高中美术课教案模板（精选多篇）

推荐第1篇：高中二年级美术课教案

教 材 ：人美版第11册

课业类型 ：设计?应用

教材分析 ：

笔对于学生，是最常见的学习用品之一。随着生活水平的不断提高，市场上也不断涌现出各式各样的笔，这些笔无论在外形和功能都十分受学生喜爱。本课《笔的世界》正是以此为切入点，带领学生走进“设计·应用”的天地，让学生接触生活中的设计，并设计生活中常见的物品。

而在第10册《杯子的设计》一课中，学生对于设计已经有了初步的了解。本课的宗旨是使学生进一步了解艺术设计与生活用品的紧密联系，学习掌握设计的基本方法，认识到设计要以人为本的原则，创作出更有创意的作品，进而培养创新精神，养成善于关注身边事物的习惯。

教学目标 ：

1、知识目标： 了解笔基本结构和功能，学会观察和分析笔各部分的特点和功能。

2、技能目标： 学习简单的设计方法，能够设计美观与实用相结合的笔。

3、情感目标： 养成关注身边事物的习惯，提高观察和分析能力，了解设计要以人为本。

教学重、难点：

1、教学重点 ：了解笔设计的两大原则—实用和美观，学会画简单设计图设计笔。

2、教学难点 ：了解形象与功能之间的关系，从美术的角度对笔的外形进行设计，结合实用性原则设计出造型新颖独特的笔。

3、注意点：在引导的过程中，不要单方面强调笔的功能如何现代化、科技化，而是要从生活中的实际情况考虑，思考笔需要进行哪些改良，在保证基本实用功能的基础之上对笔的外形进行美观设计。

教学设计：

一、导入激趣——发现笔的变化美

1、猜一猜 ：“笔”字的构成：竹字头和毛组成，既是我中国古代的毛笔。

2、看一看 ：展示收集的各类笔：毛笔、鹅毛笔、钢笔、铅笔、圆珠笔、水笔等，展示一个笔的发展历史。

3、小结揭题：从最古老的毛笔到现在的笔，笔的外形和功能也在发生着各种改变。今天我们一起来走进笔的世界，和笔来一次亲密接触吧。

二、探究分析——感受笔的造型美

1、寻找笔的内在美，既笔的基本造型及最重要的功能

① 拆一拆：在实物投影仪上拆一支笔，以此让学生了解笔的基本构造。

② 智力闯关：：

问题一：除去外壳之后笔剩下了什么？说明什么？——笔芯，基本用途：书写问题二：笔盖、按钮有什么用途？——出笔芯

问题三：橡胶、笔杆上的凹凸变化是为了什么？——防滑，书写的舒适

③ 小结、不管什么笔，去掉外壳，你会发现书写是笔最主要的功能，而一切外在的形状和功能设计都是为这一点服务的。

2、探究笔的造型美，尝试笔不同外形的变化

① 加外形：笔外形的创意设计（给上一环节拆出的笔芯增加外形）

（根据摸到的物品进行笔外形的设计）

如：针筒、口红——他们形状上有什么共性？怎么设计？（图示）

水果（苹果、香蕉、小西红柿）香蕉可以，小西红柿不可以，苹果太圆怎么

办？切成瓣就可以了。（苹果可以现场切开，进行展示）

② 小结论：笔的造型美是遵循一定得原则，也就是设计建立在笔实用性的基础上，进行科学的设计。色彩要和谐、整体。

三、探究笔的功能美

1、加功能：设计计算题：（为上一环节的笔增加功能）

① 加法：了解笔的基本结构之后，通过功能相加对笔进行多功能的设计。 （播放图片算式）

铅笔+橡皮=？

圆珠笔+日历=?

（播放几张多功能笔作品）

② 减法：纠错示范

说一说这支笔设计的好吗？为什么？

小结：笔的功能主要是书写，增加的一些功能主要目的也是为此所服务的。

四、综合探索——造型美与功能美的结合

1、看一看：欣赏优秀笔的设计：分别从大师、老师、学生的作品切入，拉近学生与设计的距离感。

2、说一说：说一说这些设计好在哪。为上面的知识做一小结，为学生整理下设计思路。

五、实践探究——“不走寻常路”笔的设计

1、创设情境：宁波北仑贝发笔业有限公司征集“不走寻常路”笔的设计方案。

2、创作：（反对盗版，支持原创！）

① 创意：独立设计一款外观新颖、功能独特的笔。

② 绘制：作品的大小用厘米图示表示出来，并写上设计说明

3、评价：

① 展示：把自己画好的笔剪出来，挂在老师事先准备好的笔架上，进行展示

② 评价：挑一挑：挑选你最喜欢的一支，说一说为什么？

改一改：说说哪一支笔你认为需要改良的？为什么？怎么改？

教师总结：设计的魅力就在于创新，服务于社会，提高人们生活的品质。

要设计出优秀的作品，要学会观察，勇于尝试，这样每一位同学都会成为一名优秀的设计者。

推荐第2篇：江西省高中美术课教案完整版

第1课 培养审美的眼睛——美术鉴赏及其意义

一、教材分析

（一） 教学目标

本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二） 内容结构

本课主要包括四个部分：

第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。

第二部分“什么是美术鉴赏”，先从对身处**广场的感受和对**的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。

第三部分“美术作品是如何分门别类的”，简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：

1．绘画

按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。

按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。

按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。

2．雕塑

按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。

按空间：圆雕、浮雕。

按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。

按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。

按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。

3．建筑

按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。

4．设计

按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。

按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。

按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。

5．书法

按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。

6．摄影

按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。

按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。

第四部分“美术鉴赏有什么意义”，以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

（三） 教学的重点与难点

本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、教学内容资料

（一） 作品分析

**广场、黄山日出（摄影）

随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的**，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身**广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自**广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对**的认知、回忆和想象。表面上看，**只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。

捣练图（中国画，宋代摹本，绢本设色，37厘米×147厘米，美国波士顿博物馆藏） 张萱（唐）

张萱（生卒年月不详），是盛唐时期著名的人物画家，长安（今陕西西安）人，唐玄宗开元年间（公元713—741）入禁做宫廷画师。他特别擅长画女性和婴儿，所作人物雍容华贵，形成“丰颊肥体”的人物造型，成为唐代名重一时的人物画大师。尤其是他突破了汉魏以来中国人物画主要描绘“列女”、“孝子”的传统题材，开始表现现实中的人物形象，在美术史上产生了深远的影响。

张萱一生只留下了《虢国夫人游春图》和这幅由宋人临摹的《捣练图》两件作品。《捣练图》描绘的是宫中妇女“捣练”的情景。“练”又称“缣”，是一种古代的丝织品，织成时质地较硬，须煮熟后加漂粉用杵轻捣使之柔软，并经熨平后才能使用。全画共分三个部分：右边一组描绘的是四个妇女用木杵捣练；中间一组描绘的是两个正在理线的女工；左边一组描绘的是四个妇女在熨练，其中两个拉平白练，另两个在熨练，在白练下面还有一个来回穿梭玩耍的小孩。画面形成一个完整的捣练过程，具有连环画的性质。这里既让我们看到了唐代人的衣饰、生活等，其人物造型和工细劲健的线条、富丽华贵的用色也明确传达出唐代人的审美观和审美趣味。

拾穗（油画，83．5厘米×111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏） 米勒（法国）

米勒（Jean-Francois Millet，1814—1875）从35岁起就定居巴比松，之后他一住就是27年，几乎一生没有离开过那里。他在那里生活、劳动、创作，画出了他一生最重要的作品。他与巴比松许多画家来往，和他们交流创作思想。他的作品反映了巴比松农民的生活和那里的自然世界。但是从米勒作品的意义来看，他又超越了巴比松派，他把人性中质朴、善良、高贵、永恒的一面呈现出来，从而感染了全世界的人。

米勒出生在法国诺曼底半岛距瑟堡和格雷维尔城不远的一个叫格律希的村子里。他的父亲是一个从事音乐并有较好艺术素养的人。他不仅指挥着一个乡村合唱队而且还搞些小雕塑什么的。米勒的母亲出身在一个较富裕的农民家里，其亲属都有着良好的文化修养。米勒从小就是在农田里长大的，直到20岁他才正式去学画，所以家庭的教养和劳动的经历培养了米勒朴实勤劳的性格，也决定了他以后的审美取向。不过米勒并不是一开始就发现自己真正的方向的。米勒17岁那年曾无师自通地画了一幅大画《看守羊群的牧羊人》，画面虽幼稚，却体现了米勒对周围熟悉生活的观察和对艺术的热爱。以后他进入瑟堡画家朗格鲁画室学画。1837年在朗格鲁的推荐下，米勒获瑟堡市政府600法郎奖金而进入巴黎一所美术学校深造。同年又成为当时巴黎著名画家德拉罗什的学生。他最初的老师无论是米歇尔·朗格鲁，还是德拉罗什，传授他的都是学院派的那一套。由于米勒是一个质朴而腼腆的人，所以尽管他内心里并不喜欢这些装腔作态的东西但还是接受了。他听从了德拉罗什的劝告去参加罗马大奖赛，但没有成功。从德拉罗什的画室出来后，米勒常出入卢浮宫博物馆，向古代大师，尤其是米开朗基罗和普桑学习。他一面学习，一面和一个朋友租房以卖画为生。为了生活他不得不去画那些受欢迎的布歇风格的作品，甚至这种风格的《卖牛奶的女人》和《骑术课》还在1848年的沙龙上展出了。这时的米勒是矛盾的，一方面他厌恶他目前的状态，另一方面又不知自己今后的道路该怎么走。一个偶然的机会使他终于清醒了。1849年的一天，他到一个画商家里办事，画商不在，正巧另两个陌生人也在等画商，只听他们指着墙上米勒的一幅布歇式的女人体说：“这就是米勒的画，他只会画这种低俗的画。”米勒羞愧难当，他决定离开巴黎，到巴比松去，即使生活再艰苦，也要走自己的路。

米勒曾在给朋友的信中说过，他讨厌“夸张、装腔作势和虚情假意”，他指责那些为了职责而忘记自己品格的人（即那种被社会扭曲和异化的人），因为他们已失去了他们的本性和真实性，而这些正是艺术家所必备的。因此他要求自己一定要真实地生活、真实地创作。我们从他的作品中可以明确看到，他努力将自己所见真实地表现出来的意图。无论是《簸谷者》、《扶锄者》、《播种者》、《晚钟》、《拾穗》等著名作品，还是《牧羊女》、《喂食》、《折枯枝的人》、《砍柴者》、《在休息的葡萄工人》等这些不太有名的作品，我们都能深深感受到真实的生活气息和艺术家对生活观察之深入。播种者和簸谷者之艰辛、扶锄者和休息者之劳累、拾穗者和喂食者之贫穷，都以其深刻的真实性给观众以震撼，这与以往富丽堂皇的罗可可艺术，甚至与当时巴比松画家那阳光明媚、美丽轻松的风景画是多么的不同。当来自官方和保守势力的批评家对他大加指责时，米勒给予了坚决的反击。他说：“我将坚强地站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨碍我们民族进步的东西，但我决不做把农民加以美化的蠢事。如果只能无力地表现我自己，我宁愿不表现。”他又说：“表现大地的呐喊这不是我的发明，古已有之。我想诸位评论家们是有学识有教养的人，可我不能人云亦云，因为我生来只知道土地，我只能忠实描绘我对劳动时的观察和感受。”米勒从生活中发现的是悲壮、内在、深沉的美，他使人们看到了生活中惨烈的一面。这其中既有同情又有控诉，从这一面说，他与杜米埃一样都是批判现实主义的画家。也正因此，米勒的画使资产阶级以及他们的评论家大为惊恐，他们把他看作是社会主义者，说他企图骟起爆动，比库尔贝更危险。他们从《播种者》中看到了起义者的步伐，从《拾穗》中看到了“在这三个拾穗者背后的地平线上，隐现出造反派的长矛和1793年的断头台”。因此他们叫嚣“要把这位无政府主义的画家从画坛上清除”。

在19世纪欧洲美术史上，作为农民画家的米勒是无与伦比的。他塑造的大量感人的农民形象艺术地展示了当时法国农村的真实状况，因此不少肯定者亦把他说成是革命者，是一个无产阶级的艺术家。其实，米勒是个不问政治的人，他曾说过，“一个搞艺术的人干预政治是不明智的”。所以当库尔贝邀请他做巴黎公社委员时他拒绝了。他的作品只是由于它们的极度真实性而被不自觉地赋予了社会的意义。不过他的真实性与库尔贝也是不同的，他借助的是印象和气氛，他在自然中寻找的是那些特征性的东西，因此他反对用准确无误地描摹自然和具体的细节来说话（这与勒南兄弟亦大有区别），因为这些细节会破坏他常说到的那种“思想”和感觉。他认为那些具有独特造型的动作和特定的环境就足以表达他的思想，这就是为什么我们常看到他只画一个人，或把人物变成环境一部分的原因。另一方面，他从不像库尔贝那样使人物突现在画的表面上，也不以强烈的肌理来造成直接的真实性，他将这一切都融入画面之中，所以他在保持人物结实的造型的同时，又赋予画面以诗意。在《拾穗》中，农民的贫穷与地主的丰收形成鲜明的对比，但这种对比不是利用脸部的表情而是略去细节的人物动作与环境，他使人物具有了雕塑的力量，从而歌颂了劳动者质朴、勤劳的美德。而《播种者》则更确却地只通过一个人的动作就把米勒的思想表达出来了。难怪有人通过他的画看到了起义者的脚步。米勒作品的象征意味是十分明显的，因此象征派画家雷东也给他的画以高度评价。但是米勒艺术的根本特性还在于它的质朴与真诚，它是艺术家内心情感的自然流露，这种质朴与真诚也将是开创20世纪艺术的起点，我们将在十分崇拜米勒艺术的凡高那里看到这一点。

萧景墓石辟邪（石雕，南朝·梁）

在南京和丹阳一带，已发现有南朝的宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王贵族的陵墓石雕31处，其中29处的石雕保存较好。这些石雕，包括神道两侧的石柱、石兽和石碑等。石兽相对而立，头上长双角的称“天禄”，长独角的叫“麒麟”，均是传说中的灵异瑞兽，只能用于帝王陵墓。王公贵族墓前的石兽无角，称“辟邪”。这些象征权势的镇守、护卫陵墓驱邪的石兽，形象在狮虎之间，更似以狮子为基础的夸张变形，肩有羽翼，多作昂扬张口、挺胸迈步状，形体硕大，粗壮厚重。其雄强威武的气势，具有很强的艺术感染力和很高的艺术价值，是南朝时期雕刻的代表。

萧景墓石辟邪，是上述石兽之一。其形态为挺胸昂首、张口吐舌，似正在发出震天吼声。它是用整块方形石雕刻而成，在平原之上硕大的体量具有很强的艺术辐射力，仿佛在控制着这一地域。从各种角度观看，它都给人以气势宏大、雄浑稳定的感觉。艺术家为了突出给人这一感觉，在造型上强调前挺的胸脯，夸张胸部的圆弧线，缩短腹部，夸大后腿上部肌肉和臀部的圆弧线，加粗四肢，弱化关节，夸张巨爪和大口巨舌，强调壮实和硕大的体量感，突出凶猛有力，又能使四肢非常协调地支撑身躯。它头部稍小且向后，既恰到好处地表现了昂首动态，体现灵巧性，又能造成金字塔般的稳定感。该辟邪厚重而不笨拙，稳定中又有动感，雄浑威猛，似内蕴无穷的力量。它头颈不分，全身处处运用弧线、圆形，除肢腹之间镂空外，全身无繁琐细节，连尾部也紧贴臀部扎地，羽翼仅用线刻而成，加之变形加粗的四肢和夸大的巨爪与底座紧紧连在一起，都使其不易破损，所以历经千余年至今仍较完好，不能不说与其造型有关。石辟邪的单纯、完整和矫健的外轮廓，富有很强的表现力，至今仍给人以难以忘怀的印象和美的感受。

奔马（中国画，1951年） 徐悲鸿

作者简介请参照第14课相关内容。

这幅《奔马》在表现方法上，将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画以使之具有面对现实的能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿给这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立、人民从此当家做主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。

根扎南国（纸本彩墨，1998年） 吴冠中

吴冠中（1919— ）江苏宜兴人。1942年毕业于杭州国立艺术专科学校，1947年留学法国，入巴黎高等美术学院学习油画。1950年回国后先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院等，并曾担任中国美术学院客座教授、中国美术家协会常务理事等。吴冠中在杭州国立艺术专科学校读书期间受到他的老师林风眠和吴大羽的深刻影响，一生从事中西融合和油画民族化的实践，逐步形成了清新、明快，注重美术的本体语言——点、线、面、色相结合的韵律美和形式美的独特风格，具有强烈的艺术个性和时代气息。在《根扎南国》中，吴冠中以他特有的手法，以点、线、面、色的结合，塑造出南方特有的郁郁葱葱、繁茂似锦的大榕树形象，给人以强烈的形式美享受。吴冠中还十分注意理论上的总结和著述，他对美术的形式美的论述在20世纪80年代的中国产生了广泛的影响，出版有《绘画的形式美》和《风筝不断线》等文集，以及各种个人画集。1991年吴冠中获法国国家文化部授予的文学艺术最高勋章。

太白行吟图（中国画，局部，纸本水墨，81．2厘米×30．4厘米，日本东京国立博物馆藏） 梁楷（宋）

梁楷(生卒年不详)，是南宋著名的人物画家。性情豪放，不拘礼法，自号“梁疯子”。梁楷早期的人物画细密工致，后变为简练粗放、纵笔挥洒，寥寥数笔便能画出人物的精神气质，具有很强的艺术感染力。后人称他的这种画风为“简笔画”，这是梁楷对我国古代人物画的突出贡献。现存的《太白行吟图》描写唐代伟大诗人李白的豪放性格，全画只用寥寥几笔，即把那种桀骜不驯、才思横溢的风度神韵，刻画得活灵活现。这既得力于画家对李白的性格特征的正确把握，也和他熟练地掌握了中国画的笔法密切相关。这是我国绘画史上最早具有代表性的“减笔画”之一，可谓之极品。

中国奥运中心垒球场设计方案

这是为2008年中国北京奥运会设计的一个垒球场场馆方案。作为建筑设计，既要从审美的角度实现其造型上的美观，又要考虑其功能上的适应性，同时还要兼及其周围的环境（其中包括色彩、造型和高低等方面）。从造型上看，该设计极为简化，只在一面形成一个敞开的盖顶，这种极少主义式的设计显然是来自现代主义的设计观，就像里特维特的《红蓝椅》一样；在功能上，该设计以三角形来适应垒球比赛的需要，在其周围建起层级式的观看台，并在周围建有相应的配套设施；在环境上，我们虽然无法看到周围的情况，但从其视图上就可以看出其高度、造型和明亮的盖瓦与周围环境和谐相处。

红蓝椅（木质上色） 里特维特（荷兰）

《红蓝椅》是“风格派”最重要的代表作品之一，也是现代主义设计中里程碑式的作品。它完全采用最基本的几何元素或几何形态构成，没有任何隐晦或掩饰，色彩元素也仅限于红、黄、蓝三种原色，可以说，它完全是按照“风格派”创始人之一蒙德里安的艺术理论创作出来的，只不过蒙德里安的作品主要是平面的绘画，而里特维特的《红蓝椅》则是立体的。尽管我们所看到的是一把真实的椅子，但从功能上说，它却并不具有实用性，因为人坐在上面并不舒服。它的重要性首先在于它是由标准化的几何构件组成的，这就为此后现代设计产品的批量化生产提供了参照和依据，这一点是开创性的；其次，它的与众不同的现代形式语言，使之终于摆脱了传统家具设计的阴影，宣布了现代主义设计的出现和独立，由此成为现代形式主义设计的重要的里程碑式的作品，对整个现代主义设计运动产生了深远的影响。

筛谷的妇女（油画，131厘米×167厘米，1854年，法国南特美术馆藏） 库尔贝（法国）

库尔贝（1819—1877）是19世纪后半期法国著名画家。生于法国东部的小城奥尔南市一个葡萄园主的家里，从小就直接接触到农民的生活，并接受他祖父给他灌输的革命的思想。家庭的宠爱和较好的生活境遇使他自小就养成了自信和敢说敢为、我行我素的性格，他对生活和未来充满了信心。库尔贝基本上是一个自学成才的画家，要说老师，对他来说就是先辈大师的作品和自然。他从先辈大师那里吸取创作灵感和技巧，而从生活和自然中寻找思想，他把二者有机地结合在一起——技巧服从思想，思想加强了技巧。这就是库尔贝艺术的主题：使艺术担负起社会的责任。在这一思想的指导下，库尔贝积极参加社会的斗争实践。1871年巴黎公社成立后，库尔贝积极支持这个无产阶级自己的政权，并担任了公社革命委员会委员、造型艺术委员会主席、公社第六区顾问、公社驻美术学院代表和教育委员会委员，他以极大的热情投身改造旧制度和建立新的美术趣味的工作。这一切行为使资产阶级恼羞成怒。公社失败后，便以“杀人、煽风点火和招兵买马、篡夺公职并合伙毁坏古迹”的莫须有罪名将他逮捕并处以323091法郎68生丁的罚款，将他所有的作品及财产没收。1877年12月31日库尔贝客死瑞士。

1855年，库尔贝为反对官方美术的虚伪并表明自己的艺术态度，在巴黎世界博览会对面自建了一个小棚子，举办了以“现实主义：库尔贝，他40件作品的展览”为题的个人展览，并发表了《现实主义宣言》，提出“绘画实际上就是具体的艺术，它不是别的，就是对现实的即存事物的描绘”的观点。他企图把他所看到的一切都按照它们原来的样子描摹下来。在这次展览上，库尔贝展出了他的许多重要作品，其中就包括《筛谷的妇女》，这些作品都反映了他企图客观地表现视觉真实的愿望。当有人要他画宗教画中的天使时，他一口回绝，说他无法画出一个他从未见过的长翅膀的人。因为库尔贝的目标是明确的，那就是像他宣言所说的，“我的心愿全然不是要达到为艺术而艺术那个无益的目标，„„要按照我的所见来表达我们时代的风格、思想、面貌，不仅做一名画家，还要做一个人，总之，要创造活生生的艺术这才是我的目标”。正因此，库尔贝在《筛谷的妇女》中真实生动地描绘了一个他所常见到的农村妇女劳动的景象，表现了劳动者特有的健康的美。

舞蹈（油画，260厘米×389．9厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏） 马蒂斯（法国）

亨利·马蒂斯（1869—1954）出生于法国北部的勒·卡图镇，年轻时曾从事法律工作。有一次生病住院，闲来无事读了一本绘画方面的书，使他对美术产生了兴趣，遂立志终身从事美术，这年他21岁。1891年马蒂斯考入巴黎朱理安学院，1895年成为当时著名象征主义画家摩罗的学生。

马蒂斯的艺术主要植根于后印象派，不过经过几个复杂的演变之后，马蒂斯彻底脱离了后印象派，但他更加强了色彩的表现力。从1904年开始，马蒂斯开始形成自己的风格，以强烈的原色对比和粗犷的线条去体现他对客观事物的感觉。传统绘画的透视和明暗手段被他弃置一边，只是在构图上还显示出有秩序的现实境界。也就是在这个时候，马蒂斯又开始了对日本绘画和非洲艺术、阿拉伯图案的借鉴，这使他的艺术日益个人化。马蒂斯不仅把东方的技法（毛笔画）发展到他的创作中来，还利用舞蹈、音乐等多种艺术元素来丰富自己的绘画语言。《舞蹈》创作于1909—1910年。马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。据说，马蒂斯的这个主题可以追溯到希腊的瓶画和民间舞蹈。

（二） 名词解释

审美教育

亦称美育或美感教育，是一种通过美的教育而使人性发展和完善的活动。审美教育的基本内容是：通过具体的审美活动而逐步培养人的正确的美丑观、善恶观、是非观、爱憎观，从而净化人的心灵；逐步培养和提高人鉴赏和创造美的能力，使人的潜能得到更好的发挥。审美教育的特点是寓教于乐，在没有任何强制的过程中潜移默化，最终达到人性的逐步发展和完善。审美教育不应仅仅局限于自然和艺术领域，还应包括社会实践，在社会实践中进一步培养人和现实的审美关系。在西方，柏拉图（Platon，公元前427—公元前347）、亚里士多德（Aristoteles，公元前384—公元前322）开始注意倡导审美教育；在近代，对审美教育给予极大关注的是德国美学家席勒（J．C．F．Schiller，1759—1805），他认为要把人性从自私和腐化中拯救出来，使人的感性冲动和形式冲动（又称理性冲动）协调一致，使不合理的社会变成合理的社会，惟一的途径就是通过审美教育。马克思主义认为，审美教育并非获得人性解放的最终条件，而是人认识世界、改造世界和自身的一个重要手段。因此，审美教育对人的发展具有重要的现实意义。

审美鉴赏力

是指人的一种历史地形成的鉴别、认识和评价现实现象和艺术品之美丑的能力，亦称审美判断力。它是审美主体（人）通过美的创造和美的鉴赏而培养起来的一种能力，具有社会性和个体性差异。从社会性的角度说，任何主体的审美鉴赏力都是受到一定历史发展所提供的可能性的制约，因而具有共同的地方；但是由于主体的生活经验不同、审美修养的不同，审美鉴赏力又表现出个体之间的差异性。它既是依赖于个人审美趣味的单独判断，同时又普遍有效。德国美学家康德（Immanuel Kant，1724—1804）把它归于“先天共通感”。但按照马克思主义美学观，共同的审美鉴赏力是同一社会关系的产物。审美鉴赏力的培养和发展，不但依赖于直接鉴赏经典艺术品，而且还依赖于社会实践，在实践中形成正确的是非、善恶、真伪、美丑观念。

美术分类

美术是人类特有的精神产品，是人类在长期认识和改造世界的过程中，为了更好地生存而以自然和人造材料，通过平面和立体的形式，表达人类思想、情感和意识形态的精神的物质化显现。可以说，有了人类，就有了美术。为了更好地理解美术，人们做出了各种努力。由于美术是由人创造并最终服务于人类，所以自西方文艺复兴时期开始，美术就被归入人文学科，与自然学科并列。在这其中，又由于美术的塑造性而被称之为造型艺术，与表演、诗歌、文学、音乐等艺术并列。但“造型艺术”这个概念也是有局限的，因为像舞蹈、戏剧、艺术体操等表演艺术也同样强调造型性。于是，人们又根据各个艺术门类在时间和空间上的特点而把美术划分在“空间艺术”的范畴之内。

由于美术既是一种具体的社会历史现象又是流动的文化精神形态，其中包含了丰富的美术现象、美术形态和美术门类，同时，美术的创作和鉴赏又是复杂而开放的，与不同时期、社会、历史、种族、文化、观念、心理等有着千丝万缕的联系，所以，从本质上说，任何关于美术的定义、概念和理论都是不完整的，只是我们理解美术的参照。

三、教学建议

(一) 本课包含内容十分丰富，教师应把握住教学重点与难点，在如何进行美术鉴赏上下功夫。

(二)教师可参考案例分析、设问研讨和让学生对具体作品进行全面分析的方法设计教学。

第2课 美术家是如何进行表达的——美术作品的艺术语言

一、教材分析

（一） 教学目标

本课的目的是让学生对美术作品的语言有一个简单而完整的了解，这是开始进入美术鉴赏的基础。在这个基础上再进一步认识不同类型的美术作品在使用美术的语言上有着不同的方式，美术作品由此呈现出千变万化的形式特征和审美意韵。

（二）内容结构

本课主要分为三个部分。 第一部分以中国古代画家吴道子和李思训为例，说明美术家在美术语言的运用上是有差异的。

第二部分“什么是美术作品的艺术语言”，首先从三件具体的美术作品——五代画家顾闳中的工笔重彩人物画《韩熙载夜宴图》、宋代画家梁楷的写意人物画《泼墨仙人图》和美国画家克里福德·斯蒂尔的油画《1954》开始直接的语言辨析，然后进入概念和知识的解释，说明什么是美术语言、美术语言所包含的内容以及三种基本的美术语言形态。

第三部分“美术家是如何运用艺术语言的”，着重对具象艺术、意象艺术和抽象艺术进行具体的辨析，以使学生对这三种基本的美术语言形态有一个初步的了解和认识。

（三） 教学的重点与难点

本课教学的重点在于认识美术的语言，其中包括概念、内容及其形态分类。

本课教学难点，主要在于美术语言既是具体的、可分类的，又包含在整个美术作品之中，因而势必增加学生理解的难度，所以必须结合具体作品，调动学生以往的美术知识，通过多样的美术作品来认识和讲解。

二、教学内容资料

（一） 作品分析

1954（油画，1954年） 克里福德·斯蒂尔（美国）

斯蒂尔（Clyfford Still，1904—1980）生于美国北达科他州的格兰丁市，1935—1941年在斯波坎尼大学和华盛顿州立学院学习，后留校任教。1946—1950年间，斯蒂尔在旧金山的加利福尼亚美术学院任教，随后到纽约生活和教书。从1963年起直到退休，斯蒂尔一直住在马里兰州的威斯特明斯特。1946年，斯蒂尔在本世纪艺术美术馆举办的展览中第一次表明了自己在抽象表现主义中的独特地位。他在这次展览中展出的作品使他成为大型单色绘画的先驱之一，尤其他后来在贝蒂·帕森斯美术馆举办的展览（19

47、1950和1951年）产生了广泛的影响，由此奠定了色场绘画或抽象表现主义的抽象意象主义绘画一派。

斯蒂尔的作品一般都很大，但上面的色彩却很少，只有一两种颜色，它们彼此覆盖，其空间是靠色块之间的空隙来实现的。他以浓重、粗放的大块色彩及其质感创造出巨大而流动的形象。它们转换、变化，打开和封闭了空间，没有开头，也没有结尾。这些色彩主要是黑色、红色或黄色，色彩之间流动、变化，形成一种运动的关系。这里的《1954》是他成熟期的重要作品之一，体现了他的这些风格特征。

韩熙载夜宴图（绢本设色，28．7厘米×335．5厘米，北京故宫博物院藏） 顾闳中（五代）

顾闳中（907—960）是我国五代时期南唐（937—975）的著名人物画家，时任宫廷画院待诏。图中所绘韩熙载（902—970），字叔言，潍州北海（今山东潍坊）人。其父为北唐高官，后在宫廷倾轧中被杀，韩熙载就举家投奔南唐。韩熙载本人学识渊博，不仅熟悉礼法和典章制度，而且诗文、书画、音乐无不精通。投奔南唐政权后，本想一展宏图大略，在政治上有所作为，但由于南唐政权内部同样尔虞我诈，韩熙载一直没有得到重用。而南唐后主李煜对来自北方的政治和军事压力，采取屈膝求和的态度，而对内部，尤其是对来自北方的大臣，则疑心重重，生怕他们会对他的政权不利。因此就有许多人被李煜糊里糊涂地用毒药毒死了。面对这种情景，韩熙载自知已无回天之力，便采取了疏狂纵情、装疯卖傻的态度，以求自保，终日花天酒地、醉生梦死，沉湎于声色之中，不问政事。但李煜仍不放心，不断派人前去打探，甚至让顾闳中去把他看到的都画下来，于是便有了这幅闻名世界的《韩熙载夜宴图》。

