多年前我写了一篇关于古典音乐欣赏的文字。言不尽意不尽，贴在这里，希望与大家一起探讨。时至今日，对于古典音乐的欣赏方面，在此文的基础上我又增加了很多新的认识。当西方音乐走入目前的时代，各种音乐风格相继涌现，这也对如何欣赏音乐提出了一个巨大的挑战。之所以说欣赏音乐而不是听音乐，我想表达的是，对于古典音乐，只是“听”，当然可以，不过我们却无法更多地体会到一部作品要传达出来的内涵。阅读是必要的，有的时候，学会读谱更能让我们的欣赏水平再上一层楼。
我是一个古典音乐迷，我也乐于和喜爱古典音乐的人们交朋友。在我的这些朋友当中，有接触古典音乐不久的，也有具有多年古典音乐欣赏经历的资深乐迷，还有的朋友能够熟练的演奏乐器。可以说，每个人对于古典音乐的看法都有些细微的差别。有的人特别关注音乐之中蕴含的情感，有的人为交响曲的配器所吸引，深深沉醉于古典大师们营造的或华丽、或玄妙、或诡异的音响效果，当然还有的人，学过一些作曲理论，因此经常会把注意力放在分析乐曲的结构之上：当他们在欣赏一首贝多芬的交响曲的时候，会去确定主题的呈示部、发展部和再现部，会去寻找第一主题、第二主题，关注主题的发展、戏剧性的扩张与消解。
写给乐迷的有关古典音乐欣赏的书，也主要分为两类。一类是着重介绍作曲家的生平、作曲背景，对重要作品进行偏主观、便感性的分析；一类是充斥着连篇累牍的乐谱，令初入古典王国的新人望风而逃的，具有“深度”和“专业”视角的书籍，其作者往往会使用“四六和弦”这样的术语，在专业音乐家与普通爱乐者之家掘出一条深深的壕沟。著名的英国文学家、艺术评论家萧伯纳就生动的嘲讽了这种所谓的“专业视角”：
像这种充满了美索不达米亚式的警句的“d小调属音”之类的分析文字是多么甜美多汁啊！女士们先生们，现在我们就用这同一科学的方式，向你们权威地分析一通哈姆雷特那段著名的论生与死的独白：“莎士比亚省却了他惯用的开场白，以不定式开宗明义地宣告主题。经过一个简短的连接过渡句，这个主题很快以同样的心情重复一遍。而那个过渡句虽然简短，却不影响我们识别其中的二择一性和消极被动性；重复的意义和重要性主要就体现在这两性上。之后我们达到了一个冒号，接着是一个率直而积极的句子，其中的强调（或重音）决定性地落在那个关系代词上，他把我们领向第一个句话。”
已经有很多人为肖翁的这段著名的、极尽讥诮之能事的话语拍案叫好了。萧伯纳为很多钟情与古典音乐却苦苦埋首于充斥着“蝌蚪”海洋的音乐评论专著的朋友狠狠地出了口恶气。但是熟悉萧伯纳的乐友们都知道，萧伯纳本人就有高超的钢琴演奏技巧，他对很多乐曲的直观感知不是来源于音乐厅和剧院，而是自己弹奏的钢琴之上。我们很难相信这样一位具有高超的艺术修养的铁杆乐迷不具备很深的乐曲理论知识。虽然我不得不承认很多关于乐曲结构分析的文字流于表面、无聊与乏味，但是我觉得所谓的“d小调属音”也并非是十分深奥的东西。如果我们接受了这种对于乐曲分析中乐曲结构的近乎完全否定的态度，就好比一个痴迷武术的人受到一个武林高手的蛊惑而放弃习武。多数的乐迷都渴望在古典音乐欣赏这条道路上走得更远，因此仅仅依靠一颗对音乐敏感的心以及富于想象的大脑，还不够。因为古典音乐欣赏这条路并非平地，有时候有荆棘丛生，有时候有高山，有时候有深谷。丰富的音乐理论知识，在这些时候，就会助我们披荆斩棘、越过高山、度过深谷。即使一个人对于贝多芬的九大交响曲烂熟于心，他对于九大交响曲的评论也只能停留在主观想象以及各种渠道获得的关于乐曲背景的介绍。贝多芬的交响曲为何跌宕起伏、激动人心？不单旋律的优美，也不只是对比强烈的力度变化，最重要的是主题的对比以及戏剧性的冲突。不懂得一些作曲理论的人自然无法完全体会这些妙处。