这里又产生一另外一笔费用，就是进口公司的代理手续费（一般是1-2%）、报关费等。曾经有爱好者问我是否可以让制作家将琴的价格标注的低一些。非常遗憾，大凡国际知名度高的制作家（从某种意义上说也是艺术家）都不会同意这么做，因为他们将名誉看得很重要，我曾经替一位想买琴的朋友和他们提过这个要求，但是遭到回绝后至今还难堪不已。 另一个需要考虑的因素是，如果制作家同意将价格标低，也会影响到保险。

质量把关问题。最近也有朋友打电话给我说起他们所买的名琴有质量问题，其实，每一位制作家所制作的手工吉他都不会完全一样，质量也会有一些偏差（主要是声音方面）。对于国内的爱好者，辛辛苦苦攒了一笔钱，买到一把有瑕疵的琴，实在是一件非常遗憾的事情。因此，我的经验是在制做家的所在地请一些比较懂行的演奏家或者爱好者把关，如果发现不满意的地方，则会让制作家马上修改，万一不能修改，就宁可等下一把。虽然多等几个月，但是买到比较称心如意的琴还是非常值得的。此外，每一把吉他在交給直接使用者之前都会先运送到厦门，我自己也会为这些吉他把关，如果万一遇到不理想的吉他，我将会将它退给制作者，这对于我来说并没有任何损失。

也有一些制作的吉他质量非常稳定，在业界得到广泛的肯定，比如Vowinkel等吉他。

从以上买琴的经历中我得出以下经验：

如果你不打算放弃吉他而且经济条件又允许的话，最好一步到位买一把比较高档的手工吉他，否则，过渡的那些投资都是浪费。并且，好琴能全面促进技巧，激发演奏灵感，这些都是中低档吉他无法企及的。当然，这要结合各人的实际情况而定。除非从制作家手中或者直接代理手中购买的，不然市面上10000 人民币以内的琴就属于所谓的“过渡琴”。如果你不准备买一把演奏琴，那么，买普通练习琴首要考虑的因素是琴的音准，其次是手感，再次是声音。如果一把手感音准皆差的琴，即使拥有好的声音也是没有意义的。买琴一定要自己精挑细选，如果委托朋友购买的话一定要找内行人，千万不要以为弹琴内行挑选吉他也一定内行，更不要委托一知半解的人挑琴，否则，有可能买到我的“Antonio Lorca”那样的吉他，追悔莫及。当然，订购世界级的名琴不存在这个问题，事实上也不太可能自己去挑，因为通常都要有一段时间预订，没有人能在他的作坊里等上一年或更久时间。如果是听别人推荐，那么这个人在吉他制作和鉴赏方面是否专业就是一个非常值得重视的因素了。平常有机会的话多接触各种风格的好琴以提高自己的鉴赏能力，别人的意见只能参考。

第18篇：吉他心得

练琴的方法

专业吉他手之所以专业，很大程度上是因为他们有大量的练习时间。在国外职业吉他手每天练习（包括排练）8到10小时是很平常的事。而业余吉他手之所以“业余”很大程度上是因为他们只能在有限的业余时间里练习。两者在能力.水平上的差别是极为明显的.而造成这种差别的一个重要因素就是:练习时间而非能力.就你个人而言,一天练习3小时与一天练习6小时,是绝对不一样.因此我要说,第一重要的是保证足够的练习时间.到底多少时间适合,则因人而异.下面我要谈的是另外重要的一点就是,在保证练习时间的前提下,如何提高练习效率,如何能使练习事半功倍.

几条秘诀:

1:每次都要正确地\"热身\"

刚从别人那里拿来一堆快得像机关枪似的旋律就开始练习,这可不行.弹吉他也像跑步或任何形式的运动一样,手指需要先做\"热身运动\",才能达到良好状态.你首先需要做一些左手手指的扩展运动,从幅度小的到幅度大的,这样可以让血液流到你的指尖.然后再做一些音阶弹奏练习.这类练习有很多,你可以选择一套自己喜欢的.

2:在学新东西的时候,练习的速度以不犯错为准.