在内容上，该画可分为五个部分。左起第一部分为“听乐”。这一段人物最多，描绘韩熙载与众宾客正在屏息静听教坊副使李家明的妹妹演奏琵琶，每个人物的神情都被统一在一个“听”字上。除侍从和歌伎外，有六个主要人物——韩熙载、穿红衣的状元郎杰、坐在几端的太常博士陈致雍、近处背坐的紫微阁大学士朱铣、旁边坐着的回首看客李家明。韩熙载侧身坐在榻上，双手松懈，不经意地垂着，两眼向前凝视着琵琶女，十分倾心她的演奏，一派全神贯注的神情，同时又是那么深沉，琴声似乎使他想起了什么；穿红衣的状元郎杰，左手紧紧抓住膝盖，保持着身体重心，不仅注意力集中，而且身体前倾直盯着琵琶女，不知是被琵琶声倾倒，还是被琵琶女的美貌所迷；李家明与妹妹靠得最近，侧耳回首，两手交叉，专心致志地有点忘我了。在场的每个人物，不论他表现出何种姿态，都被迷人的音乐所陶醉了，心理描写达到了极其传神的境界。

第二段为“观舞”。韩熙载站在红漆羯鼓边，亲自为舞伎王屋山跳“六幺舞”击鼓伴奏。这段中出现的人物，主次分明，有聚有散，有动有静，构图十分和谐。用色也很讲究，既有红与绿的鲜明对比，又有丰富的中间色调。尤其值得注意的是作者对人物心理状态的刻画。例如，韩熙载虽然亲自击鼓助兴，但他自己并不愉快，相反地却流露出一种闷闷不乐的样子，这正反映了韩熙载内心深深的矛盾和痛苦。再如，那个穿黄色袈裟的和尚叫德明，是韩熙载的好朋友，出家人出现在这种声色场所，颇显尴尬，因此并不敢正视舞女，而是看向击鼓的韩熙载，拱手伸指，好像是鼓掌，又好像是行“合十”礼。

第三段为“休息”，描写夜宴中间休息的场面。韩熙载坐在床边，一面洗手，一面和几个女子谈话。他漫不经心，动作迟缓，似乎光顾说话，而忘了洗手；其他宾客也各自在随便闲聊着。

第四段为“清吹”，描写韩熙载和宾客欣赏乐伎演奏笛子和筚篥等管乐的场面。从内容上看，这一段与第一段听乐似有重复，但顾闳中作了不同的处理：第一段人物比较集中紧凑，而这一段，粗看似乎有些松散，画面空间较多，这种较多的空间，正好使人感觉到集体演奏所发出的宏亮而悦耳的声音，有一个回旋的余地，整个画面似乎都回荡着动人的旋律。五个乐伎虽并排在一起演奏，但由于有合有分，且各人的姿态或表情各不相同，丝毫不给人以呆板的感觉。尤见功力的是对五个乐伎的描绘，画家所用的线描，既有粗细、轻重、疾缓之分，又充分显示了衣衫的质感。在用色上，五个乐伎服装的主色调是浅色，由于用红绿两色相互穿插，有对比又有呼应，显得丰富而又统一。至于服装上那些细如毫发的织绣纹样，则更是极尽工细之能事。

第五段为“宴散”。在轻歌曼舞中，不知不觉夜宴结束了，但韩熙载的宾客们似乎余兴未尽，与歌伎们调笑言欢，惟独韩熙载一人独自伫立，神情若有所思。

在这一作品中所画的屏风、床榻，都是既点明室内环境，又起着分割画面的作用，是一种巧妙的构图方法。如画的第四段和第五段之间的屏风，既是一男一女“捉迷藏”的重要工具，又是第四段和第五段的隔断，同时，又起着过渡的作用。韩熙载的形象在全画中共出现了五次，第一次端坐静听，第二次是站着击鼓助兴，第三次是闲坐床边洗手，第四次虽仍是端坐，但以不拘小节、疏狂自放的姿态出现，第五次则孤独伫立，一点儿也不使人觉得重复、单调。而从全画看，韩熙载始终流露出一种沉郁寡欢的表情，其相貌特征和内在气质都非常统一，不但反映了韩熙载在统治阶级内部矛盾激化的情况下，强颜欢笑的矛盾心理和内心的苦闷，更突出地说明了顾闳中高超的肖像画水平。

维纳斯的诞生(油画，1485年) 波提切利(意大利)

桑德罗·波提切利(1445—1510)欧洲文艺复兴时期意大利的杰出画家。早于达·芬奇7年出生于佛罗伦萨的一个手工业者的家庭。14岁时开始跟随僧侣画家利比学画达7年之久。其后个人独立作画，多为宗教题材和古代神话故事题材，但他创作的作品如《三王韩拜》(圣经故事，约1475年)、《圣母颂》(圣经故事，约1482年)，《维纳斯的诞生》(神话故事，约1485年，一说1482年)、《春》(神话故事，约1487年)等代表作品，则是用人文主义思想，表现了充满诗意柔情的世俗的情感与精神。在技法上重视写实，巧妙地将人物和风景结合起来，其人体解剖和透视均已达到很高的水平，成为佛罗伦萨画派的杰出代表。

《维纳斯的诞生》是波提切利中年时斯创作的取材于文学作品的古希腊神话故事画。表现美和爱的女神从爱琴海中诞生，风神将她吹到岸边，受到春神欢迎的情景。作者按古代希腊人的想象，将维纳期画成一诞生便是美丽少女的形象，布置于画的居中位置，她赤裸着身体，站在象征她诞生之源的贝壳之上。画面左边，飞翔于空中的是风神，在鼓腮吹风，维纳斯被风吹动，飘向岸边。右侧站在岸边上的少女是春神，正在举起红色的衣服准备给维纳斯披上。岸边树木密布，空中花瓣纷飞，然而维纳斯却是神情忧郁、眼神茫然地看着前方，表现了美神来到人间世界缺乏信心，对未来充满惆怅的心情。艺术家如此处理维纳斯，实际上是反映了画家对现实的不安。美术史家迟轲是这样评论的：“洋溢着青春生命的肉体、美丽娇艳的鲜花，在当时是作为向宗教禁欲主义挑战的形象，不少画家钟爱它们，正表现了文艺复兴时期人们追求现在幸福的一种愿望。可是，值得注意的是，波提切利笔下的维纳斯还有其特殊的风致。这个被认为美术史上最优雅的裸体，并不像后来某些威尼斯画家所倾心的那种华丽丰艳、生命力过剩的少妇。相反，她却是纤长而略显柔弱，身体虽是已经成熟的妇女，而面容却带有一种无邪的稚气。特别耐人寻思的是她的一双出神的大眼，似乎在单纯无知中含有某些迷茫和哀伤。她像是一个初落人世的婴儿，惊讶得发呆，可是又似预感到某些未知的苦难和不幸。这种迷惘而略带忧伤的神色，„„反映出画家的思想和信念。”这是因为画家创作该画时，佛罗伦萨刚发生过政局的动荡，时事的变动在画家心中留下影响的反映。

该画以流畅的细线勾勒出形体的优美轮廓，用明朗的色调和柔和的色彩表现出优雅、圣洁和含蓄的美。此画作于1485年，早于达·芬奇《蒙娜丽莎》18年之多，是达·芬奇之前文艺复兴的代表作。

我们从画面中所获得的一切感受，就是画家用线条和色彩构成的形象所反映出来的，离开这些艺术语言，便无从获得感知。 泼墨仙人图（中国画） 梁楷（宋）

梁楷（生卒年不详），祖居东平（今山东），南渡后客居钱塘（今杭州），宋宁宗嘉泰年间（1201—1204）为画院待诏。善人物山水、鬼神道释，亦能花鸟。他生活放纵不羁、嗜酒如命，又喜与和尚交往。传说朝廷鉴于他在画坛上的声望而赐他金带，而他却挂带而去，世称“梁疯子”。

《泼墨仙人图》是梁楷的代表作，充分体现出他所最具个性的“简笔画”泼墨画法。此种画法笔墨酣畅、行笔如飞、一挥而就，容不得画家有一丝的犹豫。这种画法更讲究高度的概括力和对精神气质的把握，这就需要画家要有深厚的生活积累和对笔墨的高度锤炼。这幅画着笔不多，衣服大笔横卧刷出，在水墨淋漓中见出笔致，虽寥寥数笔，但黑白、干湿、浓淡的“六彩”具备，衣袖的凹凸明暗，显得极其生动而空灵，通过墨色的变化造成视觉上的扑朔迷离，真是笔简神具、得之自然，深得简略闲逸之气。梁楷在仙人的面部上作了极度的夸张，让仙人的眉眼口鼻都集中在一起，留出一块大大的前额和秃头，又让他袒胸露腹，蹒跚地向前行进，活灵活现地创造了一个烂醉如泥、憨态可拘的仙人形象。画面用几笔刷出衣服的感觉，仅眉目处用细笔稍加勾勒，以浓破淡，用墨色浓淡显现质感，淡墨的自然渗透形成透明感，笔势创造了运动感，人物形象饱满、浑厚，充满活力，给人以美的享受。

搜尽奇峰打草稿(中国画) 石涛(清)

石涛(1642—1707)本姓朱，名若极。广西全州人，明藩静江王后裔。明亡，其年尚幼便削发为僧，法名原济(一作元济)，字石涛，别号有大涤子、清湘老人、苦瓜和尚、瞎尊者等。早年喜山水，曾云游四方，屡登庐山、黄山。曾流寓宣城十年，晚年定居扬州。石涛才华横溢，擅画，山水、花鸟、人物皆能。其画，构图新颖，笔墨雄健，画风沉郁豪放。石涛的艺术理论造诣高深，著有《苦瓜和尚画语录》，是一部罕有与其匹配的理论巨著。在清初崇尚古人、仿古画风弥漫画坛之时，他提出“搜尽奇峰打草稿”、“吾自用吾法”、“笔墨当随时代”等艺术主张，引领艺术家面向生活走艺术创新之路，其理论影响至今。

《搜尽奇峰打草稿》是该画上的题款，后人以此题款作为该画的标题。石涛在许多画中的题款书写的往往是自己的艺术主张。

石涛此画并非要再现某处具体之山景，而是正如题款所写的，是他游历各处名山大川、胸中搜尽奇峰打草稿之后，对山水风景的意象表现。在这横幅画面上，布置着断壁悬崖、曲折路径、层峦叠嶂、云气飘浮、低矮缓坡、小溪流转、杂树纷呈、长草丛生，构成了让我们感到很真实的山水气象。

在这幅作品中，画家用不同墨色的点线与多种点勾皴之法，很好地表现了山体裸露的岩层、植被、土坡、苇草、石块以及各种树木等形象和空间关系，以及山的巍峨、景的秀丽。此画不仅给人以山水之美的感受，还可从其笔墨的酣畅豪放、笔力的老到浑厚以及总体构成的圆浑统一中领悟笔墨艺术的形式美感。

荷拉斯兄弟宣誓（油画，330厘米×425厘米，1784年，巴黎卢浮宫藏） 达维特（法国）

达维特（Jacques-Louis David，1748—1825）出生在巴黎一个服饰用品商的家里，9岁成为孤儿，由他的叔父比隆抚养。皇家建筑学院秘书塞代作为他的叔父为了培养他，送他去他们的朋友、当时著名的画家布歇那里学画。虽然布歇对他的速写印象深刻，却无暇执教，而把他推荐给了学院派画家维恩做学生。1766年秋达维特开始了在学院的学习，通过临摹雕塑品和研究古典绘画，他逐步掌握了学院派的一般规律，随后也加入了罗马大奖的角逐。好像是命运要考验他一样，达维特经过了痛苦的四次失败后，第五次才于1775年夺得了盼望已久的罗马大奖。适逢此时他的老师维恩被任命为罗马法兰西学院的院长，于是他们师徒一起赴意。

1780年达维特学成归国。1782年达维特结婚，也许他的婚姻是经过慎重考虑的，因为他的岳父既有钱又有地位，这对他的事业有帮助。果然，不久他就通过其岳父得到了官方的一个订件。为了完成这幅画，他携妻子和学生再赴罗马，用11个月的时间完成了这件作品，这就是著名的《荷拉斯兄弟宣誓》。

此作的叙事性是明显的，它描绘了一个罗马历史学家记录的一个历史故事：在建立共和制的斗争中，罗马人与邻近的阿尔巴人发生战争，战争持续了多年未分胜负，最后双方决定各选三人以决胜负，败者则臣服对方。罗马人荷拉斯三兄弟被选出与阿尔巴的加里亚斯三兄弟决斗，但他们其中之一却是荷拉斯的姐妹荷拉蒂娅的未婚夫，而小荷拉斯的妻子则是加里亚斯兄弟的一个同胞姐妹。经过一番思想斗争，他们决定为了国家的利益大义灭亲。战斗开始了，荷拉斯兄弟杀死了加里亚斯三兄弟，但回来后却遭到自己姐妹的指责，一怒之下便又杀死了自己的姐妹。国王对此称赞道：“你们的美德使你们的荣耀超过你们的罪过。”在这里，大卫选择了出征前宣誓的场面，老荷拉斯以正式的仪式把代表了果敢、力量和决心的剑交与三兄弟，而三兄弟两腿叉开、平伸手臂，似乎他们接过利剑就毫不犹豫地立即奔赴沙场去消灭敌人。整个画面像是舞台剧一样在一个平面上展开，战士的坚强有力是前所未有的，但角落里的女士们却仍反映了格瑞兹那种伤感剧的场面，当然在这里却意义不同。这个“伤感的角落”一方面缓和了画面的紧张，不使宣誓变成一种滑稽的做作，而具有真实感；另一方面则反衬出战士们的勇敢和冷酷的决心，从而赞美了英雄主义和刚毅果敢的精神，鼓励人们为了正义的事业要敢于牺牲一切。

作品完成后立刻引起了轰动，当地人不仅接连不断地去画室参观此作，甚至他们还邀请达维特定居意大利。但达维持坚信，他的事业在祖国。然而这幅画运回国内后却为官方所否定，并禁止此画公开展出，经过画家及他的朋友们的努力之后才被允许在1789年的沙龙上展出。经历大革命洗礼的巴黎人立即为画中的爱国精神所感动，他们把它看作是一面旗帜，一个废除旧制度、誓死保卫共和国的象征。作为一面旗帜和象征，此作在艺术上的意义更为深远，它也使画家本人看到了艺术的社会作用。

簪花仕女图（绢本设色，46厘米×180厘米，辽宁省博物馆藏） 周（唐）

繁荣的唐代艺术，以人物画为主流，一时名家辈出，周就是当时以人物画驰名的丹青名家。周曾学张萱，但青出于蓝而胜于蓝，独创了“周家样”。这种“周家样”突出地表现在他著名的“水月观音”佛教造像中。除此之外，周的艺术成就还体现在他表现宫廷生活和贵族仕女的题材中。《唐朝名画录》中将其作品评为“神品”，尤其称赞其仕女画是“古今冠绝”。

其名作《簪花仕女图》就表现出这样的“冠绝”之处。这件作品取材于宫廷妇女的生活，真实地画下了宫廷贵妇们百无聊赖的富贵生活，把贵妇们曲眉明眸、体态丰腴、浓丽华贵的形象描绘得真实传神。她们簪花、赏花、戏犬、漫步，舒适悠闲的生活掩饰不住寥落的心情，正如宋人苏轼在《周画美人歌》中所写的“深宫美人百不知，饮酒食肉事游戏”。构图处理独具匠心，画中“绮罗人物”共六人，景物单纯，以人物为主，湖石、玉兰、小犬和鹤加以衬托，以采花、扑蝶、赏鹤、戏犬四段组成连续性的情节，这就增加了生活的容量和画面的寓意。从人物比例看，四个主要人物占据主位，两个侍女较小，使主次分明，既体现出尊卑和透视关系，又照顾到构图变化。此外，作品还在构图上首尾呼应，两端人物面部向内，中间则向外，对称和谐，再通过景物的穿插形成画面的节奏感，使整个画面在单纯中而有变化。

蓝马(油画，1911年) 马克(德国)

此图为马克的代表作之一。画家运用响亮的蓝色描绘出几匹不同形态的马，形体刻画简洁洗练，造型雄健强壮，马匹的轮廓呈有力的弧线，与背景的山峰的起伏和流云的走势形成一组活泼跌宕的流动曲线，使画面和谐统一，宛如一首雄浑激越的协奏曲。

从1910年开始，马克逐渐形成了自己的绘画风格。他喜爱画动物，尤其是喜欢画马，他主张在绘画中要用动物的眼睛去观察世界，排除人的理性与逻辑，描绘纯粹的感觉。

虾（中国画，1946年） 齐白石

作者简介请参照第14课相关内容。

齐白石兼擅诗、画、印各艺，在绘画上则以花鸟虫鱼闻名。其花鸟画继承徐渭、八大、石涛、金农、吴昌硕诸家笔墨精神，又融入民间艺术清新质朴的审美趣味。他以一个农民的本色和淳朴的情怀，运用老辣生涩的笔墨，突破了传统文人画和民间画工的局限，将二者有机地结合到一起，使作品呈现出明快、清新和诙谐的趣味和生命力。尤其是他的虾，更以笔墨洗练、形象生动见长，受到广大人民的喜爱。

齐白石依据真虾总结出极为简练的画法，使其所画之虾又不同于真虾。真虾的眼睛看上去是一个小点，他却以浓墨横笔将虾眼画得非常突出，显得极为精神；真虾的腿有很多，他删繁就简，仅画五条，就显得多而生动。所以他画的虾，既让人感到是充满生命力的在觅食游动的活虾，又让人体会到苍劲有力的笔法和浓淡干湿变化的墨色的艺术美感。他的这种高超技艺得到了举世称赞。

走下楼梯的裸女（油画，147．3厘米×88．9厘米，1912年，美国费城艺术博物馆，路易斯和沃尔特·阿伦斯堡藏） 杜尚（法国）

杜尚（Marcel Duchamp，1887—1968）生于法国布兰维尔附近，是西方现代艺术中最有争议和最有影响的一个人物。他在校时天资聪颖，在各个方面均表现了对绘画的爱好。1904年去巴黎朱理安美术学院学画。初期主要仿效新印象主义、野兽派和塞尚画风。1911年起，染指立体主义和未来主义的实验，创作了一幅属于他早期的代表作《走下楼梯的裸女》，该作品表现了他对如何在静止的画面上展示连续运动过程的兴趣。杜尚把这幅画送交第28届独立画展时，被评委拒绝，说它是对未来主义和立体主义绘画的讽刺，而且超出了人们所能忍受的限度。1913年，杜尚的《走下楼梯的裸女》第一次在纽约的军械库展览中向观众露面，受到了极大的攻击，被认为是“木瓦工厂里的一场爆炸”，它得到了“一种引起公愤的成功”。这样的攻击引起了人们更多的关注，据估计，有记载的参观者就有25万人之多，人们大都是冲着这幅画去的。

红、黑、黄、蓝构成（油画，1922年） 蒙德里安（荷兰）

1920年，风格派最有影响的画家和理论家蒙德里安（Piet Mondrian，1872—1944）发表了自己的著作《新造型主义》，介绍了自己的观点和理论。他认为现代人与自然的距离已相去甚远，他的生活变得越来越抽象。当人类把对外部世界的注意力转向内心时，只有一种深刻的内省才符合时代的精神。这样“作为人的心理的一种纯粹的再现，艺术将以一种经过审美意识纯化的，也即是说，一种抽象的形式表现出来”。在蒙德里安看来，抽象的、无个性和情感的艺术，才是最纯粹的艺术。他把这种艺术称之为“新造型主义”（Neoplasticism）。

蒙德里安在1942年曾这样叙述：“立体主义不承认自己所发现的合乎逻辑的结论：他们并不把抽象发展成自己的最终目标，去表现纯粹的真实性。我觉得，惟有纯造型性（造型主义，Plasticism）才能完成这一点。”这里面强调的“造型性”和“真实性”，概括了他毕生的追求。对他来说，“造型的表现”大体上是指形式和色彩的作用。“真实性”或者叫“新真实性”是指造型表现或者绘画形式和色彩的真实，反对以模仿自然浪漫主义或表现联想为基础的那种幻觉的真实性。蒙德里安总是通过“对立的等式”去寻求统一性，以表现他在人类和宇宙里所感觉到的高度神秘。他的最终目的，并不是通过消除可以辨认的主题去创造抽象的结构。

1917年，“新造型主义”的另一个理论家杜斯堡（Theo van Doesburg，1881—1931）就已创办了《风格》期刊，它鼓吹“传统绝对地贬值，„„揭露抒情和感情的整个骗局”，强调艺术需要“抽象和简化”，即必须以数学般的结构反对印象主义和所有的“巴洛克”艺术形式。杜斯堡比蒙德里安更早地认识到了直线的至高无上的价值和地位，他甚至想给杂志取名《直线》。但是在1918年蒙德里安加入之后，他们的目标才更明确起来。这年11月，他们和另一些艺术家一起发布了第一个“宣言”，要求生活、艺术和文化在理性的基础上实现世界的统一。他们企图以最简洁的直线、矩形或方块，色彩上的红、黄、蓝，以及中性的黑白灰来表现“纯洁性、必然性和规律性”。“新造型主义”的这种观念来自两个方面，一是数学家绍恩马克斯博士的新柏拉图哲学，即他的《世界的新形象》（1915）和《造型数学原理》（1916）；一是柏拉吉和赖特的“包容”建筑观念。绍恩马克斯在《世界的新形象》一书中指出：“正交”是宇宙中最优越的形式，“形成我们地球的两个根本的完全相反的东西是力的水平线，那是地球环绕太阳运行的原因，和垂直并源于太阳中心的光线的奥妙的空间运动”。他接着论述了色彩问题：“三原色是最基本的，黄、蓝、红，它们是惟一存在的颜色，„„黄色是光线的运动，„„蓝色是天空的颜色，它是线，水平线，红色是黄色和蓝色的伙伴，„„黄色放射，蓝色‘后退’，而红色悬浮。”

这些观念奠定了“新造型主义”理论和艺术的基础。我们在他们的作品，尤其是蒙德里安的作品中，可以看到他们几乎一丝不苟地执行了这样的理论。对直线表现的简洁性，以及垂直—水平关系的神秘性的研究，成为蒙德里安的毕生追求，并以之作为他艺术的终极目的。《红、黑、黄、蓝构成》就是反映他的追求的成熟期的代表作之一。蒙德里安的这种追求如此之坚定，以至当杜斯堡放弃了他一直追求的矩形—直线表现要素，而将之置于一个45度角以造成一种更有动感的表现形式时，蒙德里安与他决裂了。

牛顿色盘（油画，100厘米×73．7厘米，1912年，美国费城艺术博物馆，路易斯和沃尔特·阿伦斯堡藏） 库普卡（捷克）

以毕加索为首的立体主义，当时被公认为是“正统的”（或称“原发的”、“经典的”），但根据诗人和立体主义理论家阿波利奈尔的说法，实际上它已被分化成四股力量，其中“奥尔甫斯主义”即是其中之一。奥尔甫斯（Orpheus）这个词，法语的意思是“同时的”，奥尔甫斯主义即指描绘事物在同一时间内的不同方面，也即光与色的同时性，故又称“奥尔甫斯立体主义”（Orpheus-Cubism）。这一基本原则构成了奥尔甫斯主义内在的生命力。艺术评论家阿波利奈尔选择了“奥尔甫斯主义”（Orphism）一词来形容他认为属于这一倾向的那些艺术家的作品，这些人包括：马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp，1887—1968）、弗朗西斯·毕卡比亚（Francis Picabia，1879—1953）、费尔南德·莱热（Fernand Léger，1881—1955）、罗伯特·德劳内（Robert Delaunay，1885—1941）以及库普卡（Frantisek Kupka，1871—1957）等，意在表明，一种完全弃绝具象表现而代之以纯色彩或色彩造型来传达情感的新艺术即将出现。

阿波利奈尔曾这样评价奥尔甫斯主义：“这种艺术在描绘新的结构时，不是根据来自视觉领域的因素，而是根据完全由艺术家本人所创造的因素，并且使这种因素具有充分的真实性。奥尔甫斯艺术家的作品必须给人一种纯粹的审美乐趣，给人一种清晰明确的结构，同时又给人一种崇高的意义，亦即主题。这就是纯艺术。”事实上，阿波利奈尔在使用“纯艺术”一词时，并非指我们仅从字面上来理解的那种纯抽象的艺术，他仅仅是以此来界定那些并非完全以再现性的手法来描绘物象的表现形式，一种艺术家主观创造的“清晰明确的结构”。在1912年以前的这些画家的作品中，几乎还没有具备后来人们狭义地理解完全典型的奥尔甫斯性质的作品，它们只是在广义的“抽象的”意义上与这一运动保持着联系。

库普卡生于捷克的奥波奇诺，年轻时曾在一个马具店做学徒，而老板则是当地一个著名的唯灵论者，这也影响到了库普卡，使他对神鬼之事和通神学发生了兴趣。这一直影响他一生，并充分反映在他作品中。库普卡后来去布拉格学习绘画，1892年又来到维也纳。在这期间他逐步形成了自己的想法，认为“艺术家必须找到一种方式，使他可以把一切运动的物理特性和他的内心生活状态表现出来，并藉此抓住一切抽象的东西”。实际上，库普卡早在1909年就开始了抽象艺术的探索。这一年他在《第一步》一画中最早制作了一个彩色球体的抽象图案，暗示行星围绕着太阳旋转。他的这一主题在随后的《不定形》中继续发展，在1912年的《牛顿色盘》中达到完善，使之呈现出一个转动色环的、振动的抽象世界。他在这里创造的正反映了当时前卫理论家的共识，即艺术与现实和文学叙事无关，而是应像音乐一样以自己的方式表现。

（二）名词解释

明暗

明暗是自然界中的物理现象，即物体因受光而产生明暗上的变化。“明暗”在中国传统中往往以“阴阳”来描述，尽管“阴阳”原本是一个哲学概念，但也可以用在美术中来指事物一明一暗或一黑一白两个对立统一的方面。而在西方，在古希腊的时候艺术家就已经有了关于明暗的意识，但直到14世纪文艺复兴时期西方艺术家才开始对明暗进行了全面的研究，并把它作为美术中重要的语汇加以运用。尤其在文艺复兴盛期意大利画家达·芬奇系统地提出了“明暗造型法”之后，它就逐步成为西方艺术中塑造形体及其立体感和空间感的重要语言方式了。

但需要注意的是，中西方对于“明暗”的认识是不同的，因而其表现也就不同。西方艺术是以绝对的观念来看待明暗，因此事物必须“绝对地”处于光线的照射之下，其立体感、空间感和色彩的变化由此而产生。而中国艺术以“阴阳”的观念来看待事物，因此其明与暗也是相对的，它较之西方艺术中的明暗关系就更加自由。这样，明暗作为一种语言方式就形成了中西两种不同的语言面貌。

空间

空间也是事物客观存在的一种自然状态，一切事物不论大小都具有一个生存的独立空间，它在物理上具有三维性（即长、宽、高，或者说上下、左右、纵深）特征，但在美术作品（尤其是绘画）中却因为艺术家的主观表现而具有多维性。一般来说，绘画的空间是二维的，雕塑和建筑的空间则是三维的，所以它们呈现空间的方式就不同。尤其是绘画要在二维的平面上表现出三维的感觉，以给人造成真实的幻觉（所以写实绘画又称“幻觉艺术”）。但这样，绘画也可以利用这种特点来建立多维的空间，而且不同类型的艺术创造空间的方式也不同。但不管怎样，它们都是使用同样的手段——明暗、透视、色彩等。

透视

透视是表现空间的一个重要手段，其目的是要在一个相对独立的环境中把对象“合理”地表现出来。但在不同的文化下对透视的认识也是不同的。西方自文艺复兴开始就以科学的态度来认识和研究透视，形成了自己的透视观。它表现透视的方法一是几何透视，即利用形体的几何形变化来形成透视空间；二是视觉透视，即利用事物的浓淡和色彩冷暖变化来产生空间透视的感觉；三是焦点透视，即利用事物向一个中心聚焦的办法产生透视空间。而中国的办法就不同，中国艺术采用移动的视点，因而形成了所谓的“散点透视”，即不同事物同时出现在同一画面之中，通过其相互关系形成透视空间。

构图

构图就是按照艺术家的需要把一些形象安排在一起，使之形成有机的联系，以表达艺术家的某种意图。但是这种“安排”不是任意的，而是有规则的。在西方，自文艺复兴时期开始就有许多艺术家和学者对美术中的构图进行系统研究，形成了一门构图学，专门研究构图对于形象呈现的作用。在中国，20世纪以来也逐步建立起对构图的研究工作，尤其是对中国传统美术中的构图的研究，形成了一批突出的成果。

肌理

是造型艺术特有的美感特征，因所用工具或材料的不同而表现出不同的感觉。例如油画和中国画的肌理就因为使用了不同的工具和材料而不同。另外在许多当代艺术作品中已有对现实中的各种材料的大量使用，就形成了各种肌理效果。它之成为美术的语言之一，就在于不同工具和材料所表现出来的美感特征已成为艺术家进行各种情感和观念表达的重要组成部分之一。 具象

从字面上说，所谓“具象”就是有具体的形象，但这样解释并不确切。在英语中，“具象艺术”被表述为figurative art，意思是“比喻的艺术”或“用图形表现的艺术”，这表明“具象艺术”就是用和我们所见到的事物相类似的图形来代替或比喻这些客观事物。显然，这种图形不是空想出来的，它必须是来自于客观事物本身，它的目的是要让我们看出它所代替或比喻的那个事物。为了做到这一点，具象艺术采取了模仿的办法，并且为了使模仿成功又创造出一系列诸如透视、解剖、明暗、比例等方法，这样，具象艺术就成为一种艺术家尽量放弃自身去接近客观事物的艺术了，这是“具象艺术”的最初或者说最本源的意思。至于以后，就有了各种各样的具象艺术。

意象

从字面上说，所谓“意象”即“意欲之象”、“意念之象”，或者说“主观之象”，就是艺术家所感觉到的或想要表达的事物的样子，这两个方面基本上可以让我们去观看或鉴别所有的“意象艺术”了。从这方面说，意象艺术家就不是尽量放弃自己去接近或模仿客观事物，恰恰相反，他要与客观对象保持相当的距离，因为只有在一定的距离上他才能独立于他所表现的对象，并产生他自己的“意象”。但从此可以看出，意象艺术的前提还是依赖于客观对象的，这一点和抽象艺术就不同。

抽象

所谓“抽象”是与“具象”相对而言的，一般人按照字面的意思去理解，以为抽象就是把具体可感的客观形象抽去，事实并非完全如此，因为抽象艺术中有的是对客观形象的简化和抽离，而有的则与客观形象完全无关。所以有人认为“抽象艺术”这个概念并不准确，他们就从抽象艺术与具象艺术相对的角度出发称抽象艺术为“非具象艺术”（non-figurative art）或“非客观艺术”（non-objective art）。不过出于习惯，人们仍将不表现任何客观形象的艺术统称为抽象艺术。

