对西方古典音乐的一点微薄感受
曾经一度认为那些端坐在舞台中间表情严肃穿着燕尾服系着领结的老家伙们和我完全没有交集，那些曲高和寡声如聒噪的女歌唱家们也与我完全隔绝。他们是另外一个世界的。他们一遍又一遍地重复着那些早已作古的大音乐家的曲子，不但要完全正确还要仔细揣摩作曲家的意图。而我们是生活在现代的人，我们要的是能把我们从机械的日常琐碎中挣脱出的音乐，是创造，是不停闪烁的灯光和撕心裂肺的呐喊，是置身于舞池中的恍若梦境。然而许多这样不成熟的观念在岁月和音乐的洗礼中褪去了肤浅的表层。
对于古典音乐，第一次有感于它的魅力，是在高中的一节音乐课上。老师给我们看《梁祝》的演奏带并在一旁解释每一章节，那一次整节课都在聆听在感受在沉醉，整个人为音乐所震撼所感动以至于下课铃声响起的时候眼里还含着泪花，深陷那些充满不可思议的魔力的音符。我也不知道这是怎么一回事，就好像有一天突然感觉自己爱上了宋词一样。原以为只是冗长而晦涩的乐章，加上解说和想象竟让人感动得无以复加！
大一的时候，２００７年的“浙江省高雅艺术进校园活动”也来到了宁波理工学院，我有幸一饱耳福。印象最深的是斯特劳斯的《春之声》和《蓝色多瑙河》，因为这两支曲子听得最多也最熟。不得不承认，自己的艺术水平还不够高，对于大师们的精心所演奏曲子并不能听懂，也不能说出相关的音乐知道一二。当时也只是静静地听。由于坐在比较前排，离舞台比较近，我可以清楚地看到指挥的专注和投入，可以清楚地听到每一种乐器所发出的声音，仿佛每一种乐器背后都是一个故事，我被这种庞大的艺术气息所包围着，血液也随之沸腾。然而已事隔一年了。
再次接触到西方的古典音乐，是在大二的音乐鉴赏课。老师总是播放许多著名的曲子，从中方到西方，从乐器到曲式，从古典音乐到摇滚，是对我的音乐知识的一次充电。我甚至在课堂上看到用篮球拍打出的音乐，用厨房用具打击出的音乐，和用脚踏出来的音乐。听的时候感觉是慢慢上来了，但清楚地知道自己是欠缺某样东西的——对于音乐构成元素的了解，好在老师给我们讲解过了一些基本的音乐知识。但音乐的组织形式就不同了，至少于我个人而言是不同的，它复杂多样，在赋予音乐丰富表现形式的同时，也在不具备专业素养的乐迷面前竖起了一道无形的高墙。像我这般痴迷沉醉，但实际上还是浮游于纯感官的表层，想要对音乐进行深层次的理解却是困难的。音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。
尽管这些风格有华丽的、奇幻的、朴素的、浪漫的，然而最感兴趣的还是西方古典音乐，因为那些在古典时期作出无数动人心弦乐章的作曲家们终其一生给这个世界留下了永不磨灭的音乐和印象。
古典音乐至今大概可分为五个时期：中世纪的文艺复兴时代是古典音乐的萌芽时期，据说并未留下什么传世名作；巴洛克时代是古典音乐的启蒙时代，那时的古典乐多从民族乐和宫廷乐发展而来，我所知道的代表人物主要是巴赫（因为喜欢他的《Ｇ大调小步舞曲》）；古典时期是古典音乐的黄金时期，很多重量级的乐神——莫扎特，贝多芬，舒伯特，门德尔松，肖邦，舒曼，李斯特等都在这个时期；浪漫时代是声乐开始锋芒毕露的时候，歌唱家和交响乐团的完美结合造就了歌剧时代的来临，而在音乐之都维也纳，斯特劳斯家族更是把古典音乐推向新的高潮！那时的古典音乐，就好比是现在的流行乐，老三巨头就是那个时代的猫王和披头四。这一时期的主要代表人物有威尔第，老小施特劳斯，德彪西，柴可夫斯基，圣桑等等；２１世纪是古典音乐的改革时期，1950年后，面对现代流行音乐，摇滚音乐和电子技术的崛起，古典音乐王者的身份开始动摇。虽然依然是音乐界无可动摇的贵族，但面对是改革还是消失的尴尬，新一代古典音乐家们承担起历史的重任，从电影配乐到音乐剧，再到结合现代电子技术的“新世纪音乐”。代表人物有喜多朗，班德瑞等。
下面来讲讲我最喜欢的几首曲子。