这一点再怎么强调也不过分,每次你学弹一首新旋律的时候,你第一次弹的状况就是你的大脑被指令牢记.并在将来照样弹出的状况.因此,如果你允许自己弹错,而不停下来纠正,你实际上是在告诉你的大脑,可以一遍一遍地犯同样的错误.除非你借用某种信号,让你的大脑知道错误是不可接受的,否则,错误就会被编成程序,永远地停留在你的潜意识里.一旦定好了程序,犯同样错误的可能性总是存在的.即使你想努力重新改写程序,你的潜意识里也是有了弹奏同一段旋律的两个程序.这样,你上了台,用哪一种程序呢 ?正确的概率只有百分之五十,这多可惜.要避免这一点,就需要你在平时的练习时,不要弹错;特别是最初的几次.而不弹错的关键就是放慢速度.多慢才合适呢?以不弹错为准.(在这里我想说一点我个人的愚见,不仅是平时对着谱练习时要注意这一点,像我们这些玩ba的菜鸟在平时扒带的时候也要注意,尽量听准了音,在最初的几次把谱完整的扒出来,当然到了一定时候即兴玩得很好的时候也可以自己加些东西进去,使音乐更加完美.)

3:一旦你弹熟一个旋律,微放下吉他,在脑子里想象它.

在你缓慢地正确无误地弹奏一段旋律之后,把吉他放下,闭上眼睛.你需要保持绝对安静,不要看电视 ,不要让任何东西打扰你.在脑海里想象刚才正确的弹奏动作.想象刚才弹奏的音符(特别是重点难点).想象你的手指在缓慢地弹奏一个又一个音符.你要学会这种想象,它可以使你的练习效率提高30%.也就是说,别人弹奏10遍,你只要7遍加3遍想象就可以了,并且效果好得多.这种练习可以在沉思或入睡之前进行.这种练习的另一个好处是可以培养你快速集中注意力的能力.

4:在练音阶或其他重复性技巧的时候,可以看电视或聊天.

这一点听起来有点奇怪,我来解释一下.前面说过,在你学新东西的时候,要尽量减少分神的东西,以便使你的头脑遍好正确的程序.但是,到了你真正学会了,可以闭上眼睛想象出整个旋律的时候,就应该让负责速度和灵活性的神经元接管它们.所以看电视的时候进行音阶等练习,实际上是分散你大脑的注意力,让它不再起作用,这样就可以最大限度地放松,而让神经元最大限度地发挥,这样速度就产生了.看电视或聊天时若觉得吉他音量大的话,可以用一块布塞在靠近琴码处的弦的下面.

5:弹奏的时候不要看手或吉他的琴颈.

如果你还要问\"为什么不能看\"的话,那么你就需要把上面的内容重新再读一遍.我们已经知道了让大脑不起作用的好处,现在我们再让你的眼睛也起不了作用.再说一遍,如果你弹曲子的时候眼睛还得看指板,那么说明你还没有真正掌握这个曲子.不仅如此,你甚至还不了解吉

他上的各个位置.在演奏音乐的时候,眼睛是五种感觉器官中最不重要的一个.想一想,贝多芬及一些盲人音乐家,他们的优势在于,当没有视力的时候,听觉和触觉的敏感性会提高到一个新的水平,试一下闭着眼睛弹的效果.你观看最出色的乐手演奏,就会注意到他极少看自己的手或吉他(即使偶尔看也是另外意义上的看,不是去棒子机找准音符).你应该看你应该看的地方,如:你的观众.要养成不看手或琴颈的良好习惯,这一点很重要,并且要从现在开始.6:一定要背谱.

当你把一段旋律的节奏.速度.把位.和音符都搞清楚后,就应把谱子放到一边去,越早越好.你要努力记住谱子上的一切,并把它转化成旋律刻在脑子里.今后你只要想到了这段旋律,马上就可以把它弹出来.

7:大量的短时间练习效果最好.