三、教学建议

本课因知识容量大、理论性强，教学难度比较大，因此对教学提出以下建议：

(一) 认真钻研教材，透彻领会教材。教材是基础，是学生必须掌握的基本知识，教师应根据教材把握它的基本精神，才能更有效地传授各知识点。

(二) 理解相关概念是本课教学的一个重要方面。这个方面要放到课文的整体精神和结构中去才能有利于教学的深入。

(三)多借助本课或相关美术作品进行教学，这样可以使学生有更形象的认识，而不致陷入概念之中。

四、参考书目 《艺术问题》，［美］苏珊·朗格著，中国社会科学出版社，1983年

《艺术的真谛》，［英］赫伯特·里德著，辽宁人民出版社，1987年

《美术概论》，王宏建、袁宝林主编，高等教育出版社，1994年

《中国大百科全书·美术卷》，中国大百科全书出版社，1990年

《艺术风格学》，［瑞士］沃尔夫林著，辽宁人民出版社，1987年

第3课 如实地再现客观世界——走进具象艺术

一、教材分析

（一） 教学目标

从本课开始，具体了解三种主要的美术类型（具象艺术、意象艺术和抽象艺术）及其相关的问题。本课的目的是让学生对具象艺术有更加深入、具体的认识，其中主要包括：

1．具象艺术的特点是什么？

2．具象艺术是如何塑造典型人物和典型环境的？

3．具象艺术有哪些功能？

通过这几个方面的教学，使学生更进一步地了解具象艺术的语言、形象特征，并能初步掌握辨识具象艺术的能力。

（二）内容结构

本课主要分为四个部分。

第一部分以中国古代画家黄筌，以及古希腊画家宙克斯和帕尔哈西奥斯之间的比赛为例，说明具象艺术在人类历史上具有悠久的历史，并由此引出具象艺术的特点。

第二部分“具象艺术的特点是什么？它有什么作用？”着重通过几件作品具体解释具象艺术的三个主要特点：1．视觉真实性或客观性，即具象艺术是以客观世界为表现对象，并且把对象表现得就像我们所看到的一样真实；2.艺术形象的典型性，即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念的；3.情节性或叙事性，即具象艺术中往往蕴涵着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。由于具象艺术的这些特点，因此除艺术所共同的审美功能外，它还具有记录的功能和社会干预的功能。

第三部分“怎样鉴赏具象艺术？”这里既运用了美术鉴赏的一般方法和过程，又特别兼及了对具象艺术的鉴赏特征，从肖像艺术和主题性艺术两大分类中分别说明对具象艺术的鉴赏方法。这里涉及到了具象艺术的典型性问题，主要是典型形象和典型环境，这两个概念下面将作具体解释。

第四部分“如何评价具象艺术的意义？”主要是从具象艺术的功能——社会记录和社会干预的角度来说明的，这两个功能是它区别于其他类型的艺术的主要特征。具象艺术的意义主要就来自于此。

（三） 教学的重点与难点

由于本课教学的目的是要使学生对具象艺术有进一步的了解，因此重点就在于对其三个主要特点及其功能的讲解，以及对美术鉴赏方法的具体运用，并进而认识具象艺术的意义。

本课教学难点，主要在于分辨具象艺术的能动性，即具象艺术以其对艺术形象的典型性处理——对典型形象和典型环境的塑造而区别于摄影。正因为这样，具象艺术不是被动地模拟(尽管它要“如实”地再现)现实，而是对现实的能动反映，这就要把具象艺术与艺术家对艺术形象的典型处理结合起来讲解和鉴赏，因为这些形象都服务于艺术家的不同目的。

二、教学内容资料

（一） 作品分析

写生珍禽图（绢本设色，415厘米×70厘米，北京故宫博物院藏） 黄筌（五代）

黄荃，四川成都人氏。前蜀王衍时，选入画院为翰林待诏，后蜀时孟昶让他主管画院，佩紫金袋。传世作品《写生珍禽图》，传为黄荃给他的儿子居宝作画用的一幅课图稿本，画面描绘了、麻雀、鸠、蜡嘴、蚱蜢、蝉、蜜蜂、牵牛等禽鸟、昆虫24只之多，还有大小龟两只，平列而绘，大小间杂，信手画来，不求章法，各自独立存在，是一幅写生作品，勾勒精细，神态毕现，栩栩如生，情趣盎然。

清明上河图（绢本设色，24.8厘米×528.7厘米，北京故宫博物院藏） 张择端（宋）

张择端(生卒年不详)，是北宋末年画家，字正道，东武人（今山东诸城县人）。幼年时喜好读书，青年游学京师，后习绘画。工于界面，尤善于画舟车、建筑物等现实生活题材。曾画有《西湖争标图》和《清明上河图》。后者至今尚存，是一幅具有重大历史价值和艺术价值的风俗画长卷。

《清明上河图》生动反映了北宋都城汴梁的繁盛景象。内容结构大体分为三段，开首为郊野风光，中段是以虹桥为中心的汴河（当时俗称“上河”，是当时国家的漕运枢纽，南北商业交通要道）及其两岸船车运输、手工业生产和商业贸易等紧张忙碌的活动，后段为市区街道纵横交错、店铺鳞次栉比、人流如潮、车水马龙的繁华场面。作者对于纷繁复杂的社会生活现象，根据自己对生活的细致观察和理解，从反映当时的社会动态和人民生活状况的主题需要出发，选择那些具有形象性又具有时代特点的事物及情节加以表现，如载运江南粮米财物的漕船，与北方经济交流的骆驼队，以及各阶层人物的活动。其中有力夫、纤夫、小贩、市民，还有少数官宦人家的上流社会人物。整个画面有静场、有高潮，跌宕有序。船过虹桥的场面安排在全卷近中央的位置，是画面最精彩的部分，也是最紧张的场面。桥下河面水深流急，为使漕船过桥，船工情绪激动紧张，有的撑船，有的掌舵，放桅杆的、掷缆绳的、呼喊指挥的，加上桥上的人为之奔走呼号，显得人声鼎沸，热闹非凡。

《清明上河图》在整个画面的构图方面显示了卓越的艺术才能。中国绘图传统的“散点透视”得到了天才的运用，使丰富的内容和复杂的场面，通过中国传统的长卷形式，得到了集中而又生动的表现。画面组织讲究内在联系，严密紧凑，如同一气呵成，具有很高的艺术成就，在世界绘画史上占有重要的地位。

这里需要说明的是，关于《清明上河图》这一题目中的“清明”一词的解释，历来就有不同的说法，多数学者认为是“清明时节”的意思，即此画是描绘北宋首都清明节的景象。但也有人通过考证，认为“清明”是汴梁郊外的一处地名；又有人根据此画中出现了河岸小贩桌上摆着切开的西瓜，有裸着下身在街头嬉戏的儿童，还有十多人挥动扇子，说明这些都不是北方清明时节的征候。所以，有人认为，“清明”并非指清明节，而是如《后汉书》中有“固幸得生于清明之世”句中所说的“清明”，乃是画家张择端称颂当时北宋首都的太平盛世，所以，此画描绘的不是春景而是秋景。这些说法虽然还未取得学者们的认可，但是，从中可以体会到对一幅名画的理解，将会随着人们的认识而不断深化。

张择端的《清明上河图》是帝王权贵巧取豪夺的珍宝。南宋末年，长卷落入奸相贾似道手里；明代奸臣严嵩父子为谋取这幅长卷竟兴起大狱株连无辜；明清两朝，此长卷均归皇室珍藏；民国初年，被溥仪盗出关外，解放后，始得回归人民手中，现藏北京故宫博物院。

王时敏像(中国画) 曾鲸(明)

曾鲸(1568—1650，一作1564—1647，又作1567—1649)，字波臣，莆田(今福建莆田)人。曾在浙江杭州、乌镇、宁波、余姚一带从事绘画活动。晚年流寓金陵(今南京)。擅人像写真，是明末最有影响的肖像画家。其弟子众多，被称为“波臣派”。与曾鲸同时代的姜绍书在《无声诗史》中评说其画“写照如镜取影，妙得神情，其傅色淹润，点晴生动。虽在楮素，盼睐颦笑，咄咄逼真，虽周之貌赵郎，不是过也。若轩冕之英，岩壑之俊，闺房之秀，方外之中，一经传写，妍媸唯肖。”论及曾鲸作画说：“然对面时，精心体会，人我都忘，每图一像，烘染数十层，必匠心而后止。其独步艺林，倾动遐迩，非偶然也。”正因为曾鲸“每图一像，烘染数十层”之画法，有的理论家认为他是吸收西洋画法，其理由是：明代神宗皇帝时，有欧洲传教士利玛窦及其后的罗儒望、汤若望等传教士来华，将西洋绘画作品携入中国，故曾鲸是受西洋画法之影响。然而与之相反的看法认为他是传统画，清初张庚在《国朝画征录》就说过：“写真有两派，一重墨骨，墨骨既成，然后傅彩，以取气色之老少，其精神早传于墨骨中矣。此，闽中波匠派也。一略用淡墨勾出五官部位之大意，全用粉彩渲染。此，江南画家之传法，而曾氏善矣。”可见曾鲸并未受西画影响，是传统的中国画法，只不过他比前人更注重面部凹凸的渲染的精致和傅彩的厚重感。

《王时敏像》作于明代万历四十四年，曾鲸50岁左右，正是他的艺术成熟时期的作品。画中人物是明末王时敏青年时期的肖像。王时敏少年时中进士，崇祯时曾任太常寺少卿。清入关后，拒绝做官，潜心诗文书画，其后以山水画的卓越成就被列为清初画家“四王”之首。该画所绘29岁的王时敏，手持拂尘，盘坐于蒲团之上，面庞清秀，神态端庄，双目有神，聪慧倜傥，一位富有才华的青年文士跃然于绢面之上。

其画法是先用墨线勾出轮郭和五官，再以“凹凸法”淡墨层层烘染五官结构，最后再用淡赭傅彩，很好地表现了面部结构与质感。衣着则用洗练的墨线勾勒，笔法流畅。其衣纹线条依靠长短变化和起承转折，合理地表现出服装和身体的结构关系，并形成富有节奏的优美的韵律感。墨线上稍用淡赭复勾，使之丰富有厚度，又与面部淡赭有呼应，形成谐调统一。衣领和内衣则施以白粉，成功地表现了气质高洁的青年文士。

教皇英诺森十世（油画，1650年，罗马多利亚美术馆藏完成原作） 委拉斯凯兹（西班牙）

委拉斯凯兹（1599—1660）是17世纪西班牙最杰出的画家。他始终担任西班牙画师,为国王、王后、教皇、宫廷贵族等上层人物画了大量的肖像画。《教皇英诺森十世》是其中最重要的代表作。这是1650年他在意大利罗马访问期间，应教皇本人的邀请而画的。权势显赫的教皇正襟危坐在一把精致的椅子上，一双凶相毕露的眼睛直盯着观众，威严中包含着贪婪，凶狠中隐藏着狡诈。这个当时已76岁的老谋深算的教皇的面貌和性格特征，被真实地表现出来了，以至于教皇本人看了，也只能用半是不满半是赞叹的口吻说：“画得太逼真了！”甚至后来这幅肖像画挂在一间厅堂里时，从外面经过的几个主教，看到这一肖像还以为真的是教皇坐在里面呢！此外，这一作品的用色也相当精彩，闪闪发光的冠帽和法衣，同洁白的亚麻衣领以及镶在衣服上的白花边，形成一种鲜明而有变化的色调，再加上暗红色的天鹅绒背景和镶在椅背上闪闪发光的宝石，使整个画面呈现出一种沉着厚重而又华贵的气氛，以显示出教皇至高无上的地位。

李嵩是木工出身的画家，在光宗、宁宗和理宗初年为画院待诏。他善用界尺作木屋画，同时也是一位山水、人物、花鸟兼能的画家。《货郎图》体现了李嵩人物画的造诣。作品描绘了一位中年货郎挑着“货郎担”来到农村时，众多妇女儿童争购围观的热闹场面。货郎担上的小商品琳琅满目，品类繁多，货郎将有些商品作了分类，标有“诵仙经”、“明风水”、“三百件”、“牛马小儿”、“便是山东米”、“黄醋”等字样。画面上大大小小十二个顽童，动态表情各异，生动有趣，布局疏密得体，在笔法的运用上也恰到好处：画柳树野草和几条家犬用笔细密而有变化；画货郎担上的货物用笔细匀；画衣纹则略带颤笔，转折顿挫有致，表现了农家衣衫粗布的质感。

石工（油画，160厘米×259厘米，1849年，原藏德累斯顿国立美术馆，已毁） 库尔贝（法国）

在当时以至后来的许多评论家和美术史家看来，库尔贝（Gustave Courbet，1819—1877）的革命是在题材上。因为当时几乎所有争论都是围绕题材问题，而且库尔贝的现实主义主张也是要求艺术家从所谓高雅的艺术主题回到现实中来，描绘艺术家周围的生活。因此他们认为库尔贝不过是一个以题材的哗众取宠来获得名声的机会主义画家，这似乎是提出了一个问题：艺术家是以自己的机智来赢得观众的注意，还是以扎实的艺术创造来获取应有的历史地位？这个问题始终围绕着各个时代的艺术家。尤其进入现代以后，观念与创作之间的关系已更加明确起来，现代艺术家在总结了历史的经验之后认识到，怎样画比画什么更为重要。这也是库尔贝带来的影响之一。当然这其中我们不能否认机会主义和赶时髦的潮流画家的投机行为，但我们却不能把库尔贝看作一个机会主义者，因为他的作品和思想不仅是对当时艺术的反动，而且在许多方面深深影响了后人。

1849年完成的《石工》，是库尔贝的重要代表作。在巨大画面上，画家突出了两个和真人一般大小的石工。一老一少，穿着粗布衣，脚登简陋的木底鞋，正在路边凿打和搬运石块。这场景是库尔贝在途中亲见的一幕，石工艰苦的劳动使他震惊了，他决心去描绘他们。他把两个石工请到自己的画室，请他们做模特儿，自己又到现场画了一些写生稿。为了强调这种野外修路工的艰苦生活，除了在画幅上犹如浮雕般立体地展现两个形体高大的石工之外，还在背景处添画了铜锅等炊具，周围则是一片荒凉不堪的山坡。在炙人的烈日下，两个石工就在道旁的沟边劳动。画幅的上部是遮顶的山岗，在右角山坡的后面，仅透露出一角蓝天。库尔贝说：“我每天散步时都看到这些人。而且，这个阶级的人们往往就是这样度过一生的。”

血衣（素描，100厘米×150厘米，1959年， 中国革命博物馆藏） 王式廓

王式廓（1911—1973）是中国现代油画家、版画家，山东掖县人。1936年赴日本留学，1937年回国，1938年赴延安，历任延安鲁艺研究员，晋冀鲁豫边区北方大学、华北大学文艺学院、中央美术学院教授，中国美术家协会常务理事。他具有深厚的绘画基本功，经常生活在农民之中进行人物写生。代表作品有版画《改造二流子》，油画《井冈山会师》、《毛主席在十三陵水库劳动》及《血衣》的油画素描稿等。1973年4月，为完成油画《血衣》，去河南写生以充实素材，由于辛劳过度，于5月22日逝世于画架旁。

《血衣》是王式廓以在华北地区参加土地改革运动所积累的生活体验与素材为基础而创作的大型素描（油画稿），也是曾经引起广泛社会反响的杰出革命历史画。它以一位农村妇女手持的血衣作为揭示主题和画面情节的中心，用一系列饱受封建剥削和摧残的农民形象体现了控诉斗争激情，显示了民主革命所带来的翻天覆地的历史变化和人民群众当家作主的时代的到来。作品场面宏大、人物众多，作者真实、生动地刻画了不同人物的性格特征和内心世界，富有极强的艺术感染力。在中国现代美术史中，有过不少反映农村土地革命斗争的优秀作品，如著名版画家古元、彦涵等的许多版画作品，而王式廓的《血衣》可以说是同类题材作品中最深刻、最成功的艺术典型。

蒙娜丽莎（油画，77厘米×53厘米，1503—1505年,巴黎卢浮宫藏） 达·芬奇（意大利）

莱奥纳多·达·芬奇（Leonado Da Vinci，1452—1519）诞生在意大利佛罗伦萨与比萨之间的芬奇镇。达·芬奇同代的人把他看作古怪、神秘的人物。君主和将军们想让这位惊人的奇才当军事工程师，去修建防御工事和运河，制造新奇的武器和装置。而在和平时期，他还会发明独特的机械玩具，为舞台演出和盛大场面设计新奇效果，使他们开心。他被誉为伟大的艺术家，并且被当作了不起的音乐家。当他遇到问题时，他从不依赖权威，而是通过实验予以解决。自然界没有一样东西不能引起他的好奇心，没有一样东西不能激发他的创造力。他解剖过三十多具尸体去探索人体的奥秘。他是探索孩子在子宫中发育奥秘的先驱者之一；他研究过水波和水流的规律；他成年累月地观察和分析昆虫和鸟类的飞翔，这会有一部飞行机，他确信总有一天飞行机会成为现实；岩石和云彩的形状、大气对远处物体的颜色的影响、支配树木和植物生长的法则、声音的和谐，所有这一切都是他孜孜不倦地进行探索的对象，这也为他的艺术奠定了基础。

《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市资产阶级的妇女形象。据记载，蒙娜丽莎是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，达·芬奇为她画像时，这位24岁的妇女刚失去了自己心爱的女儿，悲切抑郁。画家为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师奏乐、唱歌，或说笑话，让欢快的气氛帮助她展现笑容。

在受基督教禁欲主义控制的年代里，妇女的行止受到许多约束，她们不能充分地表现自己的欢乐和痛苦，不然，就是对上帝的亵渎。所以中世纪的肖像画，一般都被画得呆板、僵硬，面部毫无表情。达·芬奇在人文主义思想的影响下，开始为表现人的情感而费尽心机，为了画出蒙娜丽莎真实的形象，他还从解剖和生理学上进行研究，探索隐藏在皮肤下面的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反映过程。

蒙娜丽莎的神秘微笑多少年来一直被人们津津乐道，惊叹它的神秘效果。达·芬奇在这里极为谨慎地使用了他发明的“明暗渐隐法”，我们称之为面部表情的东西主要来自两个地方——嘴角和眼角。因此，达·芬奇有意识地让它们模糊，使它们逐渐融入柔和的阴影之中，使蒙娜丽莎的表情似乎总叫我们捉摸不定。如果我们仔细观察这幅画，还能看出两侧不大相称。在背景梦幻般的风景中，这一点表现得最为明显：左边的地平线似乎比右边的地平线低得多。于是，当我们注视画面左边时，这位女人看起来比我们注视画面右边时要高一些，或者挺拔些，而她的面部好像也随着这种位置的变化而改变，因为面部的两侧也不大相称。在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。

对《蒙娜丽莎》的艺术价值，不能仅仅从肖像被画得生动逼真上面去考虑，更重要的是，达·芬奇在这幅画里体现了他先进的艺术思想，即以科学的精神去观察自然的态度和作品所体现的人文主义精神。

田横五百士（油画，198厘米×335厘米，1928—1930年） 徐悲鸿

《田横五百士》是徐悲鸿的代表作之一。作品取材于秦代末年齐国旧王族田横不肯屈身于刘邦而起兵抗衡，最终失败自刎的故事。画面描绘田横正拱手辞别部下时的器宇轩昂的英雄气概和他的属下悲愤激越的情绪，表现了历史上悲壮的一幕,颇有戏剧性。它不仅歌颂了田横等威武不屈的气节，而且通过历史人物故事的再现，折射出徐悲鸿对当时社会现实的批判态度和对民族精神的颂扬。在色彩处理上，田横身穿暗红紫袍，与穿黄袍的壮士在强烈对比中突显于画面，其他人物的服装，与蓝天、黄土、浓阴均统一于浓重的蓝灰色调中，形成了沉郁、悲怆的交响效果。此画面场面宏大、人物众多，为早期中国油画中的巨制。画家在*的年代选此历史题材作画，有其深刻的寓意。

拿破仑一世加冕（油画，931厘米×610厘米，1805—1807年，巴黎卢浮宫藏） 达维特（法国）

达维特（Jacques-Louis David，1748—1825）在完成了他的成名作《荷拉斯兄弟的宣誓》后，不仅积极从事社会活动和艺术制度的改革，而且把视角放到了当代题材的创作上。他的《拿破仑一世加冕》和《网球场誓约》、《马拉之死》等就是其中最重要的作品。这些作品更以其新闻色彩给世人留下深刻印象，使他的作品与时代紧密结合起来。他注重画面的真实性（当然这是一种古典主义的真实），以对待历史画的严谨来表现现实题材。他曾说过：“我的意图是要以一丝不苟的准确性去描绘古代风尚，要让那些希腊人、罗马人看了我的画后，不会感到我的画同他们的风俗习惯格格不入。”这种历史真实的态度而不仅仅是方法给以后的现实主义流派的兴起以相当的推动，它导致了现实主义“典型环境中的典型人物”的创作原则的确立。在这一方面达维特常常如某些人所说的是个“潮流画家”。

《拿破仑一世加冕》表现的是一个真实的历史事件。1804年2月2日，拿破仑在巴黎圣母院举行了盛大的加冕仪式，正式称帝。出席典礼的有世界各地的达官显贵，有教皇比维斯七世，拿破仑的家庭成员，财政总监及许多政治家、文武大臣、各国使节和使节夫人等。画家在这里真实地记录了当时的情景和这个历史性的时刻。为了真实，画家专门请了一些模特儿穿上当时的服装写生。整个画面场面恢宏，色彩华丽辉煌，背景中庄重、挺拔的建筑体现了古典主义的传统。这正是拿破仑所需要的，因此拿破仑多次公开称赞达维特，并授予他荣誉军团勋章。

占领总统府（油画，165厘米×320厘米，1977年，中国革命军事博物馆藏）陈逸飞 魏景山

陈逸飞，1946年生，浙江人。1965年上海美专毕业，1981年赴美留学。中国美术家协会会员。魏景山，1943年生，浙江人，1965年上海美专毕业，中国美术家协会上海分会理事。

作品采用凌空俯视的角度，着力于升旗这一组群像的刻画：一位身经百战的老战士扯下国民党的破旗，升起鲜艳的红旗，一个伟大的转折来临了；指挥员伸出戴表的手腕，为了记住这令人难忘的时刻，老战士凝视着它，禁不住热泪盈眶；司号员已记不清多少次吹过胜利的号声，此刻激动得脱下军帽，向红旗致以崇高的敬礼。此画构图独特，场面广阔，整体气氛浓烈，且具体细节又刻画周到，在当时极尽情节铺排的历史画创作中，是一幅不同凡响的作品，曾获全军美展金质奖。

夯歌（油画，1957—1962年，165厘米×320厘米，中央美术学院陈列馆藏）王文彬

王文彬，1928年生，山东青岛人。早年自学美术，后参加革命，从事美术工作。20世纪50年代到中央美术学院油画系学习，毕业后留院任教，后任壁画系教授，中国美术家协会会员，著有《油画画法》一书。

《夯歌》表现了骄阳似火、晴空万里，一群朝气勃勃的姑娘正在水利工地的大坝上打夯。打夯本是繁重的体力劳动，而画面似歌伴夯起、歌伴夯落，具有音乐舞蹈的节奏美。作品以仰视的角度，在逆光中呈现姑娘顶天立地、健康乐观的形象。在明丽的色调、暗青的山峦衬托中，画面宛如一首高亢、雄壮的劳动协奏曲。

（二） 名词解释

再现

即借助外部客观世界通过模仿的手段表达艺术家主观精神的一种艺术方式。描述这种艺术的理论称为再现论或模仿论，这样的艺术称为再现性艺术、模仿性艺术或具象艺术。再现性艺术有着悠久的历史，自古希腊的苏格拉底、亚里士多德和柏拉图等人起，对再现性艺术就有众多论述。他们都普遍认为，模仿是人的本能之一，人从模仿中获得快乐。达·芬奇作为再现论艺术的阐发者和实践者，认为艺术家的心灵应该像镜子一样映照自然。中国传统中也很早就认识到了美术的再现功能，如《广雅》中说“画，类也”，《释名》中说“画，挂也，以彩色挂物象也”。它们都为中国的再现性美术提供了理论依据。但任何艺术都是人的艺术，都不可能是被动的、机械的模仿，所以，艺术中的“再现”也是艺术家按照美的规律的创造，体现了不同艺术家的精神面貌。

现实主义是最重要的文艺创作方法之一。其基本特点是忠实于生活，按生活的实际样子和本来面目真实地反映生活；强调对生活作逼真而精确的描绘，使观众产生身临其境的感觉；艺术家的理想、情感和是非判断都融化在具体的对象之中，而不是直观地表现出来。“现实主义”在库尔贝的作品中第一次体现出来，最初的意思不仅指对自然的精确描绘，还指对日常主题的兴趣。库尔贝就说过，他从不画他从未见过的安琪尔。但“现实主义”在后来的发展过程中有了很大的变化，人们都按照自己的角度来理解，如出现了社会主义现实主义、革命现实主义、魔幻现实主义等，其中社会主义现实主义在社会主义国家有巨大影响，强调对社会主

义英雄的表现和对集体主义精神的颂扬，即在典型环境中的典型人物的表现。

艺术形象

所谓“艺术形象”，顾名思义，就是采用艺术的手段所表现出来的形象，它涉及到所采用的语言和手段两个方面，就是说由于采用的语言和手段不同，产生的艺术形象也就不同。例如，具象艺术由于运用的是具象的语言和手段，其艺术形象就完全区别于意象艺术和抽象艺术。但它们在形象上也有共通性。“形象”在中国古代是指人或物的外部相貌或形状，它通过人的视觉就可以辨识出来。例如，中国古籍《书经》中曾记载了这样一个故事：商朝的国王武丁梦见天帝赐给他一个良臣，他就叫人按他的叙述把这个人画出来，然后让文武百官按图索骥、四处寻找，最后果然在博岩的溪谷中找到了一个叫傅说的人，于是武丁就封他为相，从而使商朝得以中兴。在西方，“形象”的原意是指借助雕塑、铸造、模仿等手段塑造出的人或物的样子。由此可知，形象即诉诸人的视觉的感知或经验对象，它可以通过描述、描绘、塑造或其他模仿的方法得到具体的表现。

我国以往的美学著作中按照列宁的反映论把“艺术形象”定义为艺术所固有的反映现实的特殊方式，是从审美理想出发，通过具体感性的、直接感知的形式（不同于科学的逻辑的方式）概括地表现现实的结果。艺术形象的创造过程一般经过两个阶段，首先是形象的构思阶段——艺术家搜集形象，并按照形象思维的规律和具体作品的需要来构成意象中的形象，即美术作品的内部形式完成过程；其次是艺术形象的物质体现，即把艺术家的意象中的形象通过相应的物质手段具体实现出来，从而被人们具体地感知到。艺术形象的差异由此而产生。例如，由于物质手段或语言形式的差异，就形成了美术形象、音乐形象、文学形象、舞蹈形象、戏剧形象、电影形象等不同的艺术形象。艺术形象既是艺术家的思想、情感和观念的结果，也是其思想、情感和观念的物质化显现，也就是说，艺术家通过艺术的语言和相应的物质手段表达了自己的特定的思想、情感和观念。

情节性与叙事性

是现实主义美术的重要特征。由于现实主义美术强调视觉上的真实性，它就不仅要在艺术形象上塑造出真实的人物和环境、道具等，而且还要使这些相关事物彼此发生密切的联系，使之形成一个可以讲述的故事，以造成事件发生的真实的感觉，这就是现实主义美术的情节性和叙事性。它最初与连环画的表现形式密切相关，并且最早在宗教美术中表现出来，后来就独立存在于一件作品之中，构成了现实主义美术的重要特征。

典型形象和典型环境

这也是现实主义美术所要求的。恩格斯曾经说过，“现实主义是除了细节的真实之外，还要正确地表现典型环境中的典型性格”，这个原则成为现实主义，尤其是社会主义现实主义的艺术创作的基本指针。起源于苏联的社会主义现实主义是一种吸收了俄罗斯巡回展览画派的创作手法、以歌颂新时代的英雄(工农兵)为宗旨的叙事性艺术创作方法，在这样的艺术作品中，故事的情节和场景都要求围绕中心人物展开。而这样的“中心人物”或“典型人物”必须是具有普遍代表性的“典型形象”，即是从许多人物中抽取出的形象的综合，是从现实中抽离出来的一个理想的化身。就像毛泽东所说的，这种“典型人物”应该比现实“更集中、更典型、更理想，因而就更具普遍性”。围绕着这样的“典型人物”就要创造出一个与之相适应的“典型环境”，以为作品的主题服务。

三、教学建议

(一) 紧紧围绕本课教学重点，使学生了解具象艺术的特点及其功能。

(二) 可以结合一些优秀的摄影作品来讲解，在对比中辨析具象艺术的特征和与摄影作品的异同。

(三)由于具象艺术比较丰富，有条件的可以到美术馆或博物馆结合具体作品进行现场讨论。(四) 具象艺术大都有一个可以讲述的故事，可以根据每一件作品的具体情况请学生讲述其中的故事，由此展开对具象艺术的了解。

四、参考书目

《美术概论》，王宏建、袁宝林主编，高等教育出版社，1994年

《中国大百科全书·美术卷》，中国大百科全书出版社，1990年

《中国油画》，陶永白主编，江苏美术出版社，1988年

《中国绘画史》，潘公凯等著，上海古籍出版社，2001年

《法国美术史话》，高天民著，人民美术出版社，1998年

《世界美术名作鉴赏辞典》，朱伯雄编著，浙江文艺出版社，1991年

第4课 对客观世界的主观表达——走进意象艺术

一、教材分析

（一） 教学目标

本课是具体了解和认识三大美术类型中的第二种类型——意象艺术。由于意象艺术在整个美术门类中占据着十分重要的地位，它构成了美术鉴赏中的重要方面，所以本课的目的就是以简明的讲解使学生初步了解和认识什么是意象艺术，如何来辨析意象艺术，能做到这一点就达到了本课的教学目的了。

（二） 内容结构

本课主要包括三个部分。

第一部分以一位女士与法国现代画家马蒂斯的对话为例，首先指出美术作品并非完全是对客观现实的“如实”再现，除此之外，它还可以表达艺术家的主观世界——这一点在具象艺术中也有表现，但在意象艺术中艺术表现的主观性更为突出，它已成为艺术家关注的主要方面。

第二部分“为什么有的美术作品形象怪异？”是从意象艺术的一个极端方面(一般人所认为的一些美术作品形象的怪异)来解释意象艺术的。这样解释主要是为了打消一般人因为习惯于具象艺术的真实性而对意象艺术产生的不理解和拒斥的心理，指出意象艺术主要是与艺术家对现实的感觉，以及他们的个人情感、观念和意识的表现密切相关的。因此，艺术家的感觉和所要表达的意图越独特、强烈，所产生的艺术形象就可能越“怪异”。

第三部分“如何理解意象艺术？”是本课的关键，也是学生学习如何鉴赏意象艺术的入门处。在这里首先以英国画家培根的《被牛肉片包围的肖像》与我们在前一课学习过的西班牙画家委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》的对比，来说明意象艺术与具象艺术有着巨大的差异。这种差异就表现在它传递出的不是艺术家的“眼”中之“象”，而是艺术家的“意”中之“象”，即“意象”。这种“意象”我们可以从两个方面来理解，一个是艺术家按照“我”感觉到的样子来表现世界，另一个就是艺术家按照自己的主观意图来表现。为此，艺术家就要调动一切手段来表达这种感觉和意图，而不管是否与我们眼见的现实一致，从而产生艺术形象上的怪异性。