再比如巴赫的赋格曲。（当然有不少古典音乐爱好者对这种格式的宗教音乐敬而远之）如果你仅仅知道赋格曲是按照严格的对位法谱写的复调音乐，对于赋格曲的妙处，你是无法完全体会的，更不用说不知道复调和对位法为何物的“古典音乐爱好者”了。当然，肖翁对于赋格是颇有微词的。他认为赋格曲已经过时了，现在的作曲家如果去谱写赋格曲，那是一件费力不讨好的事情。巴赫与亨德尔时代的赋格曲，不但质量精良，而且数量庞大，已经足够一个对赋格曲感兴趣的乐迷享用一生了。也就是说，现代作曲家绞尽脑汁写出来的赋格曲却鲜有人问津。但这并不能说明赋格失去了价值。我们知道，在莫扎特和贝多芬的不少乐章中，都运用了这一手法。贝多芬的一首弦乐四重奏《大赋格曲》更是难得的精品。欣赏这样的作品，非得对赋格这种曲式有着较深刻的了解不可。
傅雷、辛丰年等人在引导新人进入古典王国之时，多是从乐曲带给听众的主观感受上着手进行分析。他们会把握一首乐曲的感情脉络，带领听众一同体验音乐中的感情变化。在分析一首乐曲的时候，他们往往会加上对作曲家当时的生活、所处的社会环境以及感情状态的描述。我认为这对于初涉古典领域的乐迷是大有裨益的。比如在分析贝多芬的《月光奏鸣曲》的时候，评论家就告诉我们，贝多芬似乎在进行着一场恋爱，因此我们可以听出第一乐章之中蕴含的温情来。丹纳在《艺术哲学》一书中提到艺术作品的产生受到社会、民族以及气候的影响。傅雷本人就深受丹纳思想的影响（傅雷翻译了《艺术哲学》一书）。这种将乐曲与作曲家当时的生活、所处的社会环境以及感情状态联系在一起的分析方法，显然是借鉴了丹纳的思想。
我个人认为，古典音乐的欣赏分为三个阶段。这三个阶段分别为“听感”、“听形”、“感形交融”。简言之，所谓“听感”就是欣赏乐曲中表现出来的各种情感。比如听到贝多芬《英雄交响曲》的第一乐章，我们或多或少能够感受到一些雄壮、慷慨激昂的情绪，我们听柴科夫斯基的《悲怆交响曲》，体会到的则是抑郁、低沉的情绪；听施特劳斯的《蓝色多瑙河》，则会情不自禁的随着三拍子摆动身躯。所谓“听形”，就是清楚辨别乐曲的结构，相比“听感”，这是个更加客观，“技术含量”更高的一个阶段。比如我们欣赏巴赫的《恰空》时，我们应当对“恰空”这种舞曲形式有较深入的了解。恰空舞曲实质为针对一个较简短主题的变奏曲。巴赫极富想象，《恰空》一曲变奏丰富多彩，华丽绚烂。音乐一开始，就给出了全曲的主题，之后全部是围绕这一主题的各种变奏，包括改变织体、变更调性。再如，莫扎特的《g小调交响曲》第一乐章，采用的是奏鸣曲式。我们在聆听此曲的时候，便会仔细去听呈示部的第一主题、过渡、第二主题、重复，然后关注发展部，最后听到的是再现部。结构梳理清楚了，我们对乐曲表现出来的戏剧性会有更深刻的体会，而不仅仅是停留在主观臆想之上。第三阶段是“感形交融”。在这一阶段，我们对于音乐的旋律、结构已经烂熟于心。这个时候，我们就真正能体会到音乐的美感了！
在美学之中，有关于美的对象是主观还是客观之争。古典音乐，作为一种艺术形式，为大众喜爱，乃是因为其中丰富的美学内涵。前文提到的古典音乐欣赏三阶段，古典音乐之美既体现在本身，又因鉴赏者不同而获得的审美感受不同。“听感”主要获得的是主观的审美体验。人们常说，“一千个人眼中有一千个哈姆雷特”，如果运用到音乐鉴赏上面，那就是对于同一乐曲，不同人获得的审美感受可能大相径庭。“听形”阶段，欣赏者着重乐曲的结构分析，体验乐曲之中的均衡、稳定、配器的精巧等等。这一阶段获得的审美感受，主要是来源于乐曲的。作曲家以及演奏家共同营造出了这种美感。恐怕最难以认识的阶段当属“感形交融”的阶段。限于笔者的认知水平，暂不对这一阶段发表评论。