一个人的注意力只能维持一定的时间.已经证明了,几次短时间练习加上休息,比起依次长时间的练习,效果要好.我自己弹琴时发现,如果集中精力练一个小时到二个小时后,休息15到30分钟,然后再接着练,练习的效果就非常好.如果我某一天不在状态,或者不知为什么⒁饬Σ患?我就把没段练习时间缩短到15分钟,中间可能休息15分钟.实验一下,找到你自己独特的生物钟,然后再决定什么时候练习及练习多长时间.

第19篇：吉他教学

[吉他教学]吉他怎么买？2007年01月06日 星期六 上午 08:22买琴前一定要了解自己的情况：首先是对吉他的兴趣，其次是经济能力。搞清楚这两点就不至于使我们太盲目，如果对吉他兴趣不大，或是随便玩玩，那我建议买把好看的就行，其他的都不重要，这里就不介绍了。

如果认为吉他将是自己的终生伴侣（至少在买琴时是），那就不能着急。

1、颜色 选一把喜欢的颜色，一般每种琴都有几款不同的颜色，如果琴行没有，可以要求他帮你订，除非你不大注重颜色。

2、指板指板是琴最重要的部分，挑选时主要花时间在他上面。一般来说，指板越薄越好，不过如果你的手够大，粗些也没关系，这样选择的余地更大点。

3、外观：指板的正反面的有无刮伤，泛音点是否平整。打品：即弹任一弦任一品时，不可以有弦碰到其他品位而发出杂音。挑选时最好弹遍所有的品位。

4、品位：看各品是否光滑，平整，侧光看时，每品的反光是否排成一条直线，品位的镶嵌是否整齐，另外最好选宽品的琴，比较耐磨。手感：用手摸指板，并上下滑动，看各处是否有突出或凹入的地方，品位两端有无突出的地方，滑动时有无割手的感觉。

5、琴弦钮：扭动各钮看有无难拧的，电镀有无脱落。摇杆：摇动摇杆确认弹簧的力度，最少不能太松。摇完后看各音准有无变化。 琴桥：琴桥的电镀和螺丝有无生锈。另外注意上弦和锁弦装置是否觉得方便。肩带扣是否结实，各旋钮旋转的手感，及附的配件是否齐全等等 最后就是祝大家买到喜欢的琴！

看完后选一首自己熟练的曲子弹几遍，感觉弹奏是否舒服，滑音时是否涩手。如果以上没什么问题，恭喜！

其他要注意的：拾音器 这是吉他的另一个关键部件，也是较难挑的部分。一方面挑选时受音箱，效果器的影响很大，另一方面音色也因人的耳朵而异。好坏也是相对的，除了少数名琴有特别的音色，其他的琴音色差别不会很大（同一档次的琴）。另外也可以通过拾音器的品牌来了解。 选购时将拾音器选择开关打到各档弹奏，音色的区别应明显，一般在最下面档时音色最亮，充满电吉他的味道，最上时则最暗。再结合自己的爱好，只要自己听着好听就可以了。（拾音器与琴弦的距离也可以调整） 琴体 一些进口琴的琴体表面处理很光滑，象镜子一样，可以看看各处有无刮花或漆皮掉落，护板有没有磨痕。

[一]如何选择木吉他

木吉他又叫原声吉他(Acoustic Guitar) 一般是指由琴弦振动 使琴箱体共振扩声的吉他这类吉他由于制作工艺和材料的不同其质量差异很大因此如何选择一把满意的吉他是初学者最棘手的问题。下面我们提供几个建议供参考。

1 吉他纳外观选择 是初学者最直接的方法。一般情况下，木本色的面板比较让人放心，哪怕你甚至能够看出一点瑕疵都是无所谓的，而且从另一个方面讲这更能说明其真实的本质。不过还要当心有些木纹是贴皮或画上去的，你必须仔细辨认才成。对于那些五彩吉他来说看起来漂亮的彩色往往是为了掩盖木料上的缺陷。厚厚的彩色油漆是不会产生好的音色的。初学者却很容易被这醒目的颜色所迷惑。