（三） 教学的重点与难点

本课教学的重点在于使学生分清意象艺术与具象艺术的区别，并初步掌握分辨什么是意象艺术，以及意象艺术的主要特征，尤其是从意象艺术的艺术形象和艺术语言，以及艺术家的意图方面来辨析意象艺术的主要特征。

本课教学难点，主要是如何解释清楚什么是意象艺术，以及究竟如何理解意象艺术。因为任何艺术都存在艺术家的主观表达，而且有的意象艺术也可以是具象的，这就容易使学生混淆。因此在教学中就要强调意象艺术在艺术形象上的怪异性，以及艺术家对主观意念——感觉和意图的表达。

二、教学内容资料

（一） 作品分析

圣维克多山（油画，65厘米×81厘米，1904—1906年，美国，纽约，私人收藏） 塞尚（法国）

塞尚（1839—1906）和凡高、高更都是后印象主义的代表人。塞尚的“世上一切东西都是由球体、锥体和圆柱体组成的”论断是著名的，他教会了20世纪的许多艺术家如何重新看待自然。然而塞尚本人却从没有直接用这些几何体来作画，这对于他只是理解自然的一种方法。在他的严谨的分析作画方法吓跑了包括他夫人在内的一切模特儿之后，他不得不转向了静物和风景，因为这些不动的东西可以任他画多久就画多久，那些静物烂掉了也没有关系，因为这并没有改变它们的结构。我们在此有必要说明，塞尚的结构包括了物与物之间所组成的画面关系的结构和物本身的结构两个方面。因为前一种结构使画面本身形成了构成的关系，它直接影响着人们的视觉感受，而后一种结构则意味着对物体本身的分析。因此在塞尚的静物画中我们常能见到桌子错位、透视颠倒、物体分解的场面。这也符合了他的另一种看法，他认为，人的两只眼睛总是在不停地转动中观察事物，在这种转动中，事物便发生晃动或移位，从而造成有别于通常状态下的视觉变化。这种结构关系在塞尚的风景中也同样存在，只是这种结构关系已更多地从属于空间关系了。

风景是塞尚喜爱的另一种题材，尤其是离他住处不远的圣维克多山更成为他常画不衰的主题。从1883年开始他就围绕这个主题不断改变画法，进行他自己的探索。由于他的家乡埃克斯的风景的特殊性，他常常采用一种高视点的构图，他把他在静物中试验的色彩造型法引入了风景，他说，“我打算只用色彩来表现透视，一幅画中最主要的东西就是表现出距离”。于是他常常用很近的前景来形成画面的支点，然后一层层推进来造成空间感。但他对形体本身的不停分析、对画面结构的浓厚兴趣却总是使他忘掉了这种空间感，而使画面变成一张相互贴紧的平面，这样，一幅画便成了一种色块与色块在扁平面上的跳动。无疑，它成了后来立体主义发展的基础，并对所有以结构主义和构成主义为基础的抽象艺术产生影响。

马蒂斯夫人像（油画，41厘米×32厘米，1905年，哥本哈根国立美术馆藏）马蒂斯（法国）

马蒂斯（1869—1954），法国现代著名油画家和版画家，野兽派绘画重要代表人物之一。生于法国诺尔省卡德市的粮食商人家庭。早年学习法律，后因病开始学习绘画，走上艺术的道路。1895年到巴黎，进入国立美术学校著名画家莫罗的画室，当时同一画室的一些画家后来成为野兽派的重要成员。他的作品除具有野兽派的风格特征外，还追求形体的单纯化、色调的平面化，强调艺术要满足人们的精神享受。其中虽然含有唯美主义的倾向，但总的基调是健康明朗的，给人以愉悦感。《马蒂斯夫人像》是他的典型的野兽派风格的作品。

呐喊（油画，91厘米×74厘米，1893年，奥斯陆国立美术馆藏） 蒙克（挪威）

这幅画的作者蒙克（1863—1944）是表现派最重要的代表人物。出生在挪威洛顿的一个名门望族。5岁时母亲去世，15岁时姐姐去世，成年后，父亲和一个弟弟又相继离世，一系列的家庭不幸，给蒙克的心灵留下了一道深而黑的疤痕，对他的艺术起着决定性的影响。

这幅作品充分发挥了色彩的作用。那种阴惨的血红色和浓重的深蓝、墨绿色，形成一个湍急的漩涡，紧紧包围着画中处于极度痛苦的男子，好像是呐喊回声。正在高呼的人的面孔实际已经变形，凝视的眼睛、凹陷的面颊，使人想起象征死亡的骷髅头，所有的线条都趋向这个中心，仿佛全部的景色都分担着这声呐喊的痛苦和刺激。这里必定发生了什么可怕的事，整幅画面充满了低沉、恐怖、神秘的气息，使人产生了强烈的不安。画中人物形象显然是病态的、神经质的，人物看不见的内心世界在作品中居然被表达得如此强烈，超过了任何以往看起来“真实”、“逼真”的作品。这就是表现派的特征：色彩鲜明、强烈，线条和笔触大胆、奔放，而且使人感到刺激和动荡不安，体现出以蒙克为代表的表现派画家对资本主义社会的厌恶和失望。

内战的预感（油画，100厘米×99厘米，1936年，私人收藏） 达利（西班牙）

达利（1904—1989）出生于西班牙巴塞罗那的菲圭拉斯，早年在马德里美术学院学习，受到“形而上绘画”的影响，后崇拜英国拉菲尔前派的精细描绘。达利在学生时代就行为异于常人，爱穿奇装异服，其乖僻性格引人注目。达利因而因势利导，把他这种怪异之处运用到他的艺术之中，尤其在加入超现实主义之后，他的艺术个性得到充分发挥。

超现实主义是达达主义的变体和继续。达达主义产生于第一次世界大战以后，是战争对于一部分人们在精神意识上所引起破坏与变态的产物。超现实主义产生于1924年，最初由法国作家布洛东在巴黎发表第一篇超现实主义宣言而得名。以后，受文学的影响，产生了超现实主义的绘画。它的主要特征，是以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，以写实的手法呈现出荒诞的、离奇的画面。超现实主义绘画的理论依据是柏格森的“非理性主义”和哲学家弗洛依德的“精神分析学”。

在这幅画中，达利将人体各部位重新进行正常人难以想象的组合，从上臂长出小腿和脚，从大腿长出前臂和手。这样怪诞、高大、恐怖的梦境形象，表现出人的贪欲——已把肉体变成自傲的怪胎，这是人类自我耗费的象征。它渗透着作者对人类生存行为的体验，是人类不负责任的发动战争和自我毁灭的病态行为的梦态形象转译。正像柏格森说的，“这样一种梦幻，并非由个别人的幻想产生，而是整个社会所梦见的”。

星月夜（油画，72厘米×90.5厘米，1889年，纽约现代艺术博物馆藏） 凡高（荷兰）

凡高（Vincent Van Gogh，1853—1890）出生于荷兰格鲁特—宗德尔特的一个牧师家里，他的童年是在乡下度过的，这唤起了他对大自然、农民和劳动的热爱。1880年凡高开始学画。对于一个27岁的人来说，开始学画是有些晚了，然而对艺术狂热的激情、对生活执着的爱和他那献身人类的宗教般的情感，却弥补了这一不足，使他在短暂的一生中创造出超乎寻常的业绩。凡高最初的情感和对绘画的理解集中体现在他早期的代表作《吃土豆的人们》一画中。凡高自开始学画就倾慕米勒的艺术，他也决心像米勒那样成为一个“农民画家”。这幅画就体现了米勒和库尔贝的现实主义传统的影响，以及凡高朴素的人道主义精神。在画中，他没有回避农民由于长年劳动而扭曲了的脸和粗笨难看的双手，而是像库尔贝所说的那样，把眼见的现实如实地描绘出来：聚集在简陋、昏暗的小屋内的一家人，虽然很贫穷，但却表现出和睦、温馨的亲情。凡高在这里已表现出他是用自己的心灵去体验画中人的感情，他甚至就把自己也看成是其中的一员。而从艺术上看，这幅画亦表现出与荷兰巴洛克传统的联系，我们在伦勃朗的作品中就可以看到这种光线处理，不过对于凡高来说，这种光线和画中强烈的传统空间退缩形式都是情感表现的一部分，这是凡高的绘画与库尔贝的现实主义所不同的地方。

1886年凡高来到巴黎，通过他的弟弟提奥结识了印象派的画家（提奥在他死前几乎成了惟一能理解他的亲人，是他资助了凡高的创作，而凡高在短短几年中写给他的数百封感人至深的信，既表现了他们之间的友谊，又阐明了凡高的艺术思想），尤其是毕沙罗，这使他突然发现了色彩的力量，他的调色板明亮起来。从他当时的风景看，他明显受到了修拉点彩的影响，只是凡高在运用这些色点的时候更注重了线条的作用。在１８８８年去南方阿尔之前的这个准备阶段，凡高开始了自己更全面的研究，这些研究包括印象派和新印象派、古典大师哈尔斯、伦勃朗和鲁本斯、蒙蒂切利和日本版画。这些研究使他最终将富有表现力的色彩和线条与他内在冲动的知觉力完美地结合在一起，从而开创了自己崭新的风格。

在凡高的画里到处充满了明媚的阳光，他把光看作是生命，看作是力量，看作是世界生生不息的源泉。因此他特别喜欢黄色，“铬黄的天空，明亮得几乎像太阳，太阳本身是一号铬黄加白，天空的其他部分是一号和二号铬黄的混合色。总之，黄极了。”由此，他又发现了向日葵这个从未被人注意过的植物，因为在他眼里，向日葵就是地上的太阳，就是他的化身，它每天和他一样，从早上就追逐太阳，直到太阳落山。他为自己的发现而狂喜，甚至计划在他的卧室挂满向日葵。的确，向日葵几乎成了凡高的另一种自画像，他在其中倾注了自己的生命，那挺拔有力的葵花，像针一样的饰叶，扭动而坚实的用笔，正是凡高性格的写照。此画几乎完全用黄色来完成，它已不是印象派的那种补色的关系，而是凡高自己理解的表现性用色，他将物象明确的体积关系与他个性化的主观用色结合起来，产生了强烈的效果。

从表面看，凡高在相当的程度上是一个画其所见的画家，因为他所有的作品几乎都是在写生中完成。因此，视觉真实在凡高的艺术中是十分重要的，离开了这种视觉真实，凡高的思想就无以依托。但是凡高的视觉真实与印象派和库尔贝的现实主义又相去甚远，即使在他近乎自然主义的《吃土豆的人们》一画中，其强烈的情绪里也表现出他对以往视觉真实观的背离。其实，在凡高那里，视觉真实已转化为一种视觉幻象，他就是要通过视觉真实去如实地表现这种幻象。这种幻象与他那超自然、超感觉的体验结合在一起，表达了他对自然的再认识。他曾在给弟弟提奥的信中明确表达了他的艺术追求：“殊不知我并不着力谋求准确表现眼见的事物，我是在相当随心所欲地运用着色彩，我要更有力地表现自我。”接着他又举例说明了他是如何去达到这一目标的：“譬如我想画一幅画家朋友的肖像。他满怀着伟大的理想，他作画就像夜莺歌唱一样，因为他的禀性如此。假如此人长了满头金黄色头发，我要把我对此人所有的爱和全部钦佩之情贯注其中。一开始，我要把他照样画下来，尽我所能地准确，可是这样画还不能算完。为了完整，我要按我的意愿使用颜色，我要加强他头发的淡黄色，一直加到橙黄、铬黄和明亮的柠黄。在他头后面，我要画成一望无际的远景，以代替一间小屋平淡的墙壁，造成一个最丰富的、强烈到我所能调配出的蓝颜色的简单背景。由于这种单纯的组合，衬在这个丰富的蓝背景上的这个光辉的金发肖像就给造成一个神秘的印象，宛如挂在万里碧空上的一颗星。”显然，用色彩来表现强烈的情感，并赋予这些色彩以象征意义是凡高最有特征的艺术手法。他在谈到他的《夜咖啡馆》一画时写道：“那是一种没有一点现实感的色彩，可是这种色彩暗示着一种狂纵的情绪„„我设法把咖啡馆表现成一个使人败坏、使人发疯、使人犯罪的地方。”“我努力用红色和绿色表现出人的可怕欲望„„这种颜色从伪造大自然的先生们的现实主义角度看，不能称为是正确合法的，这种颜色会激起人们强烈的情绪。”凡高这种对色彩的情感化理解，与高更是相同的，不过凡高的色彩是用于表达激情，而高更的色彩是用于表达神秘，但归根结底，他们都走向了一种宗教化的超自然世界，这一点则通过野兽主义、奥尔弗斯主义和纳比派而成为表现主义绘画的源泉。

凡高的一生充满了悲剧色彩，这种悲剧既是他生命历程的展示，也在深层上揭示了世纪末欧洲人精神上的痛苦。凡高从最初他在矿区与贫病交迫的下层人的接触中，到几次恋爱的失败，再到对现存社会制度和艺术制度的不满，使他的理想与现实之间始终存在着巨大的差距。他企图以自己的艺术去唤起人们的爱心和最纯朴的情感，然而，在一次次的失望以至绝望中，他的精神最终崩溃了，最后不得不以自杀来彻底完成自己的艺术创作。可是在他死后，他的作品却受到世界人民的喜爱，在艺术市场中从1980年的5250万法郎（《阿尔诗人的花园》）、1987年的2.19亿法郎（《向日葵》）到3亿法郎（《蝴蝶花》）而屡创世界艺术品拍卖最高记录。这种强烈的对比具有绝妙的讽刺意味。

《星月夜》表现出了凡高茫然的不安和对自身悲剧的预感。这段时间他正住在圣雷米疯人院，但这件作品是在他神智清醒的时候画成的。夜晚，他看到夜空中有一个奇特的月亮，还有星星和幻想的彗星。这些星星和幻想的彗星是黄色的旋涡，在天空中旋转着。它们变成一束反复游荡的光的扩散，带动整个深蓝色的天。凡高面对这一自然奥秘，不禁感到战战兢兢。他怀着绝望的恐怖，画下了这幕完全出于他个人幻觉的夜景。他以浓烈厚重的用色、有力颤动的用笔表现了他在自然面前的惶惑不安：夜空神秘莫测，繁星如睹俯视着大地，一切都令人恐怖地扭动起来。显然，用色彩来表现强烈的情感，并赋予这些色彩以象征意义，是凡高最有特征的艺术手法。

鹌鹑图（纸本彩墨） 朱耷（清）

朱耷（1626—1705），名统 ，号八大山人等，江西南昌人。八大的祖、父两代皆工书画，使他从小受到家学熏陶，开始涉足诗画翰墨。八大山人身为明朝宗室，正当其意气风发之时，却遭遇国破家亡，一落为布衣平民，绝望中郁闷不已，一度削发为僧，期间致力于精研佛理和吟诗作画。八大山人60岁前，因狂疾而尽情发泄内心所压抑的痛苦，多酒酣泼墨，奔肆不羁，构图样式依旧，形象往往怪异，基本不顾规矩法度，信笔挥洒，笔墨语言涌动奔放。八大山人后期的创作，完全排除了世俗的干扰，逐渐达到出神入化的境地，从中显现出更趋圆浑的笔墨，而花鸟造像状物的意境，潜移默化为古怪幽涩的格调，画品气格更高一筹。

被牛肉片包围的肖像（油画，129.2厘米×121.9厘米，1954年，芝加哥艺术学院藏） 培根（英国）

弗朗西斯·培根（1909— ），是20世纪40年代英国最独特的现代主义形象画家。所谓形象画家，是指他专以人物画、人物肖像或人物为主。他早年的作品风格近似后期立体主义，1932年后又转向超现实主义。在抽象派艺术统治英国画坛的时期，培根的作品却异军突起，成为人们议论的中心。

培根的“肖像”通过流动的油画笔触，使其感情具有歇斯底里的性质。这件《被牛肉片包围的肖像》，以西班牙画家委拉斯凯兹的“教皇”为蓝本，使人感到惶惑不安。画面对称的构图，像一个模糊不清的古代纹章。两片血淋淋的大肉片被置于肖像左右两侧。观者从这两片鲜血淋漓的屠宰牛肉片的色彩上，感受到同样鲜血淋漓的恐怖形象——委拉斯凯兹笔下的阴险的教皇。这幅画上教皇凄厉的叫喊充满忿怒与兴奋感，形象的孤独、愤怒以致狂乱的情绪更为强烈。培根经常利用教皇这个历史人物形象，决不是为了某种历史的含义，而纯粹是出自精神紊乱的寄寓性手法。

说唱俑（雕塑，汉代)

汉代陶俑，随着厚葬之风而盛。从已出土的汉代俑看，其分布广、数量多、题材多样，有兵马俑、车马俑和各种人物俑、动物俑，内容极为丰富，材质也多样，但以陶俑、金属俑为主。汉代，随着时发叛乱而逐渐转入安定，俑也由初期多兵马俑逐渐转为炫耀豪富的车俑、马俑和各种侍从俑、舞乐杂技俑。从陕西咸阳杨家湾出土的西汉兵马俑和在甘肃武威出土的东汉青铜《奔马俑》，以及在四川成都出土的《说唱俑》中，可以看出题材的变化。

这件说唱俑亦称《击鼓说唱俑》，是1957年四川天回山崖墓出土的大量陶俑中的一件。其高56厘米，头上包巾、戴簪，额前有小花饰，大腹突出，赤膊上有璎珞珠饰，左臂环抱一鼓，右臂向前平伸，左腿蜷曲于圆塌之上，张口露齿，伸头，耸肩，眉飞眼笑，手舞足蹈。从整体造型看，作者显然不是对生活中的说唱艺人的简单模仿，而是对生活原形有所取舍，夸张了说书艺人那种伸头耸肩、击鼓挥棒、踢腿舞步的动作和面部表情，将有声有色的说唱表演刻画得惟妙惟肖、极其传神，而且将艺人性情豪放、乐观的性格也刻画得淋漓尽致。《说唱俑》踏着鼓点舞步的动作造型和诙谐幽默的说唱表情达到了神韵十足的艺术高度，具有强烈的艺术感染力。我们从其动作和神态中，似乎可以听到爽朗的笑声，想象出他那令人发笑的说唱内容，甚至联想到他面前有一堆听众在兴致勃勃地观看他的出色表演。

我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?(油画，1897年) 高更(法国)

保罗·高更(1848—1903)生于法国二月革命余波未息的巴黎，父亲是共和党《国际新闻》的政治记者，曾为革命愤笔疾书。拿破仑三世上台执政后，父亲为逃避迫害，而带领全家逃往妻子的家乡秘鲁，路上父亲病故，母亲带领孩子在秘鲁度过了四年。那里的热带风光给童年的高更以深刻的记忆，以至后来他迷恋带有异国情调的热带风光。回到巴黎后，青年时期的高更曾入伍当过海员，后进入巴黎的证券交易所，在金融界里发了小财，并娶一位富裕的丹麦小姐为妻。在过着优裕生活的时候，高更认识了印象派画家毕沙罗，并热爱上了绘画。1876年，他的作品首次参加沙龙画展，令他感到一种满足。1881年他再次获得参展，其作品还受到评论家的赞誉，称他创造了“独具一格的油画”。因此，他辞去了巴黎股票经纪人的职位，全身心地投入绘画的乐趣之中。其家庭也因此陷入经济拮据，妻子无法忍受高更的行为与贫苦生活而带着孩子去了丹麦。高更由于家庭的破裂和对欧洲文明社会产生厌烦，并觉得艺术的传统程式限制了情感的表达，带着追求独特艺术风格的想法，而于1886年去了法国布列塔尼半岛。后为了彻底摆脱欧洲文明世界的制约和探寻新的创作之路，而于1891年孤身一人乘船经过63天的远航，来到了远离法国的塔希提岛。在这个热带小岛上，他与尚未开化的土著居民一起生活，并与一位土著女子结婚。塔希提岛的热带风光和赤裸着上身的女人的原始性，与他所追求的艺术理想合拍，极大地激发了高更的创作热情并使他找到了自己的艺术语言。他用朴实的线条、简化的轮廓、纯朴浓艳的色彩和近于平涂的手法，画岛上妇女及其生活、宗教仪式等。其笔下人物是原始、天真的自然人，神情神圣庄严。这些内容与形式统一的面貌一新的作品，因具朴实的古风和原始性的宏大境界，而奠定了高更在现代美术史中的地位。

但是，高更的日子却过得极为凄惨，贫困交加以及身染性病，使他心情十分沮丧，他决定自杀以求得解脱，便跑到深山中服下了毒药。他在被人救起后，又突然产生了强烈的创作欲望，一幅反映内心对人生疑问的哲理性巨作——《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》在其狂热的创作状态下用一个月的时间完成。

对该画，许多理论家解释为画面从左到右代表着人生的过去、现在和未来，即诞生、生活与死亡这三部曲。鲍诗度在《西方现代派美术》一书中说：“他以梦幻的记忆形式，把人们引入似真非真的时空延续之中。在画里，树木、花草、果实——一切植物象征着时间的飞逝和人的生命的消失。土地表示母亲，它赋予一切以生命，又使生命终结。痛苦之下‘无法理解我们的来龙去脉’。作者的复杂感情——对未来的期望和对遥远年代的记忆，凝聚在只有象征意义的形式之中。”正因为该画带有象征性而费解。我们从画面中看不出画家对题目所做的回答。这幅画只是高更带着梦幻和热情所画，画完之后，“当他梦醒时，他觉得面对画幅‘看到’了他所要画的构思：‘我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?’这句话就成这幅画的标题(引自朱伯雄编著《世界美术名作鉴赏辞典》，浙江文艺出版社，第675页。)只能说这幅具有一定宗教意境的绘画，实际上是高更对塔希提岛人生活印象的总结，但作者自己所说的“这里有多少我在种种可怕的环境中的体验过的悲伤之情”，是可以从中感到的。

湖滨山居（中国画，1947年） 黄宾虹

黄宾虹（1865—1955），原名质，字朴存，号宾虹，别号予向，安徽歙县人。自幼酷嗜丹青，曾师从陈崇光、郑珊等学画。1908年起在沪京等地从事书画编辑、鉴定和教学。1948年赴杭，应聘任国立艺术专科学校教授，后兼任中央美术学院国画研究所、华东美术家协会副主席等职。荣获华东行政委员会所授的“人民艺术家”称号。黄宾虹特擅山水，初从明人入手，继攻宋代马、夏、二米与元四家，又上溯五代之荆、关、董、巨，下取清代之程邃、髡残，兼融并蓄、旁收博采，尽窥古人之深心。平生又喜游历，足迹遍及名山大川，实地写生，积稿盈万。故其画融会古今，穷极变化，自成浑厚华滋之独特面貌。用笔融入篆籀之意，凝重高古、刚健婀娜；又精墨法，好用破墨、积墨、宿墨；其章法乱而不乱、不齐而齐、繁而不闷、疏而不空，尤善以“黑、密、厚、重”之繁体抒写山川浑然之气趣；间作花鸟虫鱼，妍雅清逸，别有水流花开之妙。黄宾虹学养渊博、著述宏富，出版有《黄宾虹美术文集》等，另有《黄宾虹画集》等多种画册行世。黄宾虹是现代中国画坛的艺术大师和杰出的艺术教育家。

山居图(中国画) 徐渭(明)

徐渭(1521—1593)字文清，后改字文长，别号田水月、天池山人、青藤等。浙江山阴(今绍兴)人，是明代具有进步思想的文学家、书画家、戏曲家。出身于官吏家庭。自幼才华出众，科举却屡试不中。曾做浙闽总督幕僚，参与抗击倭寇，后因总督出事被捕，徐渭受到刺激而一度精神失常，后疯病时好时坏，因误杀妻而入狱，过了7年的监狱生活，经朋友保释出狱已53岁，从此才开始他一生有历史意义的创作活动。晚年贫困潦倒，以书画为生。但他仍然性情豪放，不媚权贵，且愤世益深，以至官僚显贵求一字不可得。他经常以诗文书画渲泄对世事时道的不满，如他在《墨葡萄》画中题写“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风，笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”。他在《黄甲图》中画蟹，意在寓讽进士甲科，题款写道“兀然有物气豪粗，莫问年来珠有无，养就孤标人不识，时来黄甲独传胪”。(“传胪”即按旧制科举殿试后传名。)以蟹喻比腹中无才又横行一世的进登甲第的文人官僚。我们从他的画与诗文中可以感受到画家“胸中有一段不可磨灭之气”。(袁宏道《徐文长传》)

徐谓善诗文、通戏剧、精书画，自谓“吾书第

一、诗第

二、文

三、画四”，时人评其“诗文得李贺之奇、苏轼之辩，不落俗套”。著有《四声猿》、《南词叙录》，是后人研究南戏的重要文献。其书学米芾，引草纵逸飞动，自成一格。中年始学画，但其画离奇超脱、笔法奔放、水墨淋漓，是水墨大写意的杰出代表。故后人评他的成就是“画

一、书

二、诗

三、文四”。

徐谓为我们留下了《牡丹蕉石图》、《杂花图卷》、《石榴图》、《墨葡萄图》等不朽的伟大的花鸟杰作，也留有以人物和山水为题材的作品。这些笔酣墨畅、淋漓尽致、洒脱奔放、“不矩法度自有法度”、“笔墨纵横”、“乱而不乱”的作品，为后世艺术家们所推崇。清代郑板桥刻一闲章，印文为“青藤门下走狗”，可见对其叹服之极；齐白石也曾说过：“恨不生三百年前”，为“青藤磨墨理纸”。

课本所选此幅《山居图》是难得的徐谓存世的山水之作。其画法为大写意风格，以大笔淡墨挥洒，重墨破之，画出高耸危峰，以秃笔淡墨勾线画中景低矮山石和屋舍，以及近景的缓坡溪岸，再以淡墨皴出山石凹凸，使之丰富，最后以浓墨重笔不矩形似地勾点出树木草丛，虽用笔寥寥，却将山峦起伏、空气湿润、云气缭绕的山景气象表现了出来。然而这景绝非某处具体之景，是画家意象山景，这意象山景是来自现实生活，表达的是理想中的依山傍水、远离尘世、清静幽美的避世之所。

渔村（油画，约1950年） 林风眠

林风眠（1900—1991）原名凤鸣，广东梅县人。1919年留学法国，先后在第戎美术学院、巴黎高等美术学校学画。1925年回国，任北平国立艺术专门学校校长兼教授。1928年，在杭州主持创办国立艺术院，任首任院长兼教授。林风眠受蔡元培“美育代宗教”思想影响，倡导新艺术运动，长期从事美术教育与创作，多为油画，代表作《摸索》、《人道》、《痛苦》等蕴含着强烈的人道主义精神。后期主要致力于中国画创新。他一方面继承中国艺术传统，对战国漆器、汉代石刻、六朝壁画、宋代瓷器以及民间木版年画、剪纸、皮影等均有所截取，一方面兼容西方艺术中的审美意识与表现手法，又重视外师造化，悉心体会感悟自然中的生机、节奏与诗意，遂融合中西，尽脱窠臼，别开生面，独创出一种富于时代气息和民族特色而又高度个性化的抒情画风。其画好用正方形构图，不留或少留空白；笔法灵动奔放，富于变化；墨与色的交融郁勃淋漓，浑然一体。所作静物、花鸟、风景、人物，无不气韵生动，情趣盎然，一片生机。出版有论文集《艺术丛论》及画册《林风眠全集》等。林风眠是中国现代画坛的艺术大师和杰出的艺术教育家，中国美术学院的创始人。

枯木怪石图（绢本水墨） 苏轼（宋）

苏轼（1082—1135），字子瞻，号东坡居士，四川眉州（今眉山县）人。一生仕途坎坷，思想充满矛盾。他的主要成就在文学上，工于文，是“唐宋八大家”之一；善诗词，是豪放派的创始人；精于书法，与黄庭坚、米芾、蔡襄共享“宋四家”美誉。而绘画只不过是他的业余爱好而已，但正是这种业余爱好却使他的作品充满个性，这是与他的艺术观分不开的。尤其他在画论上的精辟论述，对后来的“文人画”产生了深远的影响，使他成为文人画的创始人之一。

所谓“文人画”是明代的画家董其昌提出的。他认为文人画与院体画有截然的不同，它不求形似，惟取物之意气和神韵，笔墨只是画家寄情之物。因为画家作画时追求的只是情趣和意境，并以所画之物自诩，所以他们常画的是一些植物中的清品，如梅兰竹菊，以及山山水水、一草一木。他们的作品中融合了文人的情趣、学养、品格。而苏轼就是这样的一个代表。

这件作品是苏轼的代表作，画中只有顽石一块、枯木一枝。枯木虬曲的姿态有如扭曲挣扎而生的身躯，顽强地伸展开来，显示出无穷的生命力。旁边配以古怪的石头，与伸展、挣扎的小树形成强烈的对比，似乎是一种黑暗的力量在阻止树的成长和发展。这幅作品实际上表现的是苏轼个人的心理活动和情感，他就好像把自己比喻为那棵顽强抗争的小树，在与那个庞大的官僚体制做斗争。

（二）名词解释

变形与夸张

它们都是艺术的创作手法或手段。变形来自拉丁文，意思是歪曲，后来成为一种艺术表现的手法，意思是艺术家在表现对象时有意或无意地改变对象的自然形态，以符合自己的创作所要表达的目的。在这个意义上它与夸张有相同的一面，区别在于，夸张是对事物形貌的扩大或缩小性描写，而变形却往往使描写对象发生极度扭曲或异变。产生这种现象的原因是：(1)由于艺术家个人心理、生理及文化等因素的制约，对客观事物的感知就会有所差异或改变；(2)艺术家对感性材料的艺术加工，受其主观意识和情绪活动的影响；(3)艺术家将心灵意象外化为艺术形象时由于媒介和手段等原因而产生。

三、教学建议

(一) 教师可准备一个或几个图像，让学生用意象艺术的手法表达自己的各种感受（如欢乐、痛苦、不安、激动等），以体会意象艺术的特点。

(二)学生分组讨论，比较不同意象艺术的异同，同时与具象艺术进行比较，尤其是艺术家主观意图表达的比较，以明晰意象艺术的特点。

四、参考书目

《西方现代艺术史》，［美］阿纳森著，邹德侬等译，天津人民美术出版社，1986年

《二十世纪美术经典》，［美］迈尔斯等编著，何振志等译，上海人民美术出版社，1988年

《世界美术名作鉴赏辞典》，朱伯雄编著，浙江文艺出版社，1991年

《中国大百科全书·美术卷》，中国大百科全书出版社，1990年

第5课 美术作品可以什么都不像吗——走进抽象艺术

一、教材分析

（一） 教学目标

本课是具体了解和认识三大美术类型中的第三种类型——抽象艺术。作为人类三种主要艺术类型之一，抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式，只不过它使用的是纯粹的艺术语言，这是它与具象艺术和意象艺术的区别所在。因此，本课的教学目标主要是让学生对抽象艺术的两种基本形态（冷抽象和热抽象）、美术走向抽象的简单过程以及抽象艺术的语言和艺术上的美有一个大致的了解，不必求全。

（二） 内容结构

本课主要包括四个部分。

第一部分讲述的是现代抽象艺术的奠基人、俄国艺术家康定斯基“发现”抽象艺术的故事。本课旨在通过这个故事说明，抽象艺术作为一种独立的艺术形式是通过人们的“发现”产生的。这里有两点需要注意：1.抽象艺术和具象艺术、意象艺术不同的是，它不直接表现任何现实中的可视物，但不能因此说它与现实就没有任何关系，可以说，任何艺术的终极对象都是现实。2.抽象艺术所使用的语言是非现实的，是艺术本体语言的纯粹表达，其中包括点、线、面和色彩。这些需要教师在讲课中加以说明。