第一次听到巴赫的《G大调小步舞曲》是在听fall in love (一个台湾流行乐组合,现已解散)的《一千零一夜》的间奏。那一小段音符的回旋清新自然轻盈，让人真的想跟着它跳一支小步舞。这首曲子是巴赫题献给自己贤内助Anna Magdalena（安娜·玛格达雷纳）的作品。安娜是巴赫的第二任妻子，是一位典型的贤妻良母，除了照料好一家人的衣食起居外，她还经常帮巴赫抄写谱子，而且水准一流。巴赫出于对安娜的感激和爱意，先后在1722和1725年创作出两卷曲集送给妻子。后来两卷曲子被合并，并且去处了其中的声乐演唱部分，成为了《为安娜·玛格达雷纳.巴赫而作的古钢琴小曲集》。 小曲集一共有45首，其中第26首《G大调小步舞曲》便是此曲，比较通俗，但是却自然有一股纯净的味道。原来小步舞曲是用于西方宫廷舞蹈的，充满了奢侈浮华的意味，曾听过陈慧琳的《lover\'s concerto》便是改编自此曲。很喜欢她轻轻淡淡的唱法，一改宫廷乐曲的浮华，用最最纯净简单的声音，将小步舞曲娓娓道来，让人感觉心情愉悦畅快。而那种淡淡的感觉就好像爱情的青涩。不敢颠覆大师的作品，但是，我觉得小步舞曲本来曲调就简单，如果用最最清爽的声音来演绎，会不会比庞大的宫廷乐队演艺的更纯粹呢？
得知德彪西的《月光曲》是因为陈绮贞的一首曲子。陈绮贞是我喜欢的一位台湾歌手，她常常只用吉它伴奏，有时还并无歌词，表达方式很特别却很容易让人产生共鸣。同样地，对于这位法国的著名印象派作曲家德彪西的名曲《月光》，也是有心弦的共鸣，却只能在沉默中欣赏，而无法诉诸于语言文字。作为印象派音乐的鼻祖，德彪西的音乐作品可称是名副其实的“音画”。人们对王维的诗曾有过这样的评价：诗中有画，画中有诗。借用这一评价，德彪西的作品可以当之无愧地称“曲中有画，画中有曲”了。然而，要做到这一步又谈何容易：曲是流动的时空，画是凝固的瞬景。但大师毕竟是大师，他放弃了浪漫主义时期作曲家们以富有歌唱性的旋律作为其表现手法，转而汲取印象主义和象征主义绘画派的技巧，并将之实践于自己的作品中，以朦胧的、有多重指向的旋律让听者进行音——画重构。代表作中最典型地体现这一方式的便是《月光》。也许是出于法国人的浪漫天性吧，一曲描绘月光的动态，令人暇想无限。德彪西处理《月光》的方式无疑是特别的，“动”便是德彪西月光的精髓所在。在他的音乐里，月光如水般倾泄，缓缓流淌，充盈整个房间。德彪西的音符是有些离散的，打散了旋律。然而散而不乱，像是溢出的水银在地板或是台阶上走走停停。每一个音符，都给你充分的想象空间。如果说婴儿的夜晚是用来听lullaby的，那么一个成人在寂静的夜里最适合聆听这曲《月光》，因为人一旦一个人处在一个安静的环境，心会变得异常细腻和敏感，便很容易沉入到音乐中去。
新古典金属的代表乐队是Angra。 Angra的音乐受的古典式的影响以优美的旋律诠释重金属乐，不仅显示出每位队员凸出的音乐造诣，无庸置疑的，更是受的广大乐迷的喜爱。Angra所开创的将古典、交响乐、民族乐与Power/Speed metal相结合的音乐风格，造就了往后交响金属乐派的兴起，而其两张专辑《Angel\'s Cry》和《Holy Land》，也成为新古典交响金属绝对必备的经典代表作品！这样一支将交响乐带入金属乐的先驱乐团，竟是出自南美洲的巴西，著实是令人有些意外和惊讶。Andre是Angra的主唱，他兼具细腻、高亢与声乐技巧的绝佳嗓音，也由于他深厚的古典音乐基础，加上钢琴、键盘乐器的造诣与作曲能力，可说是Angra的灵魂人物。再加上Rafael和Kiko的双吉他演奏自然是Angra音乐的重点，但Andre为Angra的音乐所带入的古典交响乐的高低情绪起伏，以及细腻丰富的演唱声音表情之表现，才是让Angra的音乐和一般Power/Speed metal乐团相比显得格外与众不同之处！个人只听过他们的几首歌，最有感觉的是《Lisbon》。由于新古典金属带有很强的听觉冲击，与个人喜欢的安静的古典音乐有所不同，有时会分不清摇滚与重金属。
其实在现在这个快节奏的时代，很少有人会静下心来去感受经典的音乐，充斥在我们周身的是那些不到一年便被人遗忘了的流行乐。中国学生的知识面其实真是太窄了，音乐老师给我们听这些经典音乐，我们还埋头写作业，觉得听这些都是天文是浪费时间，导致我们的音乐素养几乎为零。最近最喜的是边用紫砂壶喝着铁观音，边做事，再听着美妙的高雅音乐，即使是音乐白痴的我，也觉得是件美妙而享受的事。也无意标榜自己有格调有多高，只是在听了那么一些高雅音乐，被小小地熏陶了一番之后，不免会察觉到真正的经典和那些如过眼浮云的流行的差别。
我想音乐是可以洗涤人性的吧，这是我最大的收获。难怪有句流行的话说：学琴的孩子不会坏。而且还听说懂音乐的人聪明，所以美国推行音乐的学习，中国千万也不可忽略了啊。