2、查看琴体的各个部位有无破损，以及琴颈与琴箱之间和琴桥与面板之间，胶粘处有无缝隙或开胶现象。弦轴齿轮是否旋转顺滑。

3、查看琴品是否平整，从第一品到最后一品，每根弦都试一遍，看看是否打品或其它共振杂音。

4、检查琴的音准，你可以用空弦的第一自然泛音和空弦音的高八度音来作对比。例如你可以在任意一根弦的第十二品上轻轻弹出自然泛音然后马上用左手法下第十二品，发出的音高如果与自然泛音相同就说明琴品的八度分割是准确的但你还要每一个品都弹一下看看是否还有误差。

5、听一下琴的音色品质，这里说品质包括琴的音色好坏和共呜音量。具体方法，先把六根空弦都拨响向听一下琴箱共呜的音色。然后在某一根弦上的七品，十二品的音各弦对比一下，看一下音量是否基本平衡，声音清晰，和弦时振动和谐，声音持续，平稳衰减。高把位弹奏时音量衰减程度要小。

6、品牌的选择，Acoustic吉他有不少品牌都非常优秀，而且各有特色。Fender， Gibson， Washburn， Martin，Ovation，YAMAHA都有卓越的品质表现。这些品牌的价值较高，一般初学者可选择国产名牌，红棉、星晨较好。

7、补救方案，一般情况下，让一个初学者买一把上万元甚至几万元的Martin或Fender，都是不合实际的，那么还是应该选择价格低廉纳国产琴适宜。但是一般情况下，低价位的琴都难免有些粗糙。所以你要仔细检查，才能达到物美价廉的东西，一般来讲一些小毛病是可以补救的。当你查看弦与指板的距离时要特别注意，第一品如果小于O.5mm就可能产生碰品的杂音，如果高于1mm就会感到手指费力，第二十品纳距离应当不大于4mm，第六弦的高度不大于5mm为好，如果偏高。可以将弦枕或弦桥从沙纸上磨一下，达到舒适就行。如果是琴颈轴向弯曲，品位音准不对，胶开裂就无法补救了。

(二)如何挑选电吉他

首先我们要知道电吉他是由原木吉他改造而来的。木吉他(Acoustic Guitar)是一件比钢琴还要古老的乐器。在键盘乐器没有发展完善、成熟以前，大多数声乐是由吉他担任伴奏的因为它可以在几根弦上随意组合变化丰富的和声进行。后来由于吉他构造本身的原因。其音量较小，以至于无法与任何一件管弦乐队的乐器做音量抗衡。因此在交响乐顶盛时期吉他曾被管弦乐队开除。随着二十世纪电的发现各种电器在人类社会中得到广泛应用。人类甚至将这一发明扩展到所有的领域．丰富人们的想像力。1950年Gibson Les Paul在一把普通的木吉他上装上了一个带磁芯的漆包线圈。当弹奏琴弦的振动，并将振动感应电磁线圈产生电信号再将这个电信号用导线输出进行放大这就是电吉他的诞生。原来音量微弱的吉他通了电以后如果放大器功率足够大的话，那将会是震耳欲聋的响度。可以说是Gibson使这件古老的乐器焕发了新的生命活力。现代音乐几乎离不开电吉他这件尽乎于完美的乐器了。

现在人们应该知道给吉他带夹第二次生命的东西就是那件具有划时代意义的磁线圈，专业被称做治音器(pickup)。电吉他的音质奸坏，除琴体构造和制造工艺外最关键的东西就是拾音器。拾音器的种类也不少基本上是设计者的思路和用途要求不同，使拾音器的技术参数有不同的规格，而且它们之间各有不少差异，这种差异不仅体现在产品工艺构造上，而更重要的是体现在发出的声音品质上。

  2009-3-31 21:34 回复

2楼

常规情况下，单线圈的拾音器（Fender标准款式)音色明亮、干净、高频响应好，适合Funk式的扫弦，或solo，那些追求音色尖锐的Funk，Punk Grunge多选用单线圈拾音器的琴，另外搞重型音乐的像Death Metal之类需要大功率的输出和强劲的失真就选用双线圈的High Power Humbuckers 型拾音器，这种拾音器的最好品牌有JBL公司的Seymour uncan，它的失真强硬，颗粒感好具有粉碎性的金属声音。还有一个品牌的拾音器，同样适用于重金属音乐，Dimarzio，它除有强大的失真外，而且灵敏度更高，只是硬度比Seymour Duncan弱一点。另外一个品牌是EMG，它是通过一个电路再将原信号进行加工的大功率拾音器。(Steinbrger)吉他就选用此拾音器。除排在前三位的拾音器外，其它吉他厂家也自行设计开发了适合本产品的优秀拾音器，比如Gibson HB系列，Fender的American Standard; Ibanez的IBZ V7 IBZ V8; YAMAHA的AInIco V都非常高贵。