第二部分“两位抽象艺术家，两种抽象艺术”。

第三部分“艺术为什么会走向抽象？其艺术美有哪些表现？”简单介绍了美术的基本分类方法，学生对此有一个大致了解就可以了。

第四部分“谁都能创作抽象艺术吗？”以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

（三） 教学的重点与难点

本课教学的重点在于“培养审美的眼睛”，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、教学内容资料

（一） 作品分析

即兴之31（油画，1931年） 康定斯基（俄国）

康定斯基出生于莫斯科，父亲是茶商，幼年时期与父母居住在罗马和佛罗伦萨，后来回敖德萨。少年时起就画画，写诗，弹钢琴，拉大提琴。曾在莫斯科大学获得社会科学和法律学的学位。1896年，即康定斯基30岁时，决意学习绘画。在慕尼黑美术学院学画直到1900年，此后即开始了活跃的艺术实践活动。

康定斯基倡导即兴作画，以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西，艺术不是对自然的模仿或精心制作，而是内心的需要。“艺术就像自然、科学、政治一样是一个自足的领域，它受到适合自己需要的自身规律的支配”。寻找这个规律正是画家终身奋斗的目标。他特别强调绘画同音乐的结合，音乐在所有的艺术种类中是最抽象的。康定斯基在《论艺术的精神》一书中详尽论述了音乐与绘画存在着的深刻联系。在康定斯基看来，绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的色彩犹如音乐里的音符，它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界，在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基追求绘画的音乐感，最后发展出情绪性的抽象绘画。

康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感，因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。他的抽象作品大都完全脱离了客观对象，为避免标题给观众的引导性联想，他常常像音乐作品的标题那样给自己的画取上“即兴”、“作品X号”等名称。

百老汇的爵士乐（油画，127厘米×127厘米，1942—1943年，纽约现代艺术博物馆藏） 蒙德里安（荷兰）

荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素——直线和纯色组成他的画。他想让他的艺术去揭示在主观性的外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。他自己说：“我一步一步地排除着曲线，直到作品最后只由直线和横线构成，形成十字形，„„直线和横线是两相对立的力量的表现；这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡，个性和集体平衡，自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”，也称几何风格派。

《百老汇的爵士乐》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他极少直接来自现实感受的作品之一。在这幅作品中，蒙得里安把他对纽约百老汇音乐的感受和认识用他自己的语言方式表现出来，创作出了一种视觉音乐。像铜管乐器一样明亮的黄色线，在霓虹灯光般的红色、蓝色、灰色小点的闪烁下，呈现出一种爵士乐的节奏感。我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的嘈杂。密如蜘蛛网的垂直和水平的线条，很容易使人联想到百老汇街都是直角相交的道路。

《红树》(油画，1908年) 蒙德里安(荷兰)

《灰树》(油画，1912年) 蒙德里安(荷兰)

《开花的苹果树》(油画，1912年) 蒙德里安(荷兰)

蒙德里安(1872—1944)荷兰画家，生于荷兰阿姆尔弗特，卒于美国纽约。父亲是一位喜爱绘画的小学校长，他从小受父亲的影响而喜欢绘画，并向父亲和画家叔父学习绘画。17岁时取得了小学绘画教师资格证书，三年后又拿到中学绘画教师资格证书。1892年他来到阿姆斯特丹，进入国立美术学院开始正式严格的写实绘画训练，成为颇受教师赏识的基本功扎实的好学生。1908年前，他画了大量的写实风景画，其笔法肯定、形象概括，具有很高的艺术水准。1908年后，他开始探索新的表现手法，1911年底他来到巴黎，马上受到立体主义影响，并开始以“树”为题不断探索抽象化的表现。1914年后又放弃立体主义，转向几何形符号式的绘画，终于20世纪初形成独特的纯几何形的抽象风格。最后他以绘画的基本元素的直线直角相交构成富有节奏感的大小不等的几何图形，再用最单纯原色的不见笔触的色块与其匹配，成为独树一帜的“新造型主义”艺术，而名扬世界。人们一见到粗黑的横竖直线构成大小不等的红、黄、蓝、灰的方形、矩形的画面，便知那就是蒙德里安的作品。他认为惟有这种抽象的几形图形形式，才是绘画最本质的。他将以往的所有传统技巧统统抛弃，在他的画中不见其他任何画派的影子，他以其新形式的作品开拓了人类的艺术眼界，引领人类追求最单纯的和谐。

课本中刊载的三幅“树”，正是从蒙德里安在立体主义影响下，以树为题材探索不同表现形式的多幅作品中选出的。他其后又作了多幅带着该树“影子”的更加抽象的几何图形的画作，以至1913年的《线与色的构成》、1914年的《构成6号》等作品已是纯抽象的几何图形的作品了。如果将这些作品排列起来，可以明显地感受到由具象到抽象的探索过程。

《红树》创作于1908年，是蒙德里安脱离传统写实画法、开始探索表现性新艺术形式的初始作品，从其笔法和用色来看，显然受到凡高的影响。

《灰树》创作于1912年，是蒙德里安来到巴黎后受到立体主义影响，按照立体主义的分析方法，舍弃三维空间、追求平面性构成、注重构图的平衡、探索更加抽象化的表现。他将树的枝干形态概括为抽象化了的各种弧线交叉的构成，但仍保留树的形象及树形的完美。画面呈冷灰色调，由于其有力的线条和坚实的笔触，画面给人以张力强烈的艺术感受。

《开花的苹果树》创作于1912年，是画家继《灰树》之后探索将树更加简化和抽象化处理，从形式上寻求最本质的构成之作。画面上的树则变成了是一些已经失去树枝形态的弧线，成为几近纯抽象的绘画。这只是画家在步入纯抽象绘画创作前的脑中仍存有树的影子的抽象表现的作品。可以说这件作品是蒙德里安创作转入直线直角构成的抽象作品的引线，此后便步入了纯抽象的直线构成的创作了，他找到了自己风格，开创了一片新的艺术天地。

尼金斯基（油画，116.9厘米×89.5厘米，1950年，美国私人收藏） 克兰（美国）

弗朗兹·克兰（1910—1962），原是专画人物和带有社会现实主义味道的城市风景画家，直至1950年之前，他仍在埋头研究伦勃朗和哥雅等人的传统绘画。1949年他开始将黑白素描运用于大型抽象构图中，创造了一种具有很强个性特色的抽象画，后来，很快又趋向极端。画法基本上与波洛克同出一辙，即下意识地进行作画，但画上出现类似我国书法样子的汉字偏旁或局部笔法，然后加以放大，将这些笔道粗实的书法式图形以黑白分明的对比强烈地表现出来。

作这种书写式抽象画时，克兰用的是印度墨汁，后改用广告色或油漆，用大刷子作画。1949年克兰画了一幅速写人像《尼金斯基》，翌年他按照这幅《尼金斯基》又画了一幅用黑色迅速构成的抽象画，黑色被“舞文弄墨”地创造出一个似是而非的形象，效果极佳，使他大为欣慰。此后，他尽量加大画面，让抽象的黑色笔道飞舞得极其磅礴。

白上白（油画，1918年） 马列维奇（俄国）

俄国画家卡齐米尔·马列维奇（1878—1935）是“十月革命”前夕俄国“至上主义”运动的创始人之一。大约在1913年，他用铅笔在白色底上画一黑方块，排除了他早年掀起的俄国立体—未来主义风格。照他自己的话说，“要把艺术从物体的重压下解放出来”。在他写的《非客观的世界》一书里，他说道：“客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的东西是感觉，因而是与环境完全隔绝的，要使之唤起感觉。”马列维奇称这种观点为“至上主义”。

作品36号（油画，1953年） 波洛克（美国）

杰克逊·波洛克（1912—1956）是美国抽象表象主义的代表人物，也是二战以后第一位有国际影响的美国艺术家。他彻底打破了传统架上绘画的观念，在材料、技法和思想上都有新的突破，为现代绘画开创了一个崭新的局面。

波洛克出生于怀俄明州，是家里五个孩子中最小的一个，在南加利福尼亚长大。他最初对雕塑有兴趣，但不久就把注意力转向绘画。17岁开始在艺术学生联盟跟随托马斯·本顿学习。20世纪40年代中期他开始创作一些抽象的作品，仍采用传统的画笔作画。他这时的作品有力度，色彩浓重，形象带有一种暗示性。接着他首创了著名的滴洒绘画。波洛克先将大画布直接铺在地上或钉在墙上，将油漆和颜料以各种工具滴洒在画布上，滴洒的过程主要依靠艺术家的手势，颜料随手的动作或身体的动作而自由滴洒在画布上。最后，根据画面的需要再添加沙子、颜料或其他材料。

波洛克的这一创造为艺术打开了一个新的局面。他突破了传统画笔、画布的观念，不用笔而采用其他任何工具，画面没有传统绘画的布局和构成，颜料布满了整个画面，给观众造成视觉的冲击力，开创了一种新的视觉语言。其次他选用了新的材料，用油漆、沙子或其他任何材料来进行创作，其作品的表面出现新的肌理，产生了独特效果。画架、画框、画笔、油画颜料等传统工具材料均被他放弃，艺术创作有了更多的自由。因此，在波洛克之后，美国现代艺术获得了突飞猛进的发展。 隐现3X（综合材料，1986年） 斯特拉（美国）

弗兰克·斯特拉（Frank Stella，1936— ）出生于马萨诸塞州的迈尔登市，曾在马萨诸塞州安多富的菲里普斯学院和普林斯顿大学学习，1958年移居纽约，20世纪60年代成为反对抽象表现主义的后绘画抽象派的重要人物之一，并在欧美各地四处举办展览。起初，斯特拉放弃了三维空间形象，用各种方法来强调绘画的平面性，后来他开始用各种形状的画布来作画，其中的形象变成了色条与色条的交叉和相汇，目的是创造一种“无关系”的绘画，这与当时的“初级结构”和“极少主义”艺术家十分接近。以后他又在这个基础上把材料扩展到金属和工业漆、金属漆等方面。其作品一般非常巨大。这里的《隐现3X》就是其中的代表之一。

26—4—94（油画，1994年） 赵无极

赵无极（1920— ）江苏南通人，1935年考入杭州国立艺术专科学校，师从林风眠和著名油画家吴大羽。毕业后留校任教。1948年赵无极赴法留学，一直在巴黎从事美术研究和创作。赵无极艺术视野开阔，善于从各方面吸取营养，且不断超越自我。

20世纪50年代正是西方抽象艺术方兴未艾的时期，也是赵无极在艺术上的转折期。面对当时西方抽象艺术的滚滚洪流，赵无极也开始考虑自己的艺术发展道路。他最终在西方抽象艺术和中国的水墨画之间找到了一个合理的结合点，形成他抒情、诗化和充满神秘感的抽象艺术，这在当时的西方艺术界独树一帜，并很快就为西方主流艺术所接受，赵无极因而成为第一位进入西方主流艺术界的华裔艺术家。赵无极艺术成就的取得无疑与他的老师林风眠和吴大羽的教导密切相关，但赵无极能自出机杼、随机应变、独辟蹊径、自成一家，这与他开阔的眼界是分不开的。赵无极的作品气势开张、意蕴深远，其形色舒卷腾挪、变化自如，极尽抑扬顿挫之韵律感。但这幅作品是他晚年所作，已从他以往的激动、变化、冲突转向了平静、和缓、沉思，真实地反映了他目前的心境。赵无极曾多次回国讲学、考察，1985年还应邀专程回到母校——当时的浙江美术学院举办了绘画讲习班，为中国当代艺术培养了许多优秀人才。

红窗（油画，1964年） 瓦萨雷利（匈牙利）

瓦萨雷利（Victor Vasarely,1908—？）早年毕业于匈牙利布达佩斯穆希利艺术学院，20世纪30年代移居巴黎，参加“抽象—创造画会”，40年代开始从事视觉理论研究和创作。他创作的“光效应艺术”或“欧普艺术”吸引了许多艺术家，至60年代造成较大的影响。他通常在平面上配置各种规则的几何图形，经过精心的色彩处理和巧妙的安排，造成一种经过电子仪器或机械作用后的画面效果，显示出技巧的精致和技术美感，具有现代工业文明特点。

（二） 名词解释

构成

简单地说，构成就是把事物组合到一起，形成一种有组织、有结构的关系，但它常常与“构成主义”联系在一起。构成主义（Constructivism）是20世纪重要的美术流派之一，有广义和狭义两个方面。广义而言，它是由英国美学家里德提出的一个雕塑美学概念。法国雕塑家罗丹（Francois A.R.Rodin，1840—1917）曾经认为，世界可以分为“可知世界”和“不可知世界”两部分，每一件艺术作品都应该包含有后一种成分。里德继承了罗丹的这一艺术理论，把现代雕塑分为两种基本类型，一种是“构成主义”的，另一种是“有机的”。“构成主义”主要凭借工业上使用的原材料如金属、塑料、玻璃等，构成各种几何形式，以表现雕塑艺术的形式美。然而，里德又认为，实际上，在艺术欣赏中我们又分不清一件艺术品究竟是属于“构成的”还是“有机的”，因此，只能求助于精神分析学的“集体无意识”理论来加以分析。这种以“构成主义”的概念来描述某种艺术类型的作法后来被广泛应用于对其他艺术的表述。而狭义的则专指发生于20世纪初的俄国，以塔特林（Vladimir Tatlin，1885—1953）和嘉博（Naum Gabo，1890—1977）、佩夫斯纳（Antoine Pevsner，1884—1962）兄弟等人为代表的一个流派。

但是到20世纪之后，“雕”与“塑”或“加”与“减”的观念已不能适应艺术的要求，或者说，人们开始从新的角度去看待这些概念，这就是“构成”观念的形成。在这种观念下，雕塑已变成各种木头、金属、玻璃或塑料构件等材料的组合或“构成”关系，这为当代雕塑以至当代艺术开拓了无限的空间。从对材料的利用的角度看，立体主义在绘画中的实验预示了这样的必然结果。在1912年毕加索就设计了一个用纸和绳子制成的三度立体主义构成，同一年他又为另一个构成绘制了素描。1912年他的《吉他》和1914年的《乐器》，就是用金属片或木头制作的构成，形象是立体主义的，但结构却是构成主义的。尽管处理得很粗糙，但艺术家却以此申明了构成主义雕塑的一个基本问题——认定雕塑是空间的而不是体量的。

构成主义作为一个流派是在塔特林的领导下进行的实验。塔特林最早与马列维奇一起展出了他的所谓“绘画浮雕”，但塔特林却嘲笑马列维奇的作品不专业，尽管他们在许多方向上是一致的，因为塔特林提出的是一种更具刺激性的信念，这种信念就是艺术家应该直接与机器产品、建筑工程和印刷及摄影的交流方式相一致，以致于强调整个社会在实用上和思想上的需要。为此，塔特林把他的艺术追求命名为“生产主义”（Productionism），这表明了他将艺术与社会需要相结合的愿望。这种愿望与当时人们力图创造一种区别于腐朽的资本主义的古典主义、代表先进的无产阶级的艺术的抱负是一致的，但是他们追求的不是政治性的艺术，而是艺术的社会化。在这种明确的观念下，一些像嘉博、佩夫斯纳、波波娃（Lyuboc Popova，1889—1924）、利西茨基（El Liizky，1890—1941）这样的艺术家都站到了塔特林的一边，从事构成主义的实验。直到大约1922年，他们才在苏联艺术转向社会主义现实主义之后，纷纷移居欧洲，对欧洲的现代艺术，尤其是通过“包豪斯”，产生了决定性的影响

构成主义艺术家嘉博坚持认为，“构成主义观念”不是为了把艺术和科学统一起来，不是要探索物质世界的奥秘，而是要去感觉其真理。这使构成主义既没有想成为一种艺术的抽象风格，甚至也没有想成为一种艺术之类的东西。构成主义运动的理论家之一阿列克赛·甘曾经写道：构成主义“不欲作出抽象的计划，而是以具体的问题为出发点。”也就是说，他们试图从社会便利和实用意义出发，以科学和技术为基础，取代以前艺术家的静态活动，创造新的动态的艺术，这成为构成主义的第一原则。因为构成主义者相信，机械的基本条件和人的意识，自然会创造出反映他们时代的美学。这使他们喜欢用两个颇有说服力的词汇来说明创造的辨证过程：构造的和既存的，二者综合的结果就是构成主义的真实性。对他们而言，“构造的”，即整个观念乃基于社会应用和方便的物质上的基础概念——内容和形式的结合；“既存的”，即物质本身的自然倾向，在其构成和变化过程中的特殊条件的实现。这种观念在此后的“风格派”（de Stijl）或“新造型主义”（Neoplasticism）、包豪斯、“国际风格”（International Style），以及所有追求“抽象”的艺术中，都多少有所反映。 抽象艺术

“抽象艺术”（Abstract Art）同样具有广义与狭义之分。从概念上说，“抽象”本身就是一个很难确定的用词。人们在使用“抽象”一词时也是模糊不清的，它往往在两种含义上被使用，一方面是指非自然主义的表现，如采用夸张、变形或减少等手法来描绘一事物；另一方面则是指那种完全抛弃了任何可视自然形象的表现的艺术形式。实际上，严格的“抽象艺术”应是指后者，但人们在使用此词时并非那么严格，如有时立体主义和野兽主义也被不恰当地称为“抽象的”，准确说来它们至多只能是“半抽象的”。“抽象艺术”一词由于它的含混性而并不适用于精确地描绘那种不表现具体现实可视形象的艺术形式，所以，20世纪许多艺术家都根据自己的理解为之命名，杜斯堡称之为“具体艺术”，蒙德里安则用“新造型主义”和“非客观的”来描绘它，另外还有“非再现的”、“非具象的”和“非传统的”等，但“抽象艺术”一词却流传最广，尽管可能它最不恰当。

一般认为，真正的“抽象艺术”是从康定斯基1910年创作的一幅水彩画开始的，但到底谁是第一位抽象画家目前还难确定（或者说根本无法确定）。美国的达夫（Arthor G.Dove，1880—1946）、捷克的弗兰克·库普卡（Frantisek Kupka，1871—1957）、立陶宛的米科拉斯·齐马利昂尼斯等人都是合适的人选。但不管是谁，“抽象艺术”都可以说是20世纪艺术发展的必然。“抽象艺术” 具有两个方面的发展，这两个方面都直接来自“后印象主义”。一方面是“色彩的抽象”，它从凡高、高更经过野兽主义、表现主义到康定斯基的最后解放，以后影响到奥尔甫斯主义、同步主义、塔希主义、非正式艺术或其他艺术、抒情抽象、行动绘画或抽象表现主义等；另一方面是“形式和结构的抽象”，它从古典主义开始，经过新古典主义、库尔贝、塞尚、修拉到立体主义，以后影响到未来主义、构成主义、辐射主义、至上主义、风格主义或新造型主义、具体艺术、圆与方、抽象创造社、硬边绘画、极少主义等。前者由于强调感情的直接宣泄、有机的形态和表现方法上的绘画性而俗称“热抽象”，后者因着重于理智的结构分析硬边、几何化的造型和平涂的塑造方法而俗称“冷抽象”。在推动“抽象艺术”的发展中，德国艺术理论家和哲学家沃林格于1908年出版的《抽象与移情》一书起了关键的作用；1912年康定斯基出版的《论艺术中的精神》一书则第一次全面系统地阐述了“抽象艺术”的原理和原则，给“抽象艺术”的发展以重大影响。

抽象艺术的产生被理论家解释为是人类在一种与生俱来的“抽象冲动”的支配下创造的，即它是艺术家通过艺术冲动去创造具有永恒价值的艺术形式的强烈的内在要求，这种冲动可以是来自外部的刺激，也可以直接由艺术家的内心需要产生。这一术语是本世纪初德国艺术理论家沃林格（Wilhelm Worringer，1881—1965）最早提出的。他认为，现实世界变幻不定，五光十色的景象引起了人类心灵强烈的骚动不安，如果人不能认识和把握这个世界中的规律秩序，就会产生对世界的精神恐惧，因此，人有一种整理纷乱的现实、从中找到超越个别事物偶然性存在方式的内在要求，这就是强烈的抽象冲动。所以抽象冲动是人由外在世界引起的巨大内心不安的产物。但是这种抽象冲动也可以理解为文化积淀所形成的先验心理结构内在地作用于人的情感活动，支配人类从事精神生产的结果。

至上主义

1913年马列维奇也在著名的“靶子”展览中展出了一批典型的“立体未来主义”的绘画。在这些作品中，绘画对象被以圆筒形式表现出来，形成交错的、近乎机械的节奏，这使人们想到了莱热那些表现工业场景和工业题材的作品。但是马列维奇对自己作品里还残留着主题这一不正常现象耿耿于怀，于是，他又在展览会上展出了一幅白底上有一个黑方块的作品，以表明他对纯粹艺术的追求。照他本人的话说：“我竭尽全力要从物体的重担下把艺术解放出来。”这是一幅铅笔素描，是这种风格的第一个实例，也使他成为最早把绘画作为一个绝对纯几何抽象体系的画家，马列维奇把这种画称之为“至上主义”（Suprematism）。在他写的一本名为《至上主义：非客观的世界》的书里，这样解释了他的艺术：“所谓至上主义，我指的是绘画艺术中纯感觉的至上。”他写道：“从至上主义的观点看，客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的是感觉——在本身中和在已被唤起的完全独立的上下关系中。”从此出发，马列维奇就把学院派印象主义，甚至塞尚和立体主义等都视为“自然主义”，是与“艺术”无关的，因为“客体”对世界的本质而言只是“谎言”，真正的艺术应该是与自然无关的“非客观”的存在，而“至上主义”就是“对在时间过程中由于‘客体’的增长而早已逝去的纯艺术的再发现”。

马列维奇是一位虔诚的基督教神秘主义者，他认为，可以证明一幅绘画是完全能够脱离任何影像，或者脱离对于外部世界的模仿而独立存在的，这使他的艺术具有了某种神秘主义色彩。在1915年和1923年之间，他继续实验了三度的素描和模型，其中研究了在三度之中的形式问题。这些抽象的三度模型所提出的问题，使“立体未来主义”成为一种过渡的风格，它不仅对以后俄国构成主义以及以构成主义为基础的抽象艺术的成长有重要的意义，而且通过马列维奇的弟子，特别是李西茨基，传播到德国和西欧，影响了包豪斯的设计教学，以及现代建筑的国际风格的进程。

几何抽象

又被称为“硬边绘画”，即它是用边缘清晰的几何形来构成其形象的。这一概念是由美国评论家朱利斯·郎斯纳于1959年提出，用以描述那些使用大面积的、平涂的、未加调和的色块，再由精确勾勒出的边缘加以限定的绘画形式，这种绘画类型从1960年以后才开始流行。评论家艾洛维给这个概念下了一个定义，他认为，硬边的定义与几何艺术正好是相反的，“塞尚以之成名的‘锥形、圆柱形和球形’，继续出现在20世纪的大部分绘画作品中。然而，即使如此，这些形式也表现得不纯正，抽象艺术家们已经倾向于编排独立的要素。形式曾一直被当作分离体来看待”，而“在硬边绘画中形式不多，画面洁净无瑕，整幅绘画成为一个整体单元，形式展现于整幅绘画，色调限于两到三种，这种稀疏空旷回避了背景图形的立体效果”。“硬边绘画”与更早时候的几何传统之间的重要区别，正是这里所引述的探寻一种完整的统一体，没有前景或背景，也没有“背景图形”。这种绘画的主要人物是凯利（Ellsworth Kelly，1923—?）、莱茵哈特、亚历山大·利伯曼（Alexander Liberman，1912—？）等。

造型画布

是流行于20世纪60年代美国的一种艺术表现形式，即将画布绷在隐藏的支架上作有形的或三维形状的表现，以使画面产生新的张力。尽管这一形式在中世纪、文艺复兴直到19世纪一直都有表现，但20世纪这种新的形式有自己的特点：(1)采用各种形状的画布造型；(2)画面主题为各种几何形的抽象组合；(3)画面常采用各种材料向三维空间发展；(4)边线交界明确。

抽象表现主义 “抽象表现主义”（Abstract-expreionism）一词最初是在1919年人们用于描述康定斯基的某些抽象作品。约于1946年，美国艺术评论家柯蒂斯开始把它用于某些美国年轻画家身上，但现在一般特指20世纪40年代末至50年代的一批具有强烈独创性和影响力的美国表现主义艺术家的绘画风格。由于它的主要特征是画家在作画过程中有意识或无意识地引入了动作，评论家卢森堡又把它称为“行动绘画”（Action Painting）。它还有“滴画”（Drip Painting）和“整体绘画”（Over-all Painting）等名称，都是对“抽象表现主义”的不同侧面和特征的表述。

“抽象表现主义”的主要特征就是主张彻底摆脱传统美学观和艺术观，追求自发的、任意的个人表现，认为艺术家应当服从于自然而然的内心冲动，追求自我表现，强调艺术是作画的行为或过程而非结果，并把这种过程看成是自我完善的手段。但是从另一个方面来说，抽象表现主义与其说是一种风格，不如说是一种思想，因为抽象表现主义者是各不相同的一些个人，除了他们所反对的和追求的总的目标比较一致外，他们的表现方法和手段却很少有相同之处。高尔基（Arshile Gorky，1904—1948）从超现实主义中获取灵感，创造了一种有机的抽象艺术；德·库宁（Willem de Kooning，1904—）追求一种大写意的抽象笔法；克兰（Franz Kline，1910—1962）和托比（Mark Tobey，1890—1976）、汤姆林（Bradley Walker Tomlin，1899—1953）等人则崇尚东方式的书法意味。此外还有巴乔蒂斯（William Baziotes，1912—1963）、特沃柯夫（Jack Tworkov，1900—？）、马卡雷里（Conrad Marca-Relli，1913—？）、布鲁克斯（James Brooks，1906—？）等。

需要说明的是，“抽象表现主义”的出现不是偶然的，它既是美国艺术家20世纪以来不断努力的结果，又反映了美国人一直以来的一种强烈的民族意识和竞争意识。从“军械库展览”之后，美国人就激发起势与巴黎争雄的决心。因为从西方美术史上看，从17世纪起，巴黎就已经取代了罗马而成为西方艺术的中心，而“抽象表现主义”的出现，则表明了西方的艺术中心又转向了纽约。但是，这一结果却是伴随着强烈的政治意识而来的，在抽象表现主义的成长过程中，美国中央情报局给予了极大的支持，不仅出钱出人，而且为其大作宣传，使之成为冷战中美国宣传其价值观的工具。

视幻艺术

又称“光效应艺术”（Op Art），或直译为“欧普艺术”，这个词准确而形象地描述了这种艺术的特性，即它不存在任何思想上或观念上的意图，它的意图只有一个，就是以各种图形和手段在观众与图像之间造成视觉上的幻觉，即一种在作品和观众之间造成纯粹视觉反应的艺术形式。它与后来西班牙的“五十七小组”（Equipo 57）、意大利米兰的“T小组”（Group T）、帕多瓦的“N小组”（Group N）、德国杜塞尔多夫的“O小组”（Group O）和法国的“视觉艺术探索小组”（Group de Recherche d’Art Visuel）、“艺术与技术实验”（Expeeeeriments in Art and Technology）等都有关系。但是“光效应艺术”却主要集中在对光的运用上，即利用人们对光的反应创作艺术品。

造型艺术与光的关系，艺术家很早就给予了关注，文艺复兴时期威尼斯画派的作品就是一个例子。后来伦勃朗的强光、维米尔柔和的自然光更是产生了迷人的魅力；印象派画家深入探索了光与运动的关系（如莫奈在有55幅作品的《草垛》系列中，描绘了光在草垛上每隔20分钟的变化情况）等，这使艺术家不再关心光与物体之间的关系，而是倾注于光与运动本身上。这一倾向在20世纪60年代被确定下来之后，向着两个方向发展，一是在二维平面上利用光幻效果在作品和观众之间造成纯粹视觉关系的艺术品，即“光效应艺术”，另一个就是对光的雕塑性使用即在三维空间中光与实际运动相结合，而对观众造成“虚”空间延伸的活动艺术。

这时的“光效应艺术”在像阿尔伯斯和瓦萨雷利这样的艺术家那里达到了新的综合。对他们来说，绘画不再是艺术家自我表现的手段，而是艺术家用来探索一种艺术形式或视觉作用的过程。他们以色彩、结构形式上的对比、重叠、错位、透视等手法，给观众的视觉以迷幻，进而造成心理上的变化。可以说，现代知觉心理学为“光效应艺术”的发展创造了无限的可能性，这种艺术就是要以不同形式要素的不同的组织方式，通过观众眼睛的作用所产生的视觉幻象形成心理反映。对于这一过程法国评论家费舍尔是这样描述的：“由于组合成分之间是均等的（即保持完全的和谐），所以单色形象在结构上就具有了重要的意义。重要的是一幅画就构成了一种蜂窝状的结构，并且其整体也是以分格式的秩序组成的，这就有可能通过单个部分有规律的变动，加进分裂的成分或造成分割而打破这一结构的规律性。比如，造成不会影响大局的变动，而不至于使观众因而分散了对整体的注意，通过使用曲线、凸线、网状线和类似曲线的手法，艺术家就可以把这种有前有后的底面变成一个紧密的整体。由于线条繁复，所以在很多情况下，要么形成一个单一的平面，要么形成两个相同但却无法相互分开的平面，其中一个是正面，一个是负面。在整个结构中，这些组合成分轻微分裂，导致了一种光效畸变，藉此，作品产生波动、闪烁、振动等。”

此后，各方面的努力使这一艺术形式于1964年秋发展成一个广泛的艺术运动，其作品首次刊登于《时代》杂志。1965年2月，塞茨在纽约现代艺术博物馆举办了题为“敏感的眼睛”的展览，使这一艺术形式产生了国际影响，并开始应用于设计和橱窗陈列等实用美术领域。因此，幻觉光效绘画意义上的“光效应艺术”，到了70年代就衰落了，虽然与它有关的某些艺术家还在继续坚持这一脉络，或许他们当中的一些人身价已逐步提高，如瓦萨雷利继续保持老一辈光效艺术大师的地位，虽然这时的作品与其说是构成与知觉幻觉的关系，倒不如说与印象派的几何图案的关系更为密切。而英国画家赖利（Bridget Riley，1931—?），实际上也是如此，她逐步放弃了波浪形的线性幻觉，代之以组合平行线条的彩色图案，有时可与诺兰60年代和70年代初的绘画相比拟。这样，这时的“光效应艺术”已逐步退出了艺术领域，开始作为一种艺术手段进入商业领域，例如采用霓虹灯技术而发展起来的霓虹艺术，而且更重要的是，许多艺术家对这种视觉游戏已不再发生兴趣，而是将他们的兴趣转向了其他与之相关的“环境艺术”和“大地艺术”去了。

三、教学建议

(一) 抽象艺术一般较难理解，可以结合音乐等姊妹艺术一起来加强对抽象艺术的认识和理解。

(二)可让学生通过具体操作，来具体体会“冷抽象”和“热抽象”到底是怎么回事。

(三) 通过不同类型的抽象艺术作品来讲解抽象艺术的艺术美特征。

四、参考书目

《中国大百科全书·美术卷》，中国大百科全书出版社，1990年

《论艺术的精神》，［俄］康定斯基著，中国社会科学出版社，1987年

The Oxford Companion to Twentieth Century Art, ed.By Harold Osborne, Oxford University Pre, 1981

