西方音乐风格嬗变的人文解读
摘要：西方音乐是人类音乐文化的重要组成部分，主要指欧洲的音乐。由于欧洲历史上统治阶层比较重视音乐，因此许多音乐家都得到资助和保护，发展出比较完善的音乐理论。目前西方的音乐理论在全世界的音乐界占有主导地位，欧洲音乐界发展的记谱法和作曲的程式得到世界的公认。而在漫长的历史长河中，政权更迭，国家兴衰，沧海桑田，西方音乐也因社会、宗教、政治、文化、地理、作者个性等因素经历了多次转变，西方音乐史大概分为这么七个时期：古希腊罗马时期的音乐、中世纪时期的音乐、文艺复兴时期的音乐、巴洛克音乐、古典主义音乐、浪漫音乐、现代主义音乐。下面本文将就上述人文因素展开介绍各个时期的西方音乐风格特征。
关键词：西方音乐 时期 人文解读
文学以智性的方式触及我们，油画唤起我们活生生的情感，而音乐则唤起了我们心灵的全部激情。音乐是一个人类永恒的话题，它从何而来我们不得而知，但它伴随人类从古至今。而作为人类音乐文化重要组成部分的西方音乐，在全世界的音乐界占有主导地位，欧洲音乐界发展的记谱法和作曲的程式得到世界的公认。下面本文就西方音乐的八个时期展开介绍，分别是古希腊罗马时期的音乐、中世纪时期的音乐、文艺复兴时期的音乐、巴洛克音乐、古典主义音乐、浪漫音乐、现代主义音乐。
一、古希腊罗马时期的音乐(公元前3200年—公元400年) 西方音乐的历史发展最早可以追溯到古希腊、罗马。古希腊是西方文明的摇篮，是欧洲最早创造文明的国家。古希腊的文明史发源于爱琴文明。约公元前2000年左右，希腊人开始在巴尔干半岛南端定居，从公元前16世纪上半叶逐渐形成一些奴隶占有制国家，出现了迈锡尼文明。
古希腊在文学、建筑、雕塑、哲学等方面的辉煌成就早已为人们所仰慕。但相比之下，音乐对于古希腊人来说更重要。遗憾的是，音乐方面有许多资料没能存留下来。我们今天对古希腊音乐方面的了解主要通过两种渠道：一是通过神话传说来了解，第二是从一些文字记载、绘画、浮雕等历史遗迹上了解到的。有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件，但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就，古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过
讨论与研究，这被后人视为西方音乐之源。古代希腊音乐的最初历史与其对神的崇拜、同神话和传说交织在一起。神话是古希腊艺术的丰富土壤，在古希腊神话中音乐是极富魅力的。阿波罗不仅是太阳神，也主管音乐。半神半人的底比斯国王安菲翁用琴声的魔力修筑了底比斯城堡。色雷斯的歌手奥尔菲斯以音乐的魅力拯救出地狱中的妻子尤丽狄茜，后又得而复失。这个故事体现出古希腊神话的人性特征，它被近百次地谱写成歌剧。缪斯（Muses）是分别掌管文艺和科学的九位女神的统称，而“音乐”（music）一词还是由缪斯演化来的，足见在古希腊人眼中，音乐是与人类追求真和美的活动密切相关的。同时，古希腊也是管弦音乐的源头。虽然古希腊音乐以声乐为主，但乐器仍引起古希腊人的强烈兴趣。在开放的社会环境下，他们用不同音色的乐器演奏乐曲，赋予其以丰富的色调。西方最早的弦乐器是里拉琴（Lyre），又称诗琴。神话中的众神的使者赫耳墨斯在龟壳上蒙上牛皮，支起两只羚羊角，架横木拉起琴弦便发明了里拉琴。古希腊的管乐器是阿夫洛斯管（Aulos），一种芦管制成的单管或双管的竖笛。里拉琴多用于独唱伴奏，史诗弹唱，它是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。而在崇拜酒神的仪式中，及后来的酒神合唱和雅典悲剧合唱中，阿夫洛斯都是重要乐器。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。前者平静而节制，后者狂喜、放纵。