挑选电吉他的指板、品、都与木吉他的要求相同。另外还要查看一下颤音系统是否下压和提拉都顺滑。琴颈有无变形，如果完好就可以了。

品牌的选择与木吉他基本相同。国外名牌质量好，价格昂贵。著名的品牌有Gibson、Fender、Ibanez、Paul Reed Smith、ESP、Jackson、Washburn、Fernandes、YAMAHA、Epiphone、Cobran、Music man等。国产琴，有星晨、星狮，价格较低廉，还有合资的Samick、Kimaxe、Corina，也比较适合初学者使用。

另外选择什么品牌和什么型号的琴要根据你所演奏的音乐风格来决定。一般情况下，做流行音乐，编曲细腻、音色干净、柔和清晰，比较适合的有Fender的Startocaster和Ibanez的S系列。或RG系列均可，还有YAMAHA PAC系列也不错。这些型号的琴基本上使用Dimarzio拾音器，或本厂的同类拾音器都非常可靠。无论你做什么音乐拥有一把Gibson Nighthawk Cst都不会让你失望，如果你想玩布鲁斯，那首选Gibson Lueille是最明智的，这款是专为B Bking而设计的。如果你想弹一些音色较亮的布鲁斯Solo就选Fender的Telecaster；如果你是玩爵士或Fusion音乐，当然要选Gibson Howard Roberts Fusionll最好。重金属的分类更细了，传统的Heavy Metal可以像Slash那样将Gibson Les Paul的Standerd直接插到arshall JCM900放大器上使用；如果要想玩一些快速技巧高的Solo，应该选用装有Dimarzio拾音器的Ibanez JS系列，这是专为Joe satriani设计的款式，或者选用Stevs Vai款式的JEM系列，以及Paul GiIbert款式的PGM系列均可让你满意，另外Fender stratocaster也是Yngwie Malmsteen的名琴，要是Death Metal就用Jackson、ESP、Ibanez都行，因为Seymour Duncan和Dimrzio拾音器特别具有重金属音乐所要的失真与力度。

  2009-3-31 21:34 回复 112.114.40.* 3楼

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2010-6-29 21:25 回复

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怎样选择吉他

默认分类 2009-05-27 08:43:34 阅读202 评论0 字号：大中小

这个常问集是提供一个购买电吉他的参考，介绍如何购买适合自己的琴，还有简单介绍电吉他的构造。这些除了参考杂志书籍等数据，还有一些是个人的经验。大家参考看看。 吉他入门，想买一把琴

这当然就是先找一家商誉好的店家购买，减少被骗的机会啰！若是在台北地区，建议可以到金山南路上的金蚂蚁看看。因为这里有最多的现货，也是我所知道商誉良好的乐器行。当然，这并不是说其它的乐器行都会骗人，多比较是必要的。

买琴时如果能有一位有经验的同伴一起去会更好。例如有一些玩很久的朋友、同学、学长、老师等等都可以给你一些建议。另外，如果有朋友要卖二手琴，而你也不介意的话，倒是一个不错的选择。只是要注意二手琴是否有严重的问题，当然这也需要有经验的朋友来告诉你。 怎样买琴最划算

如果你没有预算的顾虑，大可跳过这个问题。之所以写这个问题，是因为看了许多人辛苦存钱之后，却不知道该买什么好。原因在于人云亦云，好像每把琴都不错，而不知该如何下手。