Modern Art, ed.By David Britt, Thames and Hudson Ltd.,1989

《视觉思维》，［美］鲁道夫·阿恩海姆著，光明日报出版社，1987年

第6课 漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美

一、教材分析

（一） 教学目标

美术鉴赏究竟鉴赏什么？这对于一般人来说是一个实际而又不清楚的问题。从本课开始，我们将进入美术鉴赏的专业知识学习阶段。我们在本课遇到的首先是美术作品的艺术美和形式美问题，这对于鉴赏美术作品是至关重要的。因此，本课的教学目标就是让学生了解：1.什么是美术作品的艺术美和形式美；2.美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。

（二） 内容结构

本课主要包括三大部分。

第一部分是通过法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》提出，美术作品的艺术美是艺术所特有的美，以改变一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。因为一般人的这种观念是根深蒂固的，它不仅影响了人们对美的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。由此强调美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。

紧接着在第二部分“什么是艺术美？它有哪些表现？”中对“艺术美”及其表现作出说明。这里涉及到“美术形象”这个概念，可以参照第3课对“艺术形象”这个概念的解释。不过本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。

第三部分“什么是形式美？如何理解和把握形式美？”是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。这里先简单解释了什么是“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统

一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。美术作品的形式美主要就来自于此。

（三） 教学的重点与难点

学习和掌握美术作品的艺术美和形式美是美术鉴赏进入专业层面的标志，也就是使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，作为“培养审美的眼睛”的开始。因此，本课教学的重点在于说明，美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。

本课教学难点，主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。

这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，但教师需要对此有较清晰的认识。美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。一般来说，美术作品的艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出的艺术所特有的美，其中包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。在这一点上，它与美术作品的形式美具有同一的来源。但二者所指不同，所谓“艺术美”主要强调的是艺术独立于现实的自身所特有的自在的美，这种美在现实中也许可以直接看到，但也许根本看不到，它是由美术作品集中提示出来的。而形式美尽管也是由艺术家借助美术的语言元素、语言手段和语言规则从现实中提炼而出，但它则更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。但美术作品的艺术美和形式美之间的渗透和包容关系又使得这个问题变得非常复杂，教师应注意不要在这个问题上作过多的纠缠，只要简单地指明美术作品的艺术美和形式美的独立性和与现实的区别即可。因为在这个问题上需要不断学习和大量的积累，才能有更准确的把握与理解。这是一个长期的学习过程。

二、教学内容资料

（一） 作品分析

欧米艾尔（雕塑，1885年） 罗丹（法国）

罗丹（Auguste Rodin,1840—1917）出生于巴黎拉丁贫民区一个贫穷的基督徒家里，父亲是一名小职员，母亲是受雇于人的女佣。罗丹自小就参加了各种手工艺劳动，做过首饰匠、珠宝匠、泥水匠、木匠、模塑工，由此他逐步爱上了美术。父亲虽不同意，但姐姐却很支持他，以自己微薄的工钱供他学习，因此罗丹得以进入巴黎一所专门培养工艺美术技工的图画与数学学校学画，但不久便因买不起油画颜料而转入雕塑班，并成为当时著名动物雕塑家巴耶的学生。三年的学习使他打下良好的传统雕塑基础，但他三年报考巴黎美院而不中，一个主考官给他的评价是：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”这给他很大的打击，但更大的打击还是姐姐的过世。从此他心灰意冷，便进入一家修道院出家了。有幸的是，修道院院长埃马尔神父发现了他的才能，便鼓励他继续从事艺术创作，还在修道院内专门为他安排了一间画室。为了表达对神父的感激之情，罗丹为神父做了一件胸像，从这件胸像中已可以看出罗丹的不同凡响之处了。

《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无与伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。这在资本主义金钱竞争、享乐造成灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲剧命运的反思。这种丑陋衰败的结局展示人类追求享乐的代价。因此，《欧米艾尔》这个人体雕塑越是丑陋，越是表现出作者对人类深沉的同情，体现出人类追求享乐的巨大代价。而越是丑得真实、丑得可信，越是具有较大的现实意义。罗丹用其丑无比的肉体形象，表现了当代人的罪恶、堕落、痛苦、绝望，也表现了作者对当代人的批判、同情、歌颂。

艾普色姆的赛马（油画，92厘米×122.5厘米，1821年，巴黎卢浮宫藏） 热里柯（法国）

热里柯（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。热里柯在19岁时进入格兰的画室，格兰认为他具有非凡的才华。热里柯早期的作品即己表现出他的大度和热情。由于自小喜爱骑马，以后他成为画马的能手。他在1816—1817年去意大利时，迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品。热里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的观者攀缘在房子和教堂上，为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。热里柯当场画了许多与马有关的速写。这一幅《艾普色姆的赛马》反映了他这一时期的倾向，是热里柯去英国访问（1820—1822）期间完成的。他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从历史的角度看，热里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。热里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世，年仅33岁。

作为浪漫主义的先驱，热里柯向浪漫主义和现代倾向迈出了关键性的一步，他率先向文艺复兴的传统发起了总攻，这就是结束文艺复兴以来一直延续的对视觉真实的再现，这种再现一直使得艺术家处于相当被动的地位。而从浪漫主义开始（甚至也包括新古典主义某些极端的探索），艺术的个性化、艺术家的能动地位和艺术自身的价值体现逐步具有了主导意义，现实只是成为艺术和艺术家独立发展的参考，艺术的意义超过了现实的意义，或者说艺术家的现实观发生了变化。热里柯在这里不是再现他的所见，而是把他的所见情绪化地表现出来，代表了浪漫主义的特征。

雄视（中国画） 潘天寿

推荐第3篇：美术课教案

一、教学目标

通过教学，使学生了解美术作品中形式构成的基本要素(图象)(美术语言等)，以及根据图象的特点而划分的三大类别:具象美术、意象美术、抽象美术;掌握这三种图象类型的特征。理解三种美术作品的内涵并初步掌握欣赏的方法.二、教学重点与难点

重点：了解美术语言；突破只能欣赏具象美术作品的局限,了解美术形象的基本种类；理解三类美术作品的内涵并初步掌握欣赏的方法。 难点：如何运用逻辑语言讲授艺术语言。根据美术作品的图象特征来划分三种美术形态(具象、意象、抽象美术)；从形象人手来理解三种美术形态的特点。

三、教材分析：本课主要内容是图象的三种分类：具象美术、意象美术、抽象美术。

四、设计思路：

1、以图象与眼睛的关系（视觉艺术）的理解导入，然后直接分析、讨论图象通过那三种类型反映物象。

2、在架上都岌岌可危的今天，是否强调语言特色。其实不懂“美术语言”，就难看懂图象的三种分类（具象美术、意象美术、抽象美术）的内涵。所以先以弄懂美术语言为先导，再了解图象的三种分类；教师可以自己现场表演某一分类，增加教学氛围，提高学生的兴趣。

五、课时：一课时

六、新课教学：

1、导入：对比：委拉斯开支（1650）《宫女》毕加索（1957）《宫女》 因两幅画所用美术语言等不同，所以我们对毕加索的画难以看懂。 揭题第二课图象与眼睛

a、美术语言——特殊语言

“人有人言鸟有鸟语”海军通信兵（旗语）哑巴（哑语） 比较：文学、音乐、舞蹈、戏剧

艺术语言的分类: 形体、明暗、色彩、空间、材质、肌理。

①形体：点线面体，表现轮廓结构。例：《花果册页》、《曼陀林和吉他》

②明暗：受光部等。表现体积。例：《侧椅的人体》、

③色彩：固有色、条件色、表现性色彩、装饰性色彩；体现色彩表现力（最具感染力）；色彩具有象征性。例：《果熟来篱图》《草垛》

④空间：实体空间、虚拟空间；创造或再现空间关系。焦点透视、散点透视。

例：《圣亚布拉恩教堂》《寒江独钓图》

⑤材质、肌理：材质、质地、表面纹理；体现材质美感、加强表现效果。例：大理石

小结：几张图片，让学生讨论分析，自主学习，尝试应用。

图象通过三种类型反映物象

具象——具体而精确的再现，逼真、写实。（提问：印象、特点如何） 毛主席去安源（刘春华）、静坐的莫瓦特歇夫人（安格尔） 意象——直觉想象、幻觉等构成表象、理性、怪诞（提问：手法、特点如何）

八大的作品、夏加尔的作品（教师可以自己现场表演）

抽象——对自然对象省略、舍弃、视觉刺激、趋向音乐性、意蕴的含混性；平面化、视觉冲击力（提问：形式、特点如何） 康定斯基的作品、蒙德里安的作品（建筑、服装生活用品的应用） 中国的书法作品

实战演习：

十多幅图片学生分组选择回答属于那种类型图象

小结：美术作品因美术语言运用的不同而产生的图象给人感觉也不同；美术作品表现的方法也可以不同，不能用“像不像某种事物”的标准来衡量一切美术作品，即便是具像美术作品也不能等同于照片。针对不同类型的作品要从不同角度欣赏它们。

备用资料

图象与眼睛“色盲表”、马格里特《错误的镜子》 眼睛——心灵的窗户

“西方的微笑”《蒙娜丽莎》、“东方的微笑”《麦积山菩萨》 古人云：“神在双目情在口眉”

“仰视心恭，俯视心慈，平视心直，侧视心快。”

2、美术形象与自然中真实原型是否有区别

照片“长城”与吴冠中的创作“长城”对比 源于生活、高于生活 传神、气势、气韵、意境、天人合

一、人生四种境界、选择、提炼、概括、改造、艺术加工 创造艺术典型

教皇英诺森十世面包（柯勒惠支） 生活中是否有艺术典型？

创作方法：

①再现性偏重于写实 才乌克西斯巴尔哈西乌斯

特点：文学性内容、典型化靠拢、情感藏于形象背后 《筛谷的妇女》

②表现性主观世界的真实性，偏重于感情，不拘泥如实描写 特点：趋于抽象，抛开解剖、比例、结构、空间平面化、突出形式

推荐第4篇：美术课教案

美术课教案

《面具设计制作》

学校：新疆师范大学 学院：美术学院 班级：07—2班

姓名：艾尔夏提.艾尔西丁

美术课教案

题目：面具设计制作 课时：一课时

教学方法：直观交流法、启发引导法、创新表演法

教材分析：本课的设置，改变以往课程中只侧重面具的制作技术，而忽视了对美术文化的学习。这节课的安排可以让学生在学会制作面具的过程中，了解不同国家、地域、民族对面具的理解以及面具与人类与社会发展的关系，从而进一步了解面具深刻的文化内涵-\"在广泛的文化情景中认识美术\"。 教学目标：

1.知识目标：通过对面具艺术的欣赏及文化的学习，了解面具的文化内涵。

2.能力目标：在制作面具的过程中，培养学生创造与审美能力。

3.情感目标：在与同学合作的过程中，既锻炼了协作能力，又培养互助精神。 4.创造目标：鼓励学生在制作面具的过程中，胆大心细，充分发挥相像力，设计制作出有新意的作品。

教学重点：对面具制作材料的理解以及对材料的综合理解

教学难点：让学生设计制作出有个性、艺术效果独特的面具

[教学过程]

一、导入新课：

导言：

《同学们面具作为一种古老的艺术品，在世界艺术发展史上占有重要的地位。时到今日，古老的面具艺术正向现代文明走来，走进我们的生活。那么，怎样去自己设计制作充满现代感的面具呢？这一节课，就让我们一起去研讨面具的设计制作方法，揭开面具神秘的面纱。》

二、欣赏面具表演，激发兴趣

师：要想制作出有艺术品味、独特的面具，首先我们要了解有关面具的文化背景。老师为你们准备了精美的礼物，请同学们看大屏幕。

（课件显示不同国家、地域、民族的面具表演以及面具文化的发展简史。以此引入课题，激发学生的兴趣）

三、分组讨论，交流心得

师：通过刚才对面具艺术的欣赏，四人一组，讨论一下，并谈谈你们观后的感受。 （生争相发表他们观后的感受）

师：对于面具的文化背景，我们已有了大概的了解，那么，现在我们就一起来分析一下面具的设计特点与设计风格。

（师再一次出示课件中精美的面具图片，讲解面具的设计特点与设计风格，为学生的创作打下基础）

四、亲自示范，具体讲解

师：今天老师给你们示范的是立体面具的制作方法。第一步，先把一张平面的纸剪成脸的形状，当然在剪的过程中，同学们可以大胆创新。这个脸的形状不必拘泥一定的模式，可

以剪成圆的、方的，也可以做一些适当的夸张、变形，然后把五官刻好。第二步，就是怎样把平面的脸变成立体的脸，这种方法在以前我们学过的小猴的面孔制作方法中学过，哪一位同学起来说一下？

生：就是在头顶、下巴等部分刻开，然后稍微挤压一下，再粘贴。 师：很好！那么哪一位同学再上来给大家示范一下？ （一生上台示范）

师：好！现在这张脸就变成了有凹凸变化的人脸了。那么，接下来我们开始给这张脸添加装饰。同学们可用自带的物品，如毛绒、麻绳等可以做为头发、胡须，而一些羽毛、贝壳、纽扣等可以作为装饰物。请同学们欣赏几件老师以前制作的面具。（师出示自制面具，并简单分析每个面具的装饰特点，这样更有说服力。）

师：关于面具脸上的色彩，也就是制作面具的最后一步，同学们在彩绘的时候要尽量做到生动、艳丽，能够吸引人的目光。

（师示范涂色的过程中，强调一下色彩要饱合、均匀，最好用原色，增加亮丽感）

五、确定主题，分组制作

师：面具的制作过程示范完了，我想同学们对于面具的制作方法已经获得了最直观的了解。那好，现在同学们就四人一组，先讨论选择出你们感兴趣的内容，并确定出主题，然后就用你们自带的物品，进行面具的设计制作。

（生动手实践，师放背景音乐，使学生在和谐融洽的气氛中体验创作的乐趣，师巡视指导的同时，强调学生在制作过程中注意会出现的意外情况）

六、展评作业

师：大部分同学的作品已经完成了，这次作业的评价方法采用你们自评-互评-师评的方式，评出最有创意的面具，现在请小组代表把你们各自的作品介绍给大家，说一下你们的创作灵感是什么，为什么要采取这种设计方式，介绍完以后把你们的作品放在台上，让我们从第一组开始。

（生代表逐一介绍自己作品，以及它的创作灵感及设计方式）

师：看了同学们的作品，听了同学们的介绍，老师真的为你们美妙的创意、精巧的构思、细致的表现手法所叹服。在我看来，你们的每一件作品都是极致的，独一无二的，但我们今天要评选出一件最有创意的作品，我们采用投票选举的方式，选出最有创意的面具，现在各小组把答案写在黑板上。

（生逐一把所选的面具序号写在黑板上，得出最有创意将，师根据得票情况，又多设了几个优秀奖，激发了学生的积极性。并给予口头及物质奖励）

七、师生共同参与表演，结束本课。（音乐起） 师：听到这样的音乐，有的同学已经开始跃跃欲试了，那好就让我们一起，带着自制的面具，尽情的跳舞吧！

（生代表带着各自面具，根据事先确定的主题，进行面具表演，老师参与其中，拉近了与同学之间的距离，其他同学开心的观看表演，加深了对本课的印象，本课结束）

八、师生再见，下课！

[教后体会与反思]

面具作为一种古老的文化沿袭至今，一直受到人们的喜爱。今天的这一节课上的非常轻松，学生配合默契，情绪高涨，尤其后面的表演节目，把课堂气氛推到了高潮，给学生留下深刻的印象。整堂课的设计集中体现了以学生为本的教学思路，使学生在玩中学、乐中学，从而轻松愉快的完成了教与学的任务

推荐第5篇：美术课教案

人美版二年级下册——

《我喜欢的鸟》教学设计

合肥市蚌四小

陈慧

【教材分析】

本节课属于“造型·表现”领域，同时又融人了“欣赏·评述”及“设计·应用”内容，有利于培养学生的美术综合能力。自然界中的鸟种类繁多、颜色丰富、姿态各异，通过对鸟的回忆、观察、分析、表现，可以使学生感受、体验鸟的美感，培养学生热爱大自然、保护大自然的情感，提高学生的造型能力。通过对画家艺术作品的欣赏，引导学生了解画家热爱大自然的情感，感受画家借物抒情的非凡的创作能力。

【教学内容】

(1)在回忆、观察、分析与交流中，引导学生感受、体验鸟的美感，培养学生的观察能力。

(2)通过用自己喜欢的方法表现鸟，培养学生的造型能力。

(3)在对画家的艺术作品的欣赏过程中，培养学生的欣赏评述能力。【教学目标】

(1)通过学习活动，培养学生对美术学习的兴趣。

(2)在合作学习过程中，培养学生的合作意识。 (3)培养学生热爱大自然、保护大自然的情感。 【教学重点】：鸟的美感及不同种鸟的外形特点。

【教学难点】：如何表现鸟的外形特点。

【教学材料】：课件、绘画纸、彩笔、剪刀、手工纸、

【教学过程】：

一、教学导入：

1、体验鸟的美感。

（课件出现一张森林的照片）

师：今天我们美术之旅又开始了，这次老师带大家来到美丽的森林聆听最动听最自然的声音？你们想听听吗？生：想。（播放各种小鸟的声音）你们听到什么声音？生：小鸟的叫声。

师：让我们一起走进百鸟王国去旅行吧！请同学们注意观察一会看到的鸟儿的颜色、外形、姿态，边看边想带给你怎样的美感？（师播放百鸟王国中的鸟共15幅图片）

师：通过看看，说说鸟有什么美感？学生畅所欲言。（让学生上台分类：颜色、外形、动态） 小结：（1）颜色美。有的鸟类具有漂亮的颜色，这些颜色让人赏心悦目。（图片）

（2）外形美。有的鸟类具有美丽的外形，它们在用身体向人们展示自己是最美的。（图片） （3） 动态美。鸟的动态让我们感受到了强烈的生命力和表现力。（图片）

这三种美的结合，才是鸟最美的体现。

师：老师发现同学们观察得特别仔细，正如你们所说的，这些鸟有的颜色很美，有的外形很美，有的动作很美，都各有特点，真是让我们大开眼界！你们喜欢这些鸟吗？ 生：喜欢。

2、揭示课题（师贴课题：我喜欢的鸟）

二、讲授新课

1、鸟的特点

师：鸟用它们的身体向我们展现了不同的美，但要画出它们的美，还要对鸟进行具体的观察和了解，下面就请同学们观察鸟，并说说鸟的身体结构。小组观察讨论。谁来总结一下鸟的身体主要由哪几部分组成? （1头2嘴3颈 4身 5腿 6足7尾8翅）

师：不同的鸟具有不同的身体特征：我们再来看看它们有什么不同?（演示对比图）

说说每种鸟的身体特征：蜂鸟又细又长的嘴，火烈鸟又细又长，弯曲自如的脖子，犀鸟头上有冠，嘴巴宽大等…

2、教师范画

师：下面老师用大家说的身体结构完成一只我喜欢的鸟。等老师画完之后请你说出我喜欢的鸟的名字。同学们猜出来了吗？

师：我把心中最喜欢的鸟告诉了大家，现在，老师也特别想知道，你们心中最喜欢什么鸟呢？谁来说一说？为什么喜欢？你能说说他的样子吗？ 小结：只有抓住鸟类最明显的特征，才能很准确的表现出它们的样子。

3、欣赏齐白石作品《和平鸽》

师：我国著名的画家齐白石老爷爷也很喜欢鸟，我们一起来看看齐白石老爷爷的这幅作品，请同学们仔细观察这幅画上都画了些什么？ 生：荷花、瓶子、鸽子。

师：鸽子的神态怎么样？你们知道这幅画的寓义吗？荷花、瓶子、鸽子与《和平鸽》有什么关系？ 生：代表着和平。

师：说得真好。齐白石老爷爷用这幅画表达了他对和平生活的热爱。

4、欣赏学生作品

师：再来看看其它同学喜欢什么鸟？看看他们是怎样表现的？

师：看了这么多优秀的作品，老师也从中受到了一些启发，我想给我的猫头鹰添一些背景。（展示不同制作方法的作品）

三、学生创作 制作方法：1）、绘画

2）、剪贴

3）、剪贴画

教师出示相应作品，或者现场制作，让学生产生浓厚的制作欲望。 （师出示各种态的鸟类简笔画：啄木鸟捉虫子、侧面飞的鸟类、休息的鸟、捉鱼的鸟、展翅高飞的鸟、孔雀开屏、休息的姿态、树上站着一群鸟、鸽子衔着树枝等等），请同学们仔细观察，希望你们能从中受到一点启发。

四、作业展评

1、装饰百鸟园。学生把相同的鸟儿粘贴放进一个园。

2、展示、评价作品，德育教育。师：哇！这么多鸟啊！真是美极了！来，为大家集体完成的这幅作品鼓掌！

师：鸟是我们人类的朋友，它们不仅能吃虫子保护树木和庄稼，能供人们观赏，还能装点大自然，美化我们的生活！但是，由于人类的捕杀、对森林的过度砍伐和对环境的污染，许多鸟都无家可归，甚至滨临灭绝，这些鸟儿是幸运的，可以在我们的百鸟园栖息，可是还有更多的鸟儿面对猎人的枪口，你们想为这些可爱的鸟儿做点什么吗？（课件同步播放鸟儿现状的图片） 生：要保护它们

生：保护森林，给它们一个温暖的家 生：要保护环境

师：真了不起，说得太好了！老师相信，你们一定会用自己的实际行动去关心、爱护我们人类的朋友——鸟，做一名环保小卫！ 再次聆听鸟的叫声。

五、拓展欣赏：艺术作品中的鸟。（课件） 1）、摄影作品，2）、木雕，3）、剪纸

4）、画像砖

5）、国画作品 师：这是什么做的猜一猜？下节课教大家制作。（展示易拉罐品）

六、板书设计：

我喜欢的鸟

颜色美 外形美

动态美

鸟的结构：头、嘴、颈、身体、翅膀、腿、脚、尾巴

推荐第6篇：美术课教案

第1课 流动的颜色 (初稿) 设计理念：

通过观察发现---实践验证---交流探索---再发现系列贯穿的活动，流动的颜色让学生轻松愉快的学习了调色的方法及两种颜色的调和会产生第三种颜色等知识，充分体现以学生的主观探索为本，如调色让学生实践后总结，而不是直接告诉学生调色应怎么样调，再如老师提问红、黄、蓝三个好朋友在玩耍时发生了什么事，从而引起学生的好奇心，学生会主动观察发现色彩交融后的变化，提高了学生对色彩的学习兴趣，最后教师提问到除了吹画你还能想出什么办法，让三个好朋友一起玩耍，从而巩固本课所学知识，如学生让蘸色的玻璃球在纸上滚动的游戏。

学习目标：

1、了解两种颜色调和后会产生第三种颜色。

2、吹画后，展开想象，并添画成一幅完整的作品。

教学重点：

学生在活动中发现并认识色彩的变化，体验活动带来的乐趣。

教学难点 ：

学生将颜色调到适合的浓度。

教学准备：

1、学生准备红、黄、蓝三色水彩颜料，吸管等管状材料一根，毛笔，水罐，铅画纸，玻璃球三个，小抹布一块。

2、教师除需要准备与学生相同的材料外，还需准备几张范作（每小组一张）。

教学时间：40分钟

教学过程 ：

１、引导阶段：

欣赏范作，交流讨论：这些作品分别是怎样画出来的？使用了几种颜色？吸管在今天的作业 中有什么作用？让学生在讨论交流中明确学习任务，找到本次作业 的绘画方法及步骤，使下一阶段的学习更有针对性。

２、发展阶段：

教师根据学生交流总结的方法做一次范画，让学生明白使颜色流动的条件——调好颜色是关键。

学生练习调色（告诉学生在调色时，只能用一种颜色），小组总结怎样调色，调到什么程度在纸上吹最合适。

鼓励学生大胆吹画，分别调出红、黄、蓝三色，滴落在纸上吹画。

３、探索阶段：

引导学生仔细观察自己获小组作品，红、黄、蓝三个好朋友在玩耍的过程中，发生了什么事情？这些颜色是怎样“变”出来的？交流观察到的色彩变化情况，教师帮助学生一起总结。

其思妙想做一做，对画面进行添加，使其构图、情节更完美，也可根据画面效果进行裁减。

除了吹画的方法，你还能想出什么样的方法，让三个好朋友一起玩耍，拿出三个玻璃球，想一想，做一做。

４、收拾与整理：

学生将作业 放在通风的窗台或地面晾干，保持作业 整洁。然后，用抹布擦净桌子，最后将水罐及毛笔洗净。

第一课 流动的颜色 (修改稿)

教学目标：

1、知道两种颜色调和后会产生第三种颜色。

2、根据吹画后的效果，展开想像，并添画成一幅完整的作品。

3、培养学生的想象能力和抽象思维能力。教学重、难点：

1、让学生在观察两种颜色互相渗透过程中，感受色彩变化的美。

2、培养学生动手能力和观察能力。

3、根据吹画的效果巧妙地添画。教学课时：2课时

课前准备：教师准备几张范作，以及水彩颜料、画纸、吸管、毛笔、调色盘。 教学过程：

（第1课时）

一、导入阶段：

1、请一位同学和老师一起做游戏：老师有红、黄、蓝三种颜色，两人各滴一种颜色在画纸上，再用吸管吹，让颜料混合、互相渗透。让全班同学观察两种颜色互相渗透的变化过程，并且把看到的变化分别在小组里说一说。

2、请两位同学上台，再做一次游戏，把看到的变化经小组讨论后，在班上说一说。

3、教师小结：两种流动的颜色在互相混合、渗透的过程中变幻无穷，今天，我们一起动手试试，看看这种美妙的变化。

4、揭示课题：流动的颜色

二、课堂教学：

1、师示范调颜色：用毛笔蘸水放在调色盘里，再蘸颜料在调色盘里调匀，调到毛笔蘸颜料时，水份饱满且不滴落。

2、教师示范让颜色互相混合、互相渗透的方法：倾斜画面，直接用嘴吹，用吸管吹等。

3、师问：除了老师的这些方法之外，大家想想还有什么办法可以使颜色流动吗？（要求同学在小组里讨论，在作业时应用、尝试。）

4、强调在作业游戏的过程中要注意观察色彩融合、渗透时的美妙变化。

5、教师帮助学生一起总结，示范语句表达形式。

师示范：我用 办法，让 色和 色融合在一起，我看到：

。

三、布置课堂作业：

1、会调匀水粉颜料。

2、用各种方法让颜色互相流动，观察颜色融合时美妙的变化，且把观察到的在小组里进行交流。

3、比一比，哪组的颜色流动方法多？说说观察到色彩有什么变化？

四、学生练习：

学生以小组开展作业游戏，教师进行巡视指导。

五、小结：

各小组展示自己的作品，说一说用的方法、讲一讲观察到的情况。

教学后记：

本课我是这样引导学生作画的，第一步我和学生一起做色彩游戏，请学生自己观察游戏过程中的色彩变化，导入今天的新课。第二步：发展阶段，我是先在调色盘里放一点水，毛笔蘸水且水不滴落，再蘸颜料在调色盘里调匀，告诉学生在调色时可以用一种颜色，最多只能用两种颜色，最后用笔将调好的不同颜料滴落在作业纸上。然后倾斜画面、直接用嘴吹，或用吸管等方法使颜料流淌。我强调学生在游戏作业过程中注意观察色彩融合后有什么变化。学生交流观察到色彩变化情况，帮助学生一起总结。最后，对画面进行添画，使其构图，情节更加丰满。也可根据画面效果进行剪裁。这样，学生比以往学得更有兴趣，画得更认真。

第3课 闪光的名字 (初稿)

课时：1课时

教材简析：

名字是一个人的符号，也寄予了家长对孩子的无限祝愿。上学期学象形

文字时，好多学生已经用象形文字表现了自己的名字。本节“闪光的名字”

是引导学生运用多种造型手段将自己的名字象形化。

教学目标：

1、引导学生用多种造型手段将自己的名字象形化，最好达到形、色、意的

统一。

2、用闪光胶或其它有光泽的材料使自己的名字“闪光”。

3、在表现自己名字的过程中体会家长在名字中寓于的对自己的期望。

教学重、难点：

1、在表现自己名字时将自己的名字象形化，最好达到形、色、意的统一。

2、名字与底色、装饰的颜色要来开，一定要突出名字。

教学准备：

教师：以班里同学的名字为表现对象的范作若干。示范工具。实物投影仪。

学生：美术作业纸、水彩笔、油画棒、闪光笔、闪光中性笔等。

教学活动过程：

1.出示一幅上学期班里一位同学用象形文字表现的自己的名字供大家欣

赏。

请几位同学起来谈谈家长为什么为自己起这个名字，其中有什么寓意，谈

谈自己对自

己名字的认识。

2.谁不想做个顶天立地的人，谁不想自己的签名富有特色，谁不想让自己

的名字闪闪发

光！

通过实物投影仪展示教师为班里几位同学设计的名字，通过比一比、说一

说等，引导

学生在欣赏中体会怎样根据名字的外形、笔划、意思来

进行造型加工。

3.怎样让表现好的名字闪闪发光？请学生们通过看书、讨论、试着画一画等，

找寻让名

字发光的多种手法。

4.交流自己的研究成果。

5.试着用多种手法表现自己的名字，并运用闪光胶或其它材料表现自己的名字。

6.“闪光的名字”作品展览。

7.相互参观与评述。

8.拓展：

有什么方法让自己的名字“站起来”呢？试着做一下。

第三课 闪光的名字(修改稿)

教学目标：

1、初步认识美术字。

2、能用综合材料绘画或书写自己的名字。

3、培养学生敢于大胆想象创造的精神。教学重、难点：

1、设计具有自己特色的名字。

2、尝试用各种材料装饰名字。教学课时：2课时

课前准备：变体美术字的作品，画册、记号笔、水彩笔、油画棒、闪光材料、白纸

教学过程：

（第1课时）

一、导入新课：

1、教师出示（投影）一些明星、歌星龙飞舞凤的艺术签名，让学生说说自己的看法感受。

生：看不懂是什么名字、龙飞凤舞有特色、„„

师：告诉学生要设计具有自己特色的名字，首先要让别人看得清、认得懂你的名字，可以让学生稍加评价，对明星艺术签名的看法、评价。

2、出示课题：闪光的名字

二、发展阶段：

1、学生说说自己的名字有什么特别的含义？为什会取这个名字？对自己的名字有何看法

2、学生看看教材上的画画，说一说它们的名字，假如让你做、你有什么想法。

3、教师展示一些形式较为自由夸张变形的美术字作品让学生欣赏。

4、教师取班上任一学生的名字进行设计示范，学生帮老师出主意，共同设计名字。

5、设计法：

（1）笔划双勾法，后上彩色。 （2）笔划用实物代替法。 （3）部首实意，实物替代法

（4）给自己的名字添画背景或花边装饰。

6、学生思考：你准备用什么材料制作，运用什么方法（绘画、剪贴、撕贴）进行制作。

7、作业要求：构图饱满，形式多样，色彩鲜艳。

三、学生作业，教师巡视辅导，及时点评作业。

四、课后拓展：

将它制作成特色的胸卡，实物（例：叶子、布、泡沫等）厚实材料拼贴，让自己的名字站起来。

教学后记：

本课教学通过课前了解自己名字的意义、课中学生自主探究和实践，激发了学生学习美术的兴趣；培养了学生的感知能力，通过体验不同的美术表现方法和材料的运用，让学生在采取夸张、变形、衬底、图案装饰等方法来创作自己的名字画的同时，体验和感受到制作艺术字，变体字的乐趣，发现名字的音美、形美、意义美；培养了学生的美术创造能力。