公元前146年古罗马征服了希腊，咕罗马征服者将征服的大量塑像、浮雕和作为奴隶的舞蹈音乐艺人输入古罗马。古罗马人吸收同化于古希腊及希腊化东方的音乐文化。遗憾的是，古罗马并没有把希腊音乐中全民的、健康的东西继承下来，而是发展了音乐中娱乐、消遣、外观宏大的特征，这不能不说是文明的一种倒退。古罗马音乐走下了祭坛，成为大众的音乐。这个庞大的帝国充满着攻击性，对内时刻镇压奴隶，对外频繁军事扩张，庞大的军队中，一支军乐队显得格外重要。古罗马统治阶级豢养了庞大的军乐队，以炫耀军威，鼓舞士气；贵族们为了炫耀，组建私人奴隶乐队，在杂技和戏剧表演中，庞大的歌队和乐队人数有时甚至超过观众。
二、中世纪时期的音乐（公元476年—1300年）
公元476年罗马帝国瓦解后，希腊、罗马文明变趋衰微。日耳曼人统治欧洲西半部，历史上称为“黑暗时期”，也就是“中世纪时期”。它既是整个西方文明的基础时期，又是西方音乐艺术的构成时期，特别是中世纪基督教文化的迅速发展对音乐、文学、绘画等艺术文化有着深远的影响，因此中世纪文化又被称为“基督文化”。教会是当时人们的生活重心，具有政治、经济、文化的重要地位，艺术家在宗教中生存，因此当时艺术与宗教息息相关。中世纪很多的音乐家都来自与寺院，他们在寺院中从事教士和神父等工作，同时他们参加集体的音乐活动，
学习音乐艺术理论， 对音乐进行系统的整理，研究。在调式理论， 复调地位，乐器演奏法，记谱法等方面创立了完整的宗教音乐体系，为西方专业音乐文化的发展奠定了重要基础。
在西方重要的音乐文化遗产中，最能代表早期中世纪音乐风格的音乐体裁就是“格列高利圣咏” 。它是西方艺术音乐发展的源泉。该圣咏因罗马教皇“格列高利一世”而得名。公元六世纪，各地的教会音乐并不统一，格列高利一世实行集权制，统一了天主教礼拜仪式，改革宗教音乐。它收集原由的教会圣歌着成《对唱歌集》一书。并要求各地天主教会予以采用，使其浸透剑宗教礼仪的每一个角落。他利用这种旋律冷静、超脱、毫尢私心杂欲的宗教经文歌曲来加强自身统治阶层的力量。作为西方中世纪宗教音乐早期发展的丰体，格列高利圣咏可说足沃十一片。它推动了音乐理论和记谱法的研究，四线谱就是在那个时代发明的，为复调音乐的兴起和发展奠定了基础，为音乐学校的建立创造了条件，即便是现代调式体系也都是以格列高利圣咏的调式为基础的。直到今天，在天主教会中格列高利圣咏仍常常被采用。
三、文艺复兴时期的音乐（公元1450-1600年）
西方的文艺复兴是指14世纪末在意大利各城市兴起，以后扩展到西欧各国，于16世纪在欧洲盛行的一场思想文化运动，带来一段科学与艺术革命的时期，揭开了现代欧洲历史的序幕。文艺复兴时期的音乐艺术：一方面，是出于当时的思想家和艺术家们都认为自己是再复兴古希腊和古罗马文化；另一方面，他们要求摆脱宗教禁欲的束缚，在关心灵魂得救的同时，也向往世俗的享受。于是此时的音乐开始从显贵气派转向大众化；从宗教感情转向崇尚理性和追求人性的发展，强调直接可感的人的心境和感情的表达，与具有神秘、抽象、禁锢感情等因素的中世纪艺术风尚相对立。
文艺复兴时期是复调音乐的黄金时代，声乐复调创作是这个时期音乐形式的代表，以合唱最为突出；16世纪的文艺复兴时期出现了独立发展的器乐剧体裁；音乐创作中心为15世纪的尼德兰和16世纪的意大利；音乐日益趋向世俗化和专业化发展，宗教音乐和世俗音乐的分野比较含混模糊；音乐创作手法、体裁的运用和协作的规范趋于标准化，亦出现民族性和地域性的特点；情感表现的特点是静态的、一元化的，但值得注意的是戏剧性的二元对立的因素也在酝酿当中。
可以说文艺复兴时期音乐的特征可以用歌剧的诞生作为一个总结。歌剧的体裁、内容的自由化、感性化正是文艺复兴时期文化倾向的写照，同时，歌剧的复调性、主调性、加上歌剧内容的故事性和艺术性，正是文艺复兴时期音乐风格变化的真实写照。
四、巴洛克时代（公元1600年—1750年）