建议你：先搞清楚自己的弹奏风格。也就是说，先搞清楚自己需要什么样的琴。假设您对德州的蓝调摇滚有一股狂爱，而且弹琴的风格也是那个调调，那么很显然 Gibson 绝对不是你的第一选择。 清楚自己的 Style 之后，还必须从一堆类似的琴当中挑一把。这时候要亲自去试弹，去发掘每一把琴的差别。了解一些基本构造，也会对你有些帮助。 电吉他的构造

下面是一把典型的 Stratocaster，他的设计简单又适合弹奏，市面上大多数的琴也都是这个样式。已经指出来的是一把琴的基本构造，细节部分之后有说明。 Body 有什么要挑的

最重要就是木材了。可以从木头的颜色、纹路等来判断。常见用来做琴身的木材大概有 Ash、Alder、Mahogany、Bawood、Maple 等等： 木材 特性 常见于

Ash 音色清楚明亮，通常是浅褐色有深而大的纹路。通常不会太重。 Stratocaster、Telecaster Alder 较 Ash 轻，有丰富的音色，中低频的共鸣不错。也是浅褐色有较细的纹路。 Stratocaster、Telecaster Mahogany 算是相当重的木头，音色丰富甜美，中低频明显。通常是红褐色带有黑色细纹。 Les Paul、PRS Bawood 很轻的一种木头，颜色白晰几乎没有班点细纹。中频明显是他的特色。 Ibanez Jem 系列

Maple 音色清楚明亮，高频表现很好。但重量太重，通常是一层薄片贴在 Body 上 ( Top )，会有美观的纹路。常见的有 Flame ( Curly )、Quilted、Bird\'s Eye 几种，或是没有特殊纹路 ( Plain )的。 Les Paul 通常会贴一层 Maple Top Neck 用什么木材

Neck 用的木材对音色一样有影响。但因为 neck 还要承受弦的张力，所以木材常用 Maple 和 Mahogany。因为这两种木头较不易变形，能承受弦的张力程度较大。尤其是 maple，最常被拿来做 neck。而 mahogany 的优点是较不易扭曲，所以在一些 Fender 的 maple neck 后面有一条 mahogany，就是有加强 neck 的作用。这种 neck 又被称作\" Skunk Stripe \"，很有趣。常见的 Fender 一般都是 maple neck，而 Gibson 就常用 mahogany neck。 选择指板有什么该注意

通常在 neck 上面，有一层薄薄的木片，就是所谓的 Fretboard ( 有些琴是 neck 与 fretboard 同一块木头叫做 one-piece ) 。它是和 player 直接接触的部份，因为上面有一条条的\" Fret \" ( 俗称为铜条，虽然不一定是铜做的 )，所以这一片木头被叫做 fretboard。它对音色以及手感有相当程度的影响。常见用来做指板的木头有： 木材 特性

Maple 音色清晰明亮，高频明显。木质细密，从浅白到金黄色都有。有些琴会用 Bird\'s Eye 或 Curly Maple 来增加美观。

Rosewood 声音温暖平顺，中低频较强。从红褐色到深咖啡色都有，通常还有明显的\" 毛细孔 \"。

Ebony 中高低频都很清楚，音色明亮 attack 明显。木质细密，从深咖啡到黑色都有。

Pau Ferro 音色类似 Ebony 但比较温顺。大多为红褐色。 不同的 neck 接法有何差别

一般 neck 和 body 的接合，有三种常见的方式： 锁接式琴颈 ( bolt-on )：

例如 Fender 的 Stratocaster 和 Telecaster。通常是用 4 根螺丝锁接在一起。这种作法最简单，sustain 较差是缺点。好处是可以拆换 neck、容易调整琴颈角度。 黏合式琴颈 ( set-in / glued-on )：

Gibson 的 Les Paul 和 SG 就是 neck 和 body 用榫头相接，然后黏起来。这种作法会有较好的 sustain，但是 neck 等于被固定住，不能换也无法调整。 穿透式琴颈 ( neck-through-body )：