第八课 对印的花纹(初稿)

教学目标：

1、能说出5-10件左右对称的物体。

2、能够用印的方法表现2-3幅作品。

3、了解对称图形带给人们的一般感受。教学重、难点：

1、对称图形的特点。

2、如何正确使用水彩颜料。教学课时：2课时

课前准备：对称的实物、水粉颜料、调色盘、笔、水罐、抹布、作业纸 教学过程：

（第1课时）

一、组织教学

二、引导阶段

1、让同学议一议、说一说日常生活中什么东西是对称的，对称就是以一条中心线为准、左右对称或上下对称、对角对称，出示准备的实物、结合教材范例让学生看一看、议一议对称的美（平衡、均衡、整齐、稳定）。

2、组织让学生观察教材的制作过程：把作业纸对折，在对称轴的一边画、合起来，印一印，打开看象什么？让大家来试一试制作一幅对称图，再谈谈制作中会遇到什么困难，（对称的颜色不明、画面糊了）。讨论怎样才印的清晰(颜料浓淡要适当)。

3、小组讨论：哪些物体适合用对称方法表现。构图（一半图形的设计）、色彩的搭配？

三、发展阶段

1、教师示范

（1）构思要印什么，先想好，纸对折、在中心线的一边，画出一半的内容。 （2）调色（注意颜料少调些水，色彩要鲜艳，不要几种颜色混在一起，弄脏了画面。 （3）对印，展开，根据印出来的图案看看，想一想印出的东西像什么？ （4）添画，对构图缺陷的可添画补救、形象不清用添画使其具体清晰，色彩不丰富的可添画装饰美化。

2、学生进行操作练习，教师巡视辅导，注意提醒学生注意保持画面的整洁，手脏了不要用抹布擦干净。引导小组同学互相学习。

四、收拾与整理

将毛笔、调色盘、水罐清洗干净，用抹布将桌子擦干净。

教学后记：

了解对称图形带给人们的一般感受是本节课主要目的。构思要印什么，先想好，纸对折、在中心线的一边，画出一半的内容对印，展开根据印出来的图案看看，想一想印出的东西像什么？添画对构图缺陷的可添画补救、形象不清用添画使其具体清晰，色彩不丰富的可添画装饰美化，这些都可以提高学生的想象力。

第九课 蜻蜓飞飞 (修改稿)

教学目标：

1、重点地观察蜻蜓，了解对称对于飞翔的重要性。

2、学会用不同的线条和色彩来表现蜻蜓的美。

3、掌握创作的基本方法并以蜻蜓为主题创作一幅作品。教学重、难点：

1、蜻蜓的结构及绘画方法。

2、结合不同的材料，大胆的表现画面。教学课时：2课时

课前准备：蜻蜓观赏VCD、标本、有关蜻蜓的绘画作品、彩色笔、油画棒 教学过程：

（第1课时）

一、组织教学

二、导入阶段

1、导入语：“今天老师要带小朋友到昆虫世界去认识一个朋友。”播放蜻蜓观赏VCD。

2、小朋友来说说这个朋友长着什么样？有什么特别的地方吗？

3、小朋友想不想了解这个新朋友的更多秘密啊，那就让我们一起走进蜻蜓的家吧！

4、揭示课题：蜻蜓飞飞

三、发展阶段

1、展示蜻蜓标本。教师引导学生观察，了解蜻蜓的身体结构。（蜻蜓分为：头、胸、腹。胸部有三对足，这是昆虫特有的特征，还有两对透明的对称的大翅膀，上面有很多翅脉。头部有一对触角，还有一双复眼，占据头的大部。腹部较长，上面有很多不同的花纹。）

2、让学生自由提问，还想了解蜻蜓的哪些问题，师引导作答。并通过图片让学生了解蜻蜓生活习性，如：蜻蜓好湿、下雨天飞得很低，捕捉虫子等。

3、请小朋友一起来讨论：蜻蜓是美丽的，那你们觉得它美在哪呢？

4、思考：“你想用什么方法来表现它的美呢？”并请几位同学到黑板进行现场绘画。

5、欣赏书本范图及线描的蜻蜓绘画作品，自由讨论：“看看其他小朋友跟你们的想法有什么不一样，你觉得他们好在哪，我们应该学习他们的哪些优点？”

四、作业设计

1、作业：请小朋友来为蜻蜓画一个故事，看看谁画的故事最特别，最好。

2、要求：仔细观察蜻蜓的结构，大胆发挥想象力，结合不同的材料把蜻蜓的美表现出来。

五、学生绘画，师巡视并进行辅导

六、收拾与整理

教学后记：

蜻蜓飞飞一课的重点是让学生学会用线条来描绘蜻蜓身体和翅膀的细部，在让学生了解了蜻蜓的生活习性，蜻蜓的结构、利用演示，让学生掌握住蜻蜓的各种姿势的动态的绘画方法之后，让学生仔细观察蜻蜓翅膀的特点，结果有的同学很轻松的发现，蜻蜓翅膀的线很细、很密、很有规律，于是我借助学生总结的这几点，要求学生用细密有规律的点和线对蜻蜓进行装饰，结果全班大部分同学都能细致的表现了蜻蜓翅膀的纹理，画出了各种动态的栩栩如生具有装饰效果的蜻蜓，收到了预想的教学效果，学生的造型能力和画面空洞的问题的解决在这一节课得到了很大的提高！

第9课 蜻蜓飞飞 (初稿) 课型:造型·表现 课时1 设计理念

1、让学生深入了解蜻蜓的有关知识，仔细观察蜻蜓的外形、结构、色彩以及各种姿态。了解对称对于飞翔的重要性。

2、学会用各种线条、色彩描绘蜻蜓的身体和翅膀。

3、充分发挥想像和创造，运用不同的手法表现蜻蜓。。 学习目标

1、有重点地观察蜻蜓，了解对称对于飞翔的重要性。

2、创作一幅以蜻蜓为主题的作品。学习重点

引导学生观察蜻蜓，抓住其对称的特点。 学习难点

运用不同的手法表现蜻蜓。 教学准备

教具：课件、蜻蜓标本、图片。

学具：作业 纸、各种材质的彩纸、笔、剪刀、胶水等工具。 教学过程

一、组织教学：

二、谜语导入 ：

1、师：二年级五班的同学很聪明，都很善于动脑筋，今天老师给大家带来两个谜语，想不想证明一下自己的能力。请大家看屏幕。出示课件。

2、猜猜我是谁。

（1）身体细细长又长，身后背着四面旗。

斗大眼睛照前方，专除害虫有助益。 （2）小飞机，纱翅膀.飞来飞去灭虫忙. 低飞雨，高飞睛，气象预报它内行.生：蜻蜓。

3、师：大家是从那些地方猜出是蜻蜓的。生回答。板书：身体、翅膀、眼睛

4、师：大家真的很聪明，说的很好,谜语抓住了蜻蜓的外形特征描写了它。今天我们就来学习第9课――蜻蜓飞飞。板书课题。

三、讲授新课

1、刚才大家猜了谜语，现在老师有2个问题，出示课件。（1）你都知道有关蜻蜓的那些知识？（包括生活习性、环境等） （2）蜻蜓姑娘是美丽的，你觉得它美在那？

2、现在我们来分组讨论一下，把你了解的知识在小组内交流一下。

3、小组汇报。

生：我知道蜻蜓在水中产卵；我知道蜻蜓有一双复眼，复眼有许多小眼睛组成；蜻蜓下雨以前飞的很低，晴天飞的很高；我还知道（转载自第一范文网http://www.daodoc.com，请保留此标记。）“蜻蜓点水”的成语„„.

4、同学们了解的知识真多，说的真棒，想知道老师收集的资料和看法吗？出示课件。

我知道：（1）蜻蜓：是目差翅亚目昆虫。翅大，膜质，多翅脉。翅展开时可达16厘米。翅平展，与体纵轴成直角。复眼大，占据头的大部。是飞行最快和最善捕食的昆虫之一。幼体水生，叫水虿（chai）。 （2）我觉的蜻蜓这些地方漂亮，如： 身体：它长长的细细的，有漂亮的花纹 翅膀：有两对，又长又薄，纹理很多 眼睛：有两对，复眼大又圆 颜色：很丰富

（3）刚才同学说“蜻蜓点水”，它本身的意思是蜻蜓在水里产卵，它的另一个含义是指人在学习和工作中，不扎实、肤浅的意思。希望大家这节课对学习可不要象“蜻蜓点水”。

三、欣赏图片

1、刚才我们用语言来描绘了蜻蜓，我还给大家来了一些漂亮的图片，请大家仔细欣赏同时，认真观察蜻蜓，是不是向我们说的那样美丽。

2、欣赏了图片，大家能把蜻蜓的美丽，说的再详细些吗。学生回答„„

教师小结：翅膀的纹理；肚子的图案；身体是对称的。 教师用肢体语言表现对称，介绍对称对蜻蜓的飞翔很重要。

3、下面我们就来看一下书中小朋友的作品，他们是怎样表现蜻蜓的。学生发表见解，教师小结。小朋友用线条表现了蜻蜓的身体和翅膀，画的很详细，表现了蜻蜓的动态。

4、大家想不想用自己的方法表现蜻蜓。

四、出示作业 要求：

1、学会用线条描绘来描绘蜻蜓身体和翅膀的细部。

2、用剪刀剪下蜻蜓的身体，并粘贴到背景画面合适的位置上。

3、大家有什么方法可以做的蜻蜓有快又好。

学生回答：将作业 纸对折，在中心线的一半上画上蜻蜓的一半，剪下，再用彩笔画出蜻蜓的细部即可。 师：你根据什么这样做的？ 生：因为蜻蜓身体是对称的。 师：你真棒。

4、学生练习。

五、小结

这节课我们依靠集体的力量共同完成了一幅长卷，每个同学表现的都非常优秀，很积极，都能有重点的观察和表现美丽的蜻蜓，那你能不能评一下。

1、谁的作品与众不同？谁观察蜻蜓最仔细？

2、这节课你除了学会制作蜻蜓，你还知道了些什么知识？学生回答。大家表现的很优秀，今天的课就上到这，下课。

第十二课 有趣的瓶盖 (初稿)

教学目标：

1、能够用瓶盖排列、拼贴图形。

2、能够将各种瓶盖组合起来做成1-3件玩具。

3、对用废旧材料自制玩具产生兴趣。教学重、难点：

1、引导学生对瓶盖进行联想并清楚制作方法。

2、启发、引导学生对各种瓶盖进行大胆设计构思，创作出有趣的玩具。教学课时：1课时

教具学具：各种瓶盖，纸张，剪刀等手工用具。 教学过程：

一、组织教学

二、讲授新课

1、导入：

师：小朋友，我们今天要把一些废旧物品变成可爱的小玩具，它就是是瓶盖。先看看你们都收集到怎样的瓶盖了？（组织学生将瓶盖摆放在桌盖上）

2、新授：

（1）请你们介绍一下收集到的瓶盖，说说它是大的还是小的，有什么特别的地方。（瓶盖的颜色、纹理、材质等）

小结：虽然有这么多种，但我们发现大多数瓶盖的形状都是圆形的。 （2）师：除了瓶盖，你还在我们身边发现了什么圆形的东西？ （如风扇、太阳、花、水壶、小人、动物的头等）

（3）思考：这些圆形的物体或物体的部分和我们带来的瓶盖有什么关系？ （可以用瓶盖把这些物体做出来）

（4）联想游戏：请同桌的小朋友把你们的瓶盖放在一起，看一看，想一想，它象什么？也可以叠在一起来，拼在一起看，一边玩一边说，比一比谁说得最多。（请学生说说想到的）

3、发展阶段： （1）（师出示范作）老师很高兴你们能想出这么多能用瓶盖做出的玩具，我也想到了一个，想不想看看老师是怎么做的？ （2）师演示制作过程（以小虫为例）

（3）除了制作，还需要一些材料装饰，请看看课本17页的作品，今天你要用瓶盖来做什么？还要用哪些材料？

三、学生制作，教师辅导，优秀作业点品

四、作业讲评

五、收拾与整理

六、课后拓展

除了课上做的这些，你还能用瓶盖做什么？（师出示钟） 请你回去想一想，做出更特别的玩具来。 教学后记：

将丢弃边角废料利用起来，提醒学生激发学生的创造性，培养自信心、制作过程中及时将一些有创意的想法、做法进行交流展示，以便对其他同学有所启发。将纸与其他无机材料分开放置引导学生利用瓶盖排列、拼贴图形。表现生活中的事物，体验材料带来的美感。

推荐第7篇：美术课教案

1.池塘飞过小蜻蜓

教学目标：培养学生的审美能力，锻炼学生的动手能力，以及团结协作能力。 教学重点：使学生了解简单的蜻蜓的有关知识。

教学难点：手撕小蜻蜓形体的掌握，画面的整体效果的把握。

教学过程：

谜语导入：小飞机，沙翅膀，飞来飞去忙灭虫，低飞雨，高飞晴，天气预报它内行！

谜底：蜻蜓

教师教学生儿歌（儿歌开始 儿歌结束） 《小蜻蜓》

小蜻蜓，是益虫，飞到东西来飞到东，不吃萝卜不吃菜，是个捕蚊的小英雄。 1.彩色手工纸剪裁荷花，手撕蜻蜓。 2.记号笔添加池塘中其它小伙伴。 3.油画棒涂色。

2.燕鱼公主出游记

教学目标：培养学生的观察能力、动手能力，使学生热爱自然，学会审美。 教学重点：燕鱼的折叠方法，大小的搭配。 教学难点：燕鱼身上的鱼鳞花纹的设计。

教学过程：

故事导入：教师讲故事，燕鱼公主在出游途中的所见所闻。 1.剪裁手工纸，折叠小燕鱼，并粘贴。

2.记号笔或油画棒添加小燕鱼在途中的所见所闻。3.油画棒涂色。

燕鱼鱼体呈菱形，极侧扁，尾鳍后缘平直，背鳍、臀鳍鳍条向后延长，上下对称，似张开的帆。腹鳍特长，呈丝状。从侧面看像空中飞翔的燕子，故又称其为燕鱼。

蜻蜓一般在池塘或河边飞行，幼虫(稚虫)在水中发育。捕食性，成虫在飞行中捕食飞虫。食蚊及其他对人有害的昆虫, 成虫有两对等长的窄而透明的翅，脉序网状，翅前缘近翅顶处常有翅痣。胸部斜列，前胸小，能活动。足接近头部(以便于捕食)。腹部细长。复眼突出，触角小而不明显。

推荐第8篇：美术课教案

第一课

人物画（1） 你心中的白雪公主

开场白：大家好，我叫王洋（写），来自石油大学，很开心看见这么多可爱的小朋友，这个暑假呢我教大家的是绘画课，希望大家喜欢，首先呢我要强调一下课堂纪律，上课要认真听讲，不可以随便说话，更不可以下位，不然老师会生气。其次呢，希望大家都可以好好表现，美术是一门非常有魅力的学科，用一支笔，我们可以画出我们心中的世界，而且通过画画，我们可以陶冶情操，修身养性，接下来的课堂里，让我们一起用画笔画出心中所想，好不好？ 教学目的：

是家公主喻户晓的童话故事，每个孩子心中都有属于自己的白雪公主。通过画出自己心目中的白雪公主的故事，不仅可以激发孩子们的想象力，也会使他们对白雪公主这个故事有更深刻的印象。 教学重点及难点：

引导学生画出优美的人物形象，使其线条流畅，色彩和谐，使孩子们发挥丰富的想象力。 用具准备： 铅笔，橡皮，彩笔。 教学过程：

1、阐明本节课主题。

2、引导学生积极发言，说出自己心中的白雪公主的形象。

3、示范。

4、开始绘画。期间来回巡视，加以指点，鼓励创新。

5、收起学生作品，下节课评出优秀作品，奖励彩铅一支。

（同学们是不是都很喜欢听故事?大家是不是都听过白雪公主的故事？有没有同学可以给大家讲一下呢？讲述了白雪公主受到继母的虐待，逃到森林里，遇到七个小矮人。最后在他们帮助下，克服了后母的诅咒，找到真爱的王子的故事。这个女孩的皮肤白得像雪一般，双颊红得有如苹果，头发乌黑柔顺。当然，故事里还有英俊的王子，美丽却恶毒的王后，七个善良的小矮人。大家可以选择自己喜欢的角色来画。在大家画之前先给大家展示一下一些图片） 下面请大家开始画吧，你们可以模仿，但是老师更喜欢你们自己想出来的作品，老师相信你们都很有想象力对吗？发动你们的脑筋，先用铅笔画，画好之后再上色，下课上交，老师会打分，评出优秀作品，大家一定要认真画啊。 课后反思：

本节课通过对白雪公主故事中人物的形象塑造开发了学生的想象力，理解力及动手力。

第二课 手绘贺卡

教学目的：通过讲授贺卡的设计、制作过程，进一步学习色彩、设计、制作等各种知识。

教学重点：设计制作，图案绘制。

用具准备：卡纸，彩笔，铅笔，橡皮，剪刀，小刀。

教学过程：大家知道贺卡是干什么的吗？每年我们都会过很多节日，每一种节日都有不同的庆祝方式，比如中秋节吃月饼（提问），端午节吃粽子（提问），春节放鞭炮吃饺子（提问），当然也有很多节日我们没有这样统一的庆祝方式，可能每个人都有自己的不同的庆祝方式，比如说母亲节，父亲节，教师节，还包括亲人朋友的生日。我想问一下同学们都是怎么庆祝生日的，可以说自己的，也可以说别人的，比如你们的爷爷奶奶爸爸妈妈同学朋友。（提问3人）那么，我再问一下，父亲节母亲节你们会给爸爸妈妈准备什么礼物呢？（提问3人） 同学们说的都很有意思，大家知道老师都是怎么庆祝这些节日以及生日吗？我最喜欢做贺卡。每当节日或者有人过生日的时候，我都会找一张卡片甚至是一张普通的纸，画上漂亮的图案，写上我的祝福，做成一张精美的贺卡。当他们收到这份礼物时，都会很开心很感动。大家有没有听过这句话“礼轻情意重”？（写）有人知道这句话的意思吗？就是说，送礼物重要的不是礼物有多贵重，而是礼物里包含的情谊更重要。一张小小的贺卡，里面装满了我们的心意，省钱而又精致，是个非常好的礼物。我们这节课就来学习如何制作贺卡。 下面，我先给大家讲一下该怎么做，讲完后我再带大家一起做。

第一步，确定贺卡的形状。贺卡的形状是不固定的，随意的，只要你喜欢，就可以把它剪成你喜欢的任何形状，可以是长方形，也可以是圆形，一般情况下我们用的比较多的是长方型的。

第二步，绘制图案，这是影响整个卡片效果的最重要的一步，你画的图案好不好看直接决定了你的贺卡漂不漂亮。那么怎样才能设计出美观的贺卡呢？首先，我们可以给卡片设计一个花边，（示范，波浪线，星星，小花，波点）。然后，我们开始写贺卡的内容，写得最多的就是节日快乐和生日快乐。怎么样才能使我们写的字看起来更漂亮呢？关键在一个字“修”。（示范）然后我们可以写一些我们想说的话，这里就不要求字体了，只要写的整洁大方就可以了。写之前用尺子打好格，不仅显得整齐，也更美观，画面会更充实。接下来就要画图了。画图的原则是要和谐。比如说母亲节，我们可以画一个妈妈和孩子，生日卡片可以画一个大大的蛋糕。我们也可以画一些我们喜欢的东西或者对方喜欢的东西。比如说，如果爸爸喜欢苹果，我们可以画一些苹果在上面。这样呢，一张贺卡已经基本成型了。

最后，就是润色。你可以看看你做的贺卡有什么不满意的地方进行一下修改。比如，这个地方太空了，你可以画点东西在上面，小花啦，小草啦，大叔啦，都可以。

好，一张贺卡就这样完成了，下面让我们们开始设计属于自己的贺卡。 这节课到此结束，我们下节课再见。

教学反思：增加学生的动手能力，设计能力，同时学会表达对家人、老师、朋友的爱。

第三课 美丽的国旗

教学目的：增加同学们对五星红旗的认识，激发学生的爱国热情；介绍其他国家的国旗，开拓学生的眼界。

教学重点：国旗的认识与绘画，创造性的设计班旗。 用具准备：绘画本，彩笔，铅笔，橡皮。

教学过程：同学们，每当周一早上我们都会参加升旗仪式，这是一件非常神圣的事，那么大家知道我们国家的国旗叫什么吗？ 国旗是什么样子的？哪位同学可以说一下？

同学们基本上都说全了，下面我请一位同学到黑板上来画一下，其他同学在下面认真看，待会我会请同学点评。

很好，请这位同学回去坐下，这位同学画的怎么样?有什么优点和缺点？让我们一起来修改一下。很好，一面五星红旗我们就画好了。下面我们来详细的了解一下国旗--五星红旗。

五星红旗，是在1949年7月由管联松设计。其中红色象征革命；五星为黄色，有象征中国人为黄种人之意。大星代表中国共产党，四颗小星代表工人、农民、知识分子、民族资产阶级。四颗小星环巩与大星之右并各有一个角尖对大星的中心点，象征中国共产党领导下的革命人民大团结和人民对党的拥护。 毛泽东主席亲自升起第一面五星红旗；中国体育健儿为国争得荣誉； 下面我再给大家介绍一些其他国家的国旗，相信其中很多大家都很熟悉。 了解了这么多国旗之后，相信大家对国旗的认识已经加深了。如果老师现在让你们为我们这个班级设计一面班旗，你们会吗？你们会在班旗上画什么呢？同学们说的都很有新意。我认为设计班旗有两点，一点是要能表现我们班级的特色，另一点要有寓意，就是要有深意，比如红色代表勇敢，白色代表纯洁，可以在上面画上我们班级的标志。

下面剩下的时间是我们的绘画时间，有两个任务，画一面国旗，设计一面班旗。争取下课前画完。

教学反思:通过认识国旗设计班旗，开拓眼界，开发想象力。

第四课 点线游戏

1、大家都喜欢玩游戏，因为在玩游戏的过程中，可以感到快乐，可以产生许多新的体验。

2、玩游戏有一定的规则的，违反规则就要被提出局，就回享受不到那么快乐了，因此要享受快乐，就必须严格遵守游戏规则。

（三） 讲授新知：告诉学生今天做点线的游戏。游戏规则是：认真听老师讲，开动脑筋，并大胆、细心地去做。

1、点中心点

① 现在把纸和笔准备好，我们开始做点的游戏。第一步要求在画纸的中心点上一个点。问学生懂得什么叫中心点吗？就是离上边和下边一样远、离左边和右边一样远的一个点。

② 注意只能用眼睛观察，凭感觉，不能用手量，更不能用尺子量。目的就是要锻炼同学们眼睛的准确性。我先做一遍，大家要看明白。确定的时候，一定要看看上下左右，不能上来就随便一点，那不一定是画面的中心。好你们来试试。（学生在画纸上找中心点，并点上）

③ 点的还不错，稍微偏一点也没关系，不可能头一次都能点得非常准的，以后训练多了自然就会越来越准。

④ 大家看，这个中心点就把画面分成了上下左右四个小方块。接下来用刚才的方法点出这四个方块各自的中心点。（学生点出四个方块各自的中心点） ⑤ 要大胆、细心，有时候凭感觉就能找到。

⑥ 通过以上几点，就把画面分成出了十六个小格，我们再把这十六个小方格的中心都点出来。（学生继续点中心点，教师巡视，进行个别辅导）

（四） 根据想象连线

① 现在纸上出现了21个点。我们现在可以用各种线条把它们连起来，就可以出现非常有意思的画。但是连的时候不要随便连，关键是一定要有想象。想办法把这21个点尽量用上，让画面充满些。你们看这些点像什么东西？（请同学说出自己的想象）

② 同学们的想象力很好，下面我们一同来欣赏一下其他同学的画。看一看他们在运用点线方面有什么特别的地方。（请学生观看后，回答。主要引导学生分析画中心线的运用情况，如种类、长短、粗细、疏密等）

③ 下面就请同学们根据自己的想象，运用多种不同的线有选择地对点进行连线。（学生继续点中心点，教师巡视，进行个别辅导）

④ 大家通过观察、分析、比较，再经过联想就把一副副画画出来了，这样就轻而易举地学会了画画的方法了。

（三）用点装饰

① 大家能通过手中的画笔把自己美好的想法勾画出来了，有的同学画得很细致，有的同学概括得很好，我们开始感觉到画画真有趣。大家注意游戏还未结束，现在继续进行。

② 其实，除了这些常见的点，你还可以创造出自己的点，比如三角点、五星点等。如果把这些点用到你的画中，你的画一定是非常有趣的。试试看，你一定能画出许多独特的点来的。（学生继续点中心点，教师巡视，进行个别辅导）

（五） 小结

学生绘画结束，进行作品展示、点评。

第五课 折折做做 第六课 诗意的荷花

教学内容：

同学们，这节课我们要一起走近荷花。

荷花是纯洁的，美丽的。爱莲说中有这样一句话：予独爱莲之出淤泥而不染，濯清涟而不妖。莲花是花中的君子，也是我最喜欢的花。

小池

泉眼无声惜细流1，树阴照水爱晴柔2。 小荷才露尖尖角3，早有蜻蜓立上头4。[ 泉眼悄然无声是因舍不得细细的水流，树阴倒映水面是喜爱晴天和风的轻柔。

娇嫩的小荷叶刚从水面露出尖尖的角，早有一只调皮的小蜻蜓立在它的上头。

下面我们来介绍两种荷花，一种是诗中所说的小荷，另一种是绽开的荷花。 下面，我一遍示范，你们跟着我画。

大熊猫（学名：Ailuropoda melanoleuca，英文名称：Giant panda），属于食肉目、大熊猫科的一种哺乳动物，体色为黑白两色，它有着圆圆的脸颊，大大的黑眼圈，胖嘟嘟的身体，标志性的内八字的行走方式，也有解剖刀般锋利的爪子。是世界上最可爱的动物之一。大熊猫已在地球上生存了至少800万年，被誉为“活化石”和“中国国宝”

大熊猫体型肥硕似熊、丰腴富态，头圆尾短，头躯长1200～1800mm，尾长100～120mm。体重80～120kg，最重可达180kg，饲养的熊猫略重，一般雄性个体稍大于雌性。头部和身体毛色黑白相间分明，但黑非纯黑，白也不是纯白，而是黑中透褐，白中带黄。

目前野外到底有多少只大熊猫？这是个很难回答的问题。居住在高山区陡坡的密竹林中，大熊猫的统计成为一项很艰苦的工作。在七十年代和八十年代曾经有过两次调查，估计野外有约1000只大熊猫，这个数字可能偏低。大熊猫分布区域内共有37个县，若按主产、一般和少量三级划分，主产县每县约有100只，共有7个县；一般多产县每县约50只以上，共11个县；少产县每县常在50只以下，计有19个县。据此推算，大熊猫野生数量总计约有一千只不到，圈养的数量约为100只。大熊猫的净生殖率大约只有1.06740002，所以种群增长缓慢。根据国家林业局2006年的调查，目前全国有野生大熊猫1596只，圈养数量161只。大熊猫是熊科家族中最为珍稀，受到最大生存威胁的哺乳动物之一。距估计已达2000只以上 4.1 行为特点

大熊猫每天除去一半进食的时间，剩下的一半时间多数便是在睡梦中度过。在野外，大熊猫在每两次进食的中间睡2～4个小时，平躺、侧躺、俯卧，伸展或蜷成一团都是它们喜好的睡觉方式。在动物园里面，饲养员每天两次定时给它们喂食，所以大熊猫其他的时间都用来休息。即使在睡觉的时候大熊猫看起来也很可爱。它们非常的灵活，能够把它们笨重的身体摆成各种各样的姿势。最喜欢的姿势便是腿撑在树上，并用手遮住眼睛。

大熊猫最可爱的特点是它那胖嘟嘟的身体和他那内八字慢吞吞的行走方式。这是因为

大熊猫

它们生活的环境里面，有充足的食物，没有天敌，没必要行动很快。但是，正是它这种慢吞吞的动作使它能够保存能量，以适应低能量的食物。它们有时候也会爬树侦察情况，逃避入侵者，或是打盹。

大熊猫善于爬树，也爱嬉戏。爬树的行为一般是临近求婚期，或逃避危险，或彼此相遇时弱者借以回避强者的一种方式。熊猫有时还下到山谷，串入到山村小寨或住宅，把锅盆桶具，尤其是圆形的器皿当成玩具，玩耍后弃置山野。有时它们还和羊、猪等家养的牲畜亲善，随着同吃同住。

通常情况下，大熊猫性情总是十分温顺，初次见人，常用前掌蒙面，或把头低下，不露真容。它们很少主动地攻击其他动物或人，在野外偶然相遇时，总是采用回避的方式。但一但当上了妈妈，其小宝贝就是神圣不可侵犯的，即便是关怀看望，也会惹怒母亲大动肝火，张牙舞爪，动手动脚。有时它们还爱作一些修饰及其他一些求适活动。可以象猫一样把身体伸直，前是伸开，后半身抬起，让身躯灵活舒展，或睡醒以后，前肢直伸打哈欠。如果被水沾湿或过河涉水后，也可以象狗一样把身上的水抖掉。

在野外，大熊猫通常在发情季节发生冲突，特别是当三到四只雄性追求一只发情的雌性时。有时候，雌性和雄性也会发生争斗。在动物园，它们的争斗通常是因为水，食物或某只大熊猫占据了好的地盘。

第八课 写生

推荐第9篇：美术课教案

人的大脑是一个整体：左半球重于想象思维，右半球重于形象思维。对低幼儿童来说，右半球比成人占较大优势，但随着年龄的增长，这个优势会逐步减弱。所以，我们应该抓住时机，巩固和发展这个优势。

有人认为孩子在幼儿时期有一定的绘画才能，将来长大了就一定能成为画家。其实小画家和大画家之间并没有直接的联系。幼儿时期画得相当出色的孩子，长大后真正成为美术工作者的为数并不多。但是，许多医生、科学家、建筑师和画家的成才之路却常与儿时爱画画有着密切的联系。这是因为幼儿美术最大的特点就是发展了幼儿的创造性思维。在幼儿时期通过美术活动培养这种素质是非常有利的，为幼儿今后的成长打下了良好的基础。

美术活动除了可发展幼儿创造性思维外，还可以培养敏锐的观察力、灵活的动手能力和初步的审美能力。幼儿一旦形成了这种能力。就可以促进其他方面的学习，促进孩子的全面发展。因此，不管孩子是否有美术天才，也不管孩子长大后当不当画家，鼓励幼儿参加美术活动，通过活动发展幼儿的智力和能力，无论对孩子的今天还是明天都有好处。