这是欧洲从封建社会向资本主义过渡的时期，君主国家走向繁荣，宫廷的权力和财力扩大，统治者热衷于扶持艺术，宫廷音乐和沙龙音乐盛行，为贵族服务的音乐显示出豪华和娇柔的气息，刻意修饰成为风尚。但是音乐家自己生活在人民中间，他们的社会地位是十分低下的，所创作的音乐也表现普通老百姓的悲惨遭遇，富于感情，体现了音乐家对客观世界的感受和态度。文艺复兴晚期出现的歌剧音乐体裁，在巴洛克时期得到了巨大的发展。巴洛克时期的音乐几乎都是围绕歌剧这个大主题展开的。
通常来说，巴洛克音乐有如下一些特色——它的节奏特别强烈、活跃，短促而律动；旋律精致、跳跃且持续不断；采用多旋律、复音音乐的复调法；作曲家普遍强调作品的情感起伏，以至于音乐的速度、力度变化很是被看重；曲目的调性也从文艺复兴时期单一而保守的教会调式发展为采用大小调形式。同时西洋管弦乐器也在巴洛克时期得到了迅速的发展，小提琴的出现、拨弦古钢琴的成形都为巴洛克音乐提供了更丰富的表现力；其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。不过像管风琴、羽管健琴、维奥尔琴这类颇具历史的古乐器依然被广泛使用。在音乐表现形式方面，由于皇室以及贵族对音乐的需求，促使许多巴洛克音乐家开拓出很多新的音乐表现形式。虽然巴洛克时期的歌剧曾被一些专家批评为“矫揉造作”，但不可否认的是这成为了此后歌剧发展的一个基础。声乐领域的其他表现形式还有神剧、经文歌、清唱剧、受难曲和弥撒曲等，这些都是带有强烈宗教色彩的。由此可见在巴洛克时期，宗教音乐在西洋音乐中依然占有很大的分量。巴洛克时期的器乐曲发展很迅速，出现了大协奏曲、独奏协奏曲、管弦乐组曲、各种舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、赋格和奏鸣曲等诸多表现形式。其中很大一部分通过发展、演变，从而成为了后来更为成熟的形式。
五、古典主义音乐（公元1730年－1820年）
古典主义的萌芽，发生在巴罗克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐调，主要放眼于追求客观的美。音乐从教堂走入宫廷，并逐步走向社会走向民众。旋律不再采用巴洛克时期连绵不断扩充的音型，而是是短小的二四小节为基本单位而形成的方整型乐句，音乐呈现简单、优美、动听的特质。古典乐派的主要成就在器乐方面，合唱作品相对不那么突出，但音乐上的特征是一致的。在表现时的要求
也相同。古典时期的合唱作品谨慎地使用渐快和渐慢，速度标记是名副其实的，不能随意改动。渐强和渐弱的使用较多，但多数在一个音量等级之间。重复的乐段或乐句，如果初现时较弱，重复时必然较强，这是一条不成文的规律。不协和和弦予以解决的进行，明确的终止式，大、小调式的转换和远近关系调的转移都充分利用来表达内容，和声的功能作用成为主要的推动力。但是，古典时期音乐的感情仍然比较内省，表演时切忌过分夸张，这些作品结构清晰，段落分明，表现上含蓄，主要运用对比性手法表现矛盾冲突或者戏剧性题材，无论内容和情绪都应该是明确清楚的。
六、浪漫时期的音乐（公元1820年—1900年）
从19世纪初到20世纪初通常被称为浪漫主义音乐时期。它在政治上反对封建专制，在艺术上与古典主义相对立，属于资本主义上升时期的一种意识形态十八世纪末年，随着浪漫主义思潮在欧洲文坛的勃兴，浪漫主义这一术语就用得非常流行了，并且在一七九八年法兰西学别的创作方法的名称。此音乐最早在德国和奥地利兴起，它与古典音乐有着体裁形式，作曲技法的继承关系，然而从贝多芬延伸到瓦格纳，音乐创作和音乐表演都呈现“护展”，有调性的旋律和声、复调，配器的写作扩展到极限，尤其足管弦乐的创作。和声应用变得更加丰高多彩，和弦及连接愈来愈复杂，音乐内容反映的面广泛，作曲家主观体验作感受的思想情感有了充分表现，浪漫主义作曲家普遍重视音乐与文学的结合，热衷于与标题音乐、浪漫主义音乐在欧洲的兴起和发展有重大的社会意义和历史意义，积极而有力地推动着西方音乐文化向纵深发展。
浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒伯特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》等，就是浪漫主义音乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围
及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。
七、现代主义音乐（公元1900年至今）
泛指19世纪末20世纪初印象主义音乐以后，直到今天的全部西方专业音乐创作。然而，由于在近90年的时间里，西方音乐的风格、流派十分繁杂，演变也非常剧烈；从历史风格的范畴而言，现代音乐特指20世纪中所创作的有特殊风格的作品，并非指所有写于20世纪的作品。因为某些作曲家（如С.В.拉赫玛尼诺夫、J.西贝柳斯等）虽然也在20世纪写下了不少重要的作品，但从总体风格上看，他们仍属于19世纪的浪漫主义音乐。和浪漫主义及其以前的西方传统音乐相比，现代音乐不仅有了非常大的变化,而且风格也十分多样化。在现代的经济、政治、科学以及其他艺术思潮的影响下，在音乐艺术本身内在规律的作用下，西方传统音乐的基本法则相继被一一打破了；在这个过程中，由于各个作曲家所采纳的途径、手段不同，因而流派之间、作曲家之间以及作品之间都呈现出比历史上以往任何时候都更为复杂的面貌。在以往的历史时期中，总有一种占统治地位的主要音乐风格，而在20世纪中，几种不同的、甚至相对立的音乐思潮平行发展的现象是屡见不鲜的。音乐风格的变迁决定了音乐内部各个组成要素的创新。在音高、节奏、音色、力度、组织结构法等各个方面，现代音乐都作了前所未有的突破。这一方面形成了现代音乐本身的主要音响特征，另一方面音乐的表现范围也空前扩大了。作曲家获得了更多、更丰富的创作手段，但是由于这些技法常常越出了人们的听觉习惯和熟悉的音乐思维的范畴，听众与现代音乐之间常常出现深刻的隔阂。
20世纪初，法国出现了德彪西、拉威尔的印象主义音乐；奥地利作曲家勋伯格于1909年完成了第一首无调性钢琴作品。1912年在伦敦首演，引起评论界激烈反对。由于第一次世界大战的影响，新音乐试验的温度有所下降，但还是继续出现了勋伯格的十二音体系（1923）、瓦雷兹的实验性作品和哈巴的微分音音乐等。1945年以后，各种流派和风格的实验音乐又时兴了起来，勋伯格的无调性十二音音乐发展成了序列音乐，从当初很少有人接受它，到现在被普遍采纳。斯特拉文斯基在节奏方面的创新，也有了进一步的发展。有的作品不再具有强弱规则交替的节奏形式，甚至把节奏从小节线所谓的“束缚”下解放出来。音色和音响成了音乐表现的主要手段。无论在人声还是在乐器使用方面，都有很多新的探索。不仅如此，还对开发新的音源显示出浓厚的兴趣。20世纪
10、20年代试验过的噪音音乐，原本是以失败告终，现在又死灰复燃。借助于新的技术条件，出现了具体音乐、电子音乐，还有偶然音乐、直觉音乐、空间音乐、概念音乐等等，确有令人眼花缭乱之感。很多作品已经没有传统意义上的旋律、节奏、和声，
也有的作品主要不再由乐音所组成。与此同时，民族风格不再受到重视；但在形形色色的新音乐创作中，也有作曲家基本上仍按传统的风格进行写作。大约从20世纪70年代起，音乐的发展虽然呈多元化的态势，没有哪一种风格占据中心位置，但新的音乐实验的高潮过去了。进入近现代之后，文化趋向于多元化，人们也不拘泥于某一种音乐体裁或者形式，而是更多地自由选择自己所喜爱的音乐体裁。而且，20世纪至今，许许多多不同风格的音乐体裁在世界范围内出现，通过信息的发展，使得西方音乐艺术不再局限于西方，而是扩展到了全世界。
漫长人类发展长河，总有音乐相伴，不同时期不同的音乐风格正反映了其时代人类社会特征。音乐用它独特的魅力与力量为我们带来希望和欢愉，故而总有些音乐历经世纪，洗尽铅华，却依旧为人喜爱，这也算是一种文化传承。
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