这是最困难的作法，能得到最好的 sustain。方法是用一整块 ( 或数块 ) 木头作一个长条形的 neck，琴身由两边的木头相接组成。也就是说，琴颈从头到尾都是一整块木头。代表作有 Gibson 的 Firebird。1941 年 Les Paul 在纽约 Epiphone 工厂做的 \"The Log\" 就是一把典型的穿透式设计。 什么是 neck 的 \"Profile\" 所谓 \"Profile\" 就是 neck 的形状，它影响到音色和手感。一般喜欢速弹的人可能会喜欢比较薄的 neck，喜欢蓝调的人可能倾向较厚的 neck。Eric Clapton 最喜欢的 \"Blackie\"，neck 握起来感觉像三角形，就是所谓的 \"V-Shape\"。要注意的是，较薄的 neck 虽然比较好弹，却比较容易变形，sustain 也会较差。 Scale 的长度有什么影响

Scale 就是从 nut 到 bridge 的长度。它的影响主要在于弦的张力大小和 frets 之间的距离。我们知道 Fender 的标准是 25.5\"，Gibson 的标准是 24.75\"。当我们用相同粗的弦调相同的音高时，在 Fender 上，弦的压力就比较大。所以一般 Fender 都较 Gibson 难弹。另外，音色也因此受影响，所以 Fender 有明亮、清脆和 harmonics 丰富的特色；Gibson 则显得较温暖柔和，attack 比较小。 另外，长 scale 琴的 frets 间距较大，短 scale 琴则相反。所以在一把 scale 是 24.75\" 设计有 24 格的琴上，弹到高把位手指头可能都挤在一起了。有些创新设计的厂牌例如 PRS，定 scale 为 25\"，认为可以截长补短。不过有趣的是，PRS 的 Santana model 是一把 24.5\" 的 24 格琴。 什么是 \"Radius\" 简单地说，就是指板的弯曲弧度。一般的 Fender 都是 9.5\"，vintage Fender 通常是 7.25\"。数值越大表示弧度越小，也就是越平﹑越好弹。通常喜欢玩高技巧的 player 会喜欢较平的 radius，适合速弹和一些夸张的技巧；喜欢蓝调的 player 可能就倾向较小的 radius，容易让手掌在指板上平行移动。 Neck 的宽度也有影响

一般说来，越宽的琴颈，越方便我们弹一些夸张的技巧，像是较大的推弦、点弦等等。这是因为弦和弦之间的距离较大，做这些技巧时，手指比较不会碰到其它弦了。但是太宽的琴颈不容易压和弦，所以有些人喜欢窄一点的 neck，若是手掌较小也比较容易弹。较窄的琴颈比较容易让我们掌握、感觉顺手。许多吉他手喜欢 vintage 琴的原因也在于它的顺手好弹。 Fret 有什么大学问

右边是一个 fret 的剖面图。F 是打入指板嵌住木头的部份，E 部份就是露在外面，我们所接触看到的 fret。通常 fret 是用铜和其它金属合成的材料做成，但 player 比较关心的是它的形状大小。一般来说，较粗大的 fret 能提供较好的 sustain，也能使 player 弹奏点弦、捶弦、勾弦这些技巧时更容易。但是并不是每个人都喜欢这种 jumbo fret；一方面是它可能使打弦的情形增加，另一方面，高把位会因 fret 太粗而不好弹。

此外，crown 的形状也会影响手感，例如有些古老的琴会用较方的，不过现今大多数的琴都使用比较圆的 fret 了。买琴时注意一下 fret 的边有没有修磨平整，可以知道它的做工细不细。至于 fret 可能打歪，造成音不准的问题是不用担心的，因为现在都是用机器打的。一把琴弹了好几年，它的 fret 若是磨损严重而有打弦或杂音出现，就要拔掉旧的 fret 换新的，这就是 refret。refret 没做好可能让整支 neck 报废，Jeff 建议找有经验的师傅来做。 关于旋钮 \"Tuner\" 简单说，它就是用来调音准的，不过这可是一点也不能马虎。一个不好的 tuner 容易让弦走音，这就够让 player 伤透脑筋了。常见的厂牌有 Schaller、Gotoh、Grover、Sperzel 等等。现在有许多好产品，大都能保持弦的稳定，不易走音，像是 PRS 和 Sperzel 的锁定型旋钮。此外，还有许多旋钮不但稳定，还兼具美观、顺手好用的优点，这都是各家厂牌努力改良的结果。 Bridge 那么多种有什么差别

Bridge 就是琴桥，我们可以大致区分为固定式 ( fixed ) 和浮动式 ( floating ) 两种。所谓 floating 的就是俗称有 \"摇杆\" 的，像是 Stratocaster。固定式的大抵不外是 Gibson 的 Tune-O-Matic 和 Fender Telecaster 型这两种。fixed 的好处是简单稳定，容易控制而 sustain 好。

floating bridge 常见的有 Fender ( 俗称小摇杆 )、Floyd Rose ( 俗称大摇杆 )、Kahler ( 渐渐被 Floyd Rose 取代 ) 等几种。当然他们都可以做出相同效果，只是程度有别。一般地说，小摇杆比较稳定 ( 或谓不灵敏 )；大摇杆则比较灵敏 ( 也可说是不稳定 )，他们各有优缺，利弊互见。选择当然要视 player 的 style 而定，没有哪一种是最好的。有一些厂牌 ( 例如 Wilkinson 和 PRS ) 为了兼顾稳定和灵敏，也改良出一些相当不错的摇杆。player 必须衡量自己的需要来选购。bridge 对一把琴的影响重大，除了 floating bridge 能够做出 fixed bridge 不能做的效果以外，对音色也有很大影响。固定式的琴桥，一般都会有比较好的共鸣。传统小摇杆有 6 支螺丝锁在 body 上，相对于大摇杆只靠两根支柱锁进 body，弦和 body 的共鸣自然有差。

第20篇：吉他教案

吉 他 教 案

一、认识吉他 教学内容：

1， 了解吉他的各部分名称。 2， 初步了解吉他的调音方法。 3， 初步掌握科学的持琴姿势和手型。 4， 了解空弦音并背熟。 重点：姿势与手型。 难点：调音，音准。

二、识谱和空弦练习教学内容：

1，初步学会认识五线谱。

2， 初步懂得右手拨弦姿势和拨弦方法。 3， 空弦练习（靠弦弹法和钩弦弹法）。 重点：拨弦姿势，靠，钩弦的区分。 难点：认识五线谱。

三、认识音符

（一） 教学内容：

1， 认识吉他第1弦和第2弦上的音符。 2， 初步掌握左手的按弦要领。 3， 弹奏应用乐曲

重点：认识第1，2弦上的音，并对应在五线谱上的位置，掌握靠弦弹法，体会乐曲的节奏。 难点：左手按弦的手型，需克服初期按弦手指疼痛和不灵活。

四、认识音符

（二） 教学内容：

1， 认识吉他第3弦上的音符。

2， 初步掌握第3弦与第1，2弦的音符综合练习。 3， 诱导听力训练，培养乐感。

重点：第3弦上的音符与第1，2弦上音符的结合，低把位琴品的手指指序控制。 难点：保留指的到位率。

五、认识音符

（三） 教学内容：

1， 认识吉他第4弦和第5弦上的音符。 2， 初步掌握第4弦上音符的弹奏（P指的拨弦介入）。 3， 弹奏乐曲

4， 初步掌握弹奏技巧：钩音与打音，并应用。

重点：认识吉他第4弦和第5弦上的音符。P指靠弦的掌握。 难点：P指与i指m指的混合拨弦，音量要求统一。

六、认识音符

（四） 教学内容：

1， 认识吉他第6弦上的音符。 2， 弹奏应用乐曲

重点：认识吉他第6弦上的音符。复习吉他六根琴弦上所有第一把位的音阶。 难点：低音音量与时值的保持和到位。

七、认识音符

（五） 教学内容：

1， 认识吉他第1弦上的A音（第5品音）

2，学习三种常用音符变化标记（升记号，降记号，还原记号）。 3， 第1把位音阶，音符综合练习。 4， 弹奏应用乐曲

重点：吉他第1弦上的A音和三种常用音符变化标记。 难点：第5品的左手四指按弦，手指的扩张与定位。 介入省音协考极与双指技巧，乐曲练习。

《古典吉他论文 范文.doc》

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