美术教育有特定的内容与意义。它是从儿童的心理特征出发，通过绘画、设计、工艺制作等各种各样有趣的造型活动，培养儿童对美的感受力、想象力和创造力。儿童美术教育把孩子们带到一个美的现实和美的精神世界里；有造型美、色彩美；有大自然的美、人们劳动创造的美。这一切会使儿童获得美的感受。儿童美感的产生源于儿童对生活、对周围事物的真挚、美好的情感。所以美术能发展儿童美好的情感，提高他们审美能力，陶冶他们的性情。

儿童美术教育有利于儿童心智的发展，因为它是“视觉艺术”，能使得儿童脑、眼、手并用，因而它能促进身心的成长发育。美术活动也有利于儿童思维能力和多方面能力的发展，利于发挥儿童的潜能与个性，培养儿童丰富的想象力和创造力。

美术教育，不单纯是绘画技能的训练，而是旨在育人；它不单纯是为培养艺术家，更重要的是培养德、智、体、美全面发展的一代创造型的新人。

绘画的内容可以分好多种的，但是不管有多少种，它都是离我们的生活最近的，都是需要我们平时用心去观察的，如果不用心观察的话，那么画出来的话肯定是效果没有细心观察的效果好，而且每天都让孩子画一幅画的话，日积月累，孩子也会对身边的事物观察的越来越仔细，越来越完整的。

首先说的是，孩子学习绘画，还能增长孩子各方面的知识，因为画的画是一张画一个内容，内容不一样，要求孩子掌握的知识就不一样，那么就需要孩子仔细去观察，看看和以前画的画有什么区别，这样能让孩子对所画的内容有更深刻的了解。一个新的画画内容

就能让孩子掌握一点新的知识，这样就会知道更多的常识。

其次就是孩子学习绘画，能锻炼孩子的动手能力，因为孩子在画画的时候，会用自己的手接触到多种不同的笔，不同的纸等等，这就要求孩子在用这些不同的材料的时候，使用的方法也是不一样的，也可以说是对手的一种锻炼吧。

再次就是说孩子学习画画，能培养孩子的想像力和创造力。因为画画是没有重复的，而且也没有什么固定的什么东西来约束它，所以画画很自由的，那么就是说绘画的内容永远都是新的，绘画的方法也不是固定不变的，可以根据自己的感觉有所创新，这就是要经常去尝试，并且要从小养成一种好的思维习惯，不能去抄习别人的作品，要有自己的主见在里面，这样才是具有创造性的。

最后一点就是让孩子多看多观察多画，对孩子是没有坏处的，多让孩子用手去体验一下要画的东西，那样孩子接受的会更快，而且也会让他们慢慢的知道不同的东西应该怎么样去画才能更好，而这个也是不能急于求成的，效果也不是一时半会儿就能显现出来的，这是一个很长的过程，是需要时间的，不能孩子画了两天画不好就不让孩子画了，一定要给孩子充足的时间让孩子亲身去体验才最好。

少儿学习绘画的好处：

1、幼儿学画，有利于发展记忆、想象力，特别是想象。孩子的想象力是非常丰富而且奇特的。丰富的想象是科学家、文艺家最基本的品质，也是童心的保持和升华。孩子在绘画中，想象力得到扩展、深化，这是人才成长的基础。

2、学画可以使孩子的消极心理负担得到卸除，获得心理平衡，保障心理健康。

调查资料表明，在小学、幼儿园的孩子中有25%～30%心理上是不健康的。据某些幼儿园园长和家长反映，似乎远远不止这个比例。不少孩子的主观反映与客观刺激极不一致。他们执拗、任性、无理取闹，自理能力极差，这种心理上的不健康是长期不良教育形成的。不良教育起初造成孩子心理上的消极、不平衡，这种不平衡的反复出现，就慢慢地固定下来，变成不健康的心理，而学画可以克服这种不良教育的影响。

注意：让孩子自由画画，也是使孩子的心理获得自我保护的重要手段。孩子内心的抑郁，心理上的负担，不会像大人那样通过和几个知心朋友谈谈心求得散发，他们没有这个能力。而绘画，特别是自由画，是孩子心理的自诉。孩子平时无法表露的内心矛盾可以从中得到发泄，使心理负担减轻，有利于保持心理健康。

推荐第10篇：中学美术课教案

中学美术课教案

最炫民族风——中国民间美术欣赏

2009107010109

刘思奇 美术学院

课题：最炫民族风———中国民间美术 教科书：中学美术欣赏教材 教学年级：初中二年级 教学时间：一课时

学情分析：学生年龄和心智还不够成熟，对于过于专业化的知识的理解可能不会那么透彻，这样就需要授课由简入繁，通俗化多于专业化。虽然经过一段时间美术欣赏的学习，已初步掌握一些欣赏的基本方法，但仍缺乏对作品深入条理分析的能力。

知识目标：介绍中国民间美术整体的分类及艺术风格特征，并引入相关背景资料。

能力目标：进一步提高学生运用基本欣赏方法的能力，并在欣赏过程中培养学生创造性审美能力及主动创新的意识，能够发现问题并解决问题。

教学重点：学习并了解中华民族美术的艺术风格以及艺术价值在艺术作品中的具体体现。

教学难点：设置适应双边教学深入展开的情景及方式，激发学生更深入参与到欣赏活动中来。

教科书：教材

教学过程

学生4人一组，增加同学们讨论的积极性，提高课堂效率。

一、教学引入：（5分钟）

近日，网络上流传了一段视频，在NBA休斯敦火箭队的主场丰田中心，拉拉队表演时播放的歌曲正是《最炫民族风》。歌曲《最炫民族风》出自凤凰传奇。现在社会是一个网络纵横的时代，初中生一般都已经是网民了。对于这首流行歌曲一定是耳熟能详朗朗上口。中国民间美术在生活中以各种形式出现，学生也很喜欢，尤其是自从2008念奥运会之后，民族风刮遍全球，时下也有一首歌红遍大江南北红到了大洋彼岸就是最炫民族风。学生通过发生在身边的事更能体会中国民间美术在生活舞台上的艺术魅力。

趁机提出问题：在同学们眼里为什么这首歌大受欢迎？什么是民族风？下面我们先来了解一下中华民族艺术。

二：背景资料

三、作品赏析

2、实施过程

确立课程目标：我们今天欣赏的是中国民间美术。

(2).设疑

在欣赏民间美术作品前课根据教学的主要目标和关键内容，以及学生现有的知识设计一系列具有启发性的问题：

①：在同学们眼里什么是民间美术？（寻找身边的实例） ②：中国民间美术有哪些种类？（寻找身边的实例）？ ③：中国民间美术的表现形式有哪些？（寻找身边的实例） ④：中国民间美术的寓意有哪些？（寻找身边的实例）

⑤：中国民间美术作品的实用性体现在哪里？（寻找身边的实例） ⑥：中国民间美术的特征是什么？（寻找身边的实例） (3).欣赏同时解说来历，特点，用途等

为同学们展示中国民间美术作品，按照分类：民间美术品种极多，且目的、用途各不相同，如有供赏玩的造型艺术，亦有以实用为主的工艺品。总的来说，可分为：

1、绘画。其中包括版画、年画、建筑彩画、壁画、灯笼画、扇面画等。

2、雕塑。有彩塑（ 奇观彩塑、小型泥人）、建筑石雕、金属铸雕、木雕、砖刻、面塑、琉璃建筑饰件等。

3、玩具。包括泥玩具、陶瓷玩具、布玩具、竹制玩具、铁制玩具、纸玩具、蜡玩具等。

4、刺绣染织。包括蜡染、印花布、土布、织锦、刺绣、挑花、补花等。

5、服饰。包括民族服装、儿童服装、嫁衣、绣花荷包、鞋垫、首饰、绒花绢花等。

6、家具器皿。包括日用陶器、日用瓷器、木器、竹器、漆器、铜器及革制品、车马具等带有装饰及艺术价值者等。

7、戏具。包括木偶、皮影、面具、花会造型等 。

8、剪纸 。包括窗花、礼花、刺绣、刺绣花样、挂笺等。

9、纸扎灯纸。包括各种花灯、各种纸扎。

10、编织 。包括草编、竹编、柳条编、秫秸编、麦秆编、棕编、纸编等。

11、食品 。糕点模、面花面点造型、糖果造型等。民间美术贯穿于人民生活和精神世界的各个领域，直接反映劳动人民的思想感情和审美趣味，显示出他们的聪明智慧和艺术才能。

(4).讨论

①：就欣赏作品前提出的问题进行小组讨论并在课堂上共同探讨；

②：让学生自己发现问题，在班级提出自己的问题自己的疑惑，再让所有同学思考，答疑解惑。自己发现问题自己解决问题，学生逐步养成独立获取知识和创造性的运用知识的习惯，在这个过程中也逐渐喜欢上了民间美术。 (5).引导

让同学们在展示的礼品图片中找出一件最喜欢的作品，说说为什么喜欢。学生对这些民间工艺品所代表的寓意并不清楚，这时候就需要提到中国一直流传的美好寓意。像 “龙凤呈祥” （图案：龙凤呈祥；象征高贵、华丽、祥瑞、喜庆），又如用谐音的鱼来表示对生殖繁盛和生活富裕的祝福；用具有象征意义的牡丹来祈求富贵平安；用石榴葡萄来寄托多子的愿望；用蝙蝠、鹿、鹤来表示福、禄、寿。

中国民间美术可以说是中国民俗文化最形象、最生动的一种载体，图文并茂、丰富多彩的人机交互，而且立即反馈，这种交互方式对于教学过程具有重要意义， 拉近了欣赏者与美术作品的距离，使学生在这种情境的感发下获得思想的启迪，感悟到一件小小的民间美术品意义是那么深远。 (6).应用

课后讨论题：谈谈中国民间美术如何能更好地溶入现代社会，并在世界舞台上传承她的艺术魅力？并写一篇自己的对于中国民间美术的见解。

四、教学总结

本教案的实施，改变了以往教师讲、学生记的灌输式教学。 首先，丰富了知识面，开拓了视野，节省了时间。

其次，教师由以前的主导者变为组织者、指导者和鼓励者。教师积极溶入学生对民间美术的调查活动中，关心活力的过程并及时提供帮助和指导，学生在这一过程中表现比以前更有积极性，教学效果满意，学生有些想法、见解很有创意，有利于对学生分析、探索、理解能力的培养。

第三，图文并茂，多角度调动学生的情绪、注意力和兴趣，让学生直接与美术作品进行交流。 第四，课后的讨论如何把传统艺术与现代社会的融合的问题上，能充分发挥学生的创造性思维，对中国民间美术如何被当今青少年接受甚至传承更具深远意义。

第11篇：中学美术课教案

第五课 向日葵—色彩的心理效应

一、色彩感觉

a.红、橙、黄——暖 b.蓝、绿、紫——冷

二、分析色彩

1.些色彩会让我们联想起什么？这给我们什么样的感受？

三、欣赏画作

2.梵高用笔用色很有特点，他为什么要这样用？

笔触：生动、有力 色彩：饱满、圆润 体现了对大自然的热爱和对生活的炙热。

四、小结

五、作业：春、夏、秋、冬的色构任意一张

《向日葵—色彩的心理效应》 关于色彩，我们已经不是第一天接触，它是在光的折射作用下产生的，万物因为有了色彩才美丽，那马我们对色彩有了解多少，今天我就带着大家了解并学习色彩。

a 红、橙、黄 b 蓝、绿、紫 红 橙 黄和蓝 绿 紫是属于神马色系的颜色呢 大家考虑回答一下 恩 不错 它们分别属于冷色调与暖色调 那马 下面请同学们在思考一个问题：

二、分析色彩

这些颜色分别会让我们联想起什么 ? 给我们什么样的感受 ?

“不同的色彩给人的感觉不同。”色彩的这一特性常被运用到艺术作品中，用它来营造气氛和传达情感。

三、欣赏画作

2.梵高用笔用色很有特点，他为什么要这样用？

笔触：生动、有力 色彩：饱满、圆润 体现了对大自然的热爱和对生活的炙热。

强烈感受到画家对大自然的热爱，对生活的热爱。(总结：通过比较、欣赏，我们知道了色彩和笔触是绘画表达情感的重要手段。 欣赏凡·高的《向日葵》

提问：凡·高的画，用笔、用色都很有特点。他为什么要这样用呢 ? 讲解：色彩作为绘画表现的手段对人的视觉情感会产生刺激作用。这是由于人在大自然的生活体验中形成的色彩心理反应。 《向日葵》用响亮的黄色和奔放有力的笔触，把向日葵绚丽的色泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。从画中，我们会强烈感受到画家对大自然的热爱，对生活的热爱。(总结：通过比较、欣赏，我们知道了色彩和笔触是绘画表达情感的重要手段。 简介荷兰画家凡·高 凡·高在阿尔居住期间,强烈地爱上了遍地生长的巨大的金色向日葵的千姿百态,在这幅作品中,再也看不到自画像里那种短促而笔触,在这里,他的笔触坚实有力,大胆恣肆,把向日葵绚丽的光泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。他大胆地使用最强烈的色彩,因为他清楚地知道：\"岁月将使它们变得暗淡,甚至过于暗淡。\"尽管采取了种种保护措施,这些色彩仍然消褪了原有的光泽。

此画以黄色和橙色为主调,用绿色和蓝色的细腻笔触勾勒出花瓣和花茎,签名和一朵花的中心也使用了蓝色。籽粒上的浓重色点具有醒目的效果,纤细的笔触力图表现花盘的饱满和纹理的婀娜感觉。

\"在黄色背景前面的一幅十四朵花,好像我以前所画的一样。不同之处是这幅画更大一些,它有一种相当特殊的效果,我这一幅是以更加简练的手法画出来的。\"(凡·高)

凡·高用简练的笔法表现出植物形貌,充满了律动感及生命力。整幅画仍维持一贯的黄色调,只是较为轻亮。这幅画被认为是凡·高在黄色小屋里面的最后一幅大型《向日葵》。

课后作业

用色彩和笔触表现自己对四季的感受。提示：无需具体形象，用单纯的色彩组合，大胆尝试色彩的混合使用。(提示学生在练习过程中， (1) 既抓住四季色彩的共性，同时也要有个性的发挥。如秋天，有的关注的是晴朗的天空、金色的大地、丰收的果实，画面呈现明朗欢快的色调。有的则关注秋风、秋雨、落叶，画面呈现出寂寥、悲凉的色调。 (2) 注意画面笔触的变化，笔触与色彩的结合。)

第12篇：临时美术课教案

2014三下乡美术课教案

【摘要】：教学目标 1.指导学生学习简笔画和卡通画的绘画方法,绘制有趣的蜡印画及吹墨画。 2.指导学生进一步了如何利用身边的工具进行绘画创作。 3.引导学生通过创意和手工感受画画乐趣。

第1课 简笔画、卡通画

一、课时，2个课时

二、教学目标

1.指导学生学习并临摹简单卡通简笔画。

2.指导学生进一步观察身边的事物进行绘画创作。 3.引导学生感受美术课的乐趣和自己绘画成功的喜悦。 学习要求

用简单的铅笔蜡笔独立完成作品。

三、教学过程: ①、组织教学

用海报和图片引导学生对简单画画的认识，了解简单的卡通画和人物简笔画，并组织学生自己动手画画。

②、进行教学

1、启发

师:我们知道，画画，是用画笔等工具，描绘自己想要的生活场景，画下自己看见的事物。但刚刚学画的时候，我们不知道怎样去开始，怎样勾勒一个物体。接下来，这里有一些图片，我先教大家画一幅，然后分发图片，大家看着画一幅，并自主上色。

2、老师归纳: 师：今天我们学了简单的图案的绘画，那老师，准备了一些自己的作品，给大家展示，也挑我们同学好的作品上来给大家展示。

3、欣赏作品：

对学生的作品进行讲解和点评，指导改进，和引导绘画创意。

学生发言:想画花，画天空，画树，画房子.........

四、教学重点：

引导学生基本的临摹能力和观察能力 指导学生对美术工具的使用

指导颜色的使用，并注意发挥想象力和创造力。

五、教学难点：

正确选择画画需要的线条和颜色，理解画画的多样性，创意性。

六、作业处理：

课后根据老师所给图片和课堂教学内容自由发挥，完成一幅画。下一节课准备几片树叶来开始新课程。

七、板书设计： 课堂内容 上课要求 画画教学示例 课堂作品展示 课后作业

八、教具：

海报、图片、粉笔及墨水 第2课 蜡印画及吹墨画

一、课时，2个课时

二、教学目标

1.指导学生学习观察简单的树叶蜡印和吹墨画。 2.指导学生寻找合适的工具进行趣味美术课。

3.引导学生感受颜色和树叶纹理，自己动手完成一次作品。

学习要求

用简单的墨水蜡笔独立完成作品。

三、教学过程: ①、组织教学

用完成的作品吸引学生对蜡印的喜爱，了解树叶的纹理和脉络，并组织学生自己动手画画。

②、进行教学

1、启发 师:上节课我们学习了简单的线条来绘画，今天，我们学习一个简单、漂亮的画画方式。用特别的方法来学习画画，让画画更有趣。

2、老师归纳: 师：今天大家一起动手完成了自己的画，是不是很漂亮啊，那我们来比赛，投票选出最好看的作品。

3、欣赏作品：

对学生的作品进行讲解和点评，指导改进，和引导绘画创意。

学生发言:画得更好看，树叶更有形状.........

四、教学重点：

1.引导学生基本的临摹能力和观察能力 2.指导学生对美术工具的使用

3.指导颜色的使用，并注意发挥想象力和创造力。

五、教学难点：

正确把握蜡印蜡笔的力度，吹墨的枝干的方向等，初步设计自己的绘画作品。

六、作业处理：

课后根据老师的教学内容，创作一幅喜欢的画进行一次绘画展览。

七、板书设计： 1.课堂内容 2.上课要求 3.画画教学示例 4.课堂作品展示 5.课后作业布置

八、教具：

蜡印画、吹墨画

第3课 植物写生

一、课时，2个课时

二、教学目标

1.指导学生学习观察树木等植物的形态和生长姿态。 2.指导学生寻找合适的方法描绘植物的各部分。

3.引导学生观察所选择的植物，决定下笔部分，绘画完善植物整体。

学习要求

学会简单的写实画法，尽量与实物相似。

三、教学过程: ①、组织教学

选择一些植物，并板书教学其绘画顺序及方法。

②、进行教学：

课外绘画，每个人搬上凳子，拿好纸和铅笔。

1、启发

师:画画不只是想象和随意发挥，也有把真实的物体用最真实的样貌表现出来。

2、老师归纳: 师：对于同一株植物，每个人都看到的是不同的角度，像不像只是大家不熟练，相信多去画画，熟能生巧，大家可以画得更好更漂亮。

3、欣赏作品：

对学生的作品进行讲解和点评，指导改进，和引导绘画角度。

学生发言:找不到合适的下笔点和角度，不能更好的画出植物的样子.........

四、教学重点：

1.引导学生基本的临摹能力和观察能力 2.指导学生对自然环境的体会

3.指导学生认识植物的各部分构成，选择主要部分和次要部分。

五、教学难点：

找到合适的植物和易于发挥描绘的部分。

六、作业处理：

自己课后创作一幅喜欢的植物写生。

七、板书设计： 1.课堂内容 2.上课要求 3.画画教学示例 4.课堂作品展示 5.课后作业布置

八、教具： 简单写生图片等。

邹倩

第13篇：电脑美术课教案

电脑美术课教案

一、教材分析

在人类信息社会高速发展的大环境下，我来玩电脑电脑逐渐走入了少年儿童的学习和生活，电脑已经是大家喜爱的伙伴与帮手了。我来玩电脑美术与电脑之间存在诸多联系，在信息时代，计算机、网络是美术创作和美术学习的重要工具。本课我来玩电脑将一些适合用电脑表现的美术内容编写成少年儿童喜爱的学习形式。在我来玩电脑的帮助下，学生的美术学习显得更轻松和得心应手，容易实现预想的效果，从而增强学习的自信心。 我来玩电脑 本课我来玩电脑属于“设计·应用”领域，有三个学习内容，是基于美术应用软件．Photoshop、Powerpoint等而设计的。一是利用Photoshop修改画面，使画面产生色调上的变化以及其他方面纹理、风格等的变化。二是学生通过找错游戏学习修改画面的方法，将一张图片改成两张相似但不相同的图画，再给别的同学辨认。三是让学生将喜欢的图案去底，再用复制和粘贴的方法，创造新的画面效果。

“活动一”：Photoshop是一个功能强大的图形处理软件，“活动一”的范例中仅用了其中的几项功能，但从这几项功能中，可以举一反三学习到很多其他知识。

以photoshop7．0．1为例，图片一，是一张风景画，选用滤镜效果一纹理一纹理化一砂岩(设置值约为5)，处理以后，风景呈现出一种砂画的效果。然后，选用图像一调整一色彩平衡，在色阶中输入数值，如R为100，则画面呈红色调。

图片二呈现的两个机器人看似一样，其实经过了修改处理。方法是用Photoshop中的橡皮图章工具，按住ALT键选择要复制的区域，然后移动鼠标到新的区域不停拖动。原区域的画面就选项可以定为l～4，因为修改的是比较精细的地方，所以画笔的像素点定义就复制到新区域来了。在修改过程中，可以用放大镜工具，将画面放大后更方便修改。运用这种方法修改画面，就能使新画面在细节上与原画面不一样。

“活动二”：这里主要学习的是PowerPoint中的复制、粘贴方法以及Photoshop中的去底取图的方法。去底的方法是选用左边工具中的橡皮擦，选魔术棒橡皮擦工具点选主体物周围的背景(最好选择背景与主体物对比度比较大的图片)，魔术棒橡皮擦的容差可根据情况选择为15—30，点选以后该区域相似的颜色自动清除，但物体周围的区域可能还残留一些背景，可再选用橡皮工具将剩余背景一一擦除。

背景清除以后的图形，我们可以将其保存为JPG文件：然后在软件Power·Point中插入该图片，进行复制、粘贴以及变换大小。变换好以后，拖动图片到合适的位置。如果图片呈现白色(或其他纯色)底色，则可以选用图片工具中的透明化工具，点选白色(或其他纯色)进行清除。

“学习屋”中有一个连环画的小故事，是用：Photoshop和PowerPoint结合做出来的。对电脑美术感兴趣和家庭中有电脑的同学可以回家试做。

二、教学目标

◆了解电脑绘画是美术创作的一种形式，学习基本的电脑美术实用技巧，掌握绘图软件的基本用法，尝试运用不同的软件来表现独特的画面效果。

◆培养学生动手制作能力和创新意识，在自己动手制作的过程中体验创造的乐趣。

◆养成有序地制作的习惯。

三、教学思路 教师在设计教学程序时，一定要根据自己学生的实际情况来进行教学。先让学生感受软件处理图片又漂亮又快捷，在游戏的氛围中激发学生的兴趣，然后再进行学习。

“活动一”可以设置如下程序：观察欣赏——分析方法——尝试制作——游戏激趣——尝试体验——评价与游戏。

观察欣赏：欣赏教材上的，或者老师处理过的图片，例如教材上的砂岩效果的图片。还可以出示其他图片，如：经过处理的模糊化风格的照片。让学生猜猜，是怎么制作出来的。

分析方法：教师解密，演示制作方法，再让学生尝试滤镜中的各种效果。

尝试制作：在刚才试过的各种方法中，选择一种自己喜欢的，对自己选择的图片进行处理。

游戏激趣：出示两张图片(机器人)，让学生找一找图片的区别，可以用铅笔标记有哪11处不一样。看谁找得最快。(见图)

学习方法：学习橡皮图章工具的使用方法。

制作体验：学生尝试体验制作。

游戏评价：向同学们展示自己处理的图片，然后让对方来找找图片中不一样的地方在哪里，看谁又快又好。

“活动二”主要是让学生学习电脑软件中自由复制、粘贴以及拉伸的特殊功能，教师应该在教学过程中引导学生去自主发现问题，并讨论解决问题。

可以设置如下程序：游戏导入——自主探索方法——发现问题——解决问题——制作体验——欣赏评价。

游戏导入：用学生可以接受的方法进行电脑游戏，让学生了解复制和粘贴、拉伸和缩小等功能可以制作出良好的画面效果，从而激发他们学习的兴趣。

自主探索方法：学生在信息课中应该已经学到了一些复制和粘贴的方法。这些方法，在很多软件中都是一样的。因此，可以让学生自主尝试和探索这些方法，也可以通过讨论得出结论。

发现问题，解决问题：在自主探索的过程中，会发现一些问题，比如：图片底色不能去掉的问题。这时候就需要教师和学生讨论，互动，尝试，找到解决问题的方法。

制作体验：学生制作一幅有创意的图案，在制作之前，教师可以出示这方面的图片给学生欣赏，用以拓宽眼界。

欣赏评价：将自己的作品介绍给同学们看，说一说，谁的具有创意，谁的具有美感。

四、教学选择

1．可提供一些合适的图片给学生选择处理。找差异的图片最好是细节比较丰富的。而图形去底的图片最好是图案与背景区别比较大的，这样，学生用橡皮擦工具去掉背景更容易一些。

2．课前应保证学生具有基本的电脑操作知识。课堂上最好每个学生有一台可以操作的计算机。部分条件欠缺的学校，学生如果不能一人一机，教师应当以欣赏课的形式，让学生对电脑美术作品进行欣赏，并初步了解电脑美术作品应用软件的用途。

3．可以根据学生接受程度的不同，而选择两课时或者三课时来完成学习任务。如果学生接触电脑比较少，没有用过相类似的图形处理软件，就可以将“活动一”分解为两课时，第一课时着重介绍工具的使用，并制作一个风格化的画面。第二课时调整图案，修改成两张相似画面进行游戏。

4．教材中修改过的机器人经过了翻转，所以，学生不太容易一次就找出全部的不同之处。教师可以通过课件将机器人翻转到同一个方向再找区别，降低难度。

五、教学建议 1．教师在教学前应尽量熟悉软件的操作。

2．Photoshop等软件的功能众多，学生不可能在短短两三节课内全学会，教师不要拘泥于工具技法的传授，最重要的是激发学生对于电脑美术的喜爱，让学生通过学习轻松地创造出独特的画面效果

第14篇：美术课教案(草案)

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美术课教案（草案）

一年级美术课

第一节 课 2011年12月22日14：50 －15：30 教学目标：

结合前一节的手工课，让孩子们给上一节手工课的作品涂色。 复习和巩固对颜色的理解。

用涂色的作品加上带来的装饰贴装饰美化教室。 教学重点： 1）颜色的选择

手工作品男孩涂什么颜色，女孩涂什么颜色，树木的颜色，星星的颜色。。。 2）分组装饰教室 教学过程：

1.简单介绍和材料分发 （5分钟）

2.色彩知识，请同学们说说男孩女孩和树木等要涂什么颜色 （5分钟） 3.学生创作，涂色 （15分钟）

4.分组装饰教室（13分钟）三人一组，按完成涂色作品的顺序分组。5.展示和欣赏。最先完成的三个小组有小礼品奖励。

第二节 课 2011年12月23日10：30 －11：10 教学目标：

圣诞贺卡的制作，画自己原创的圣诞贺卡送给最爱的人 教学重点：

1）介绍圣诞节的来历，圣诞的元素 （礼物，圣诞树，圣诞老人，雪） 2）圣诞的颜色，如何画圣诞树 3）画自己的卡，给最爱的人

教学过程：

1.介绍圣诞节的来历，圣诞的元素 （礼物，圣诞树，圣诞老人，雪）（5分钟）

2.圣诞的颜色，演示如何画圣诞树（5分钟） 3.发贺卡和材料（3分钟）

4.学生创作圣诞卡，写信封 （20－25分钟） 5.展示和欣赏。（5－8分钟）

第三节 课 2011年12月24日14：00 －14：40 教学目标：

小帆布板上的原创儿童画，题材内容不限。 教学重点：

1）本课主题：我们都是小画家

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2）学生自由发挥、随心所欲画出自己的画，自己给画起名。

教学过程：

1.介绍本堂课主题：我们都是小画家，

每个同学可以随心画出自己想画的画，可以是花、树、春天、爸爸妈妈、小河、动物，自己给自己的画起名字；

介绍画画顺序，先用铅笔画轮廓，然后涂色（5分钟） 2.发画板、颜料和画笔（5分钟）

3.在每张画板的背面写好自己的姓名 （2分钟） 4.同学创作（20－25分钟） 5.展示和欣赏。（3－8分钟） 最好的五幅画有小奖品。

（莹，我在考虑是不是去买些漂亮的小水钻好和小贴纸装饰，这里有家店专门卖孩子们手工画画的材料和装饰，在随后的手工课上让孩子们贴在自己的画板上，是这样还是用你已准备的教案，你看怎样定更好）

三年级美术课

2011年12月23日14：50 －15：30 教学目标：

小帆布板上的儿童画，题目：圣诞节到了。 教学重点：

1）学生在画板上画以圣诞为主题的创作画

2）以圣诞为主题，学生自由发挥、画出自己想像中的圣诞。

（美术课的前一节课是莹的手工课，莹能否在几样手工中剪一样是圣诞树，我在美术课上让孩子们把自己剪的圣诞树贴在画板上作为作品的元素）

教学过程：

1.介绍本堂课主题：圣诞节到了

简单介绍圣诞的来历，圣诞的要素（树、老人、雪人、礼物）和核心颜色。 每个同学可以把手工课的圣诞树或雪花贴在画板上作为画的元素，也可以随心创作自己的圣诞画；

介绍画画顺序，先用铅笔画轮廓，然后涂色（5分钟） 2.发画板、颜料和画笔（5分钟）

3.在每张画板的背面写好自己的姓名 （2分钟） 4.同学创作（20－25分钟） 5.展示和欣赏。（3－8分钟） 最好的五幅画有小奖品。

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四年级美术课

第一节 课 2011年12月21日10：30 －11：10 教学目标：

圣诞贺卡的制作，画自己原创的圣诞贺卡送给最爱的人 教学重点：

1）介绍圣诞节的来历，圣诞的元素 （礼物，圣诞树，圣诞老人，雪） 2）圣诞的颜色，如何画圣诞树，如何画圣诞老人。 3）画自己的卡，给最爱的人

教学过程：

1.介绍圣诞节的来历，圣诞的元素 （礼物，圣诞树，圣诞老人，雪）（5分钟）

2.圣诞的颜色，演示如何画圣诞树（5分钟） 3.发贺卡和材料（3分钟）

4.学生创作圣诞卡，写信封 （20－25分钟） 5.展示和欣赏。（5－8分钟）

第二节课2011年12月24日10：30 －11：10 教学目标：

小帆布板上的儿童画，题目：我的梦想。 教学重点：

1）学生在画板上画以“我的梦想”为主题的创作画，

2）学生自由发挥、画出自己想像中的美景、对未来的向往。

教学过程：

1.介绍本堂课主题：我的梦想

每个人都有梦想，未来成为科学家、运动健将、电影演员、去巴黎、到北京、吃冰激凌、看长城。。。在画板上画出自己的梦想，想要的东西、想去的地方、想成为的人。。。

介绍画画顺序，先用铅笔画轮廓，然后涂色（5分钟） 2.发画板、颜料和画笔（5分钟）

3.在每张画板的背面写好自己的姓名 （2分钟） 4.同学创作（20－25分钟） 5.展示和欣赏。（3－8分钟） 最好的五幅画有小奖品。

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第15篇：美术课教案1

第三课、中国古代美术作品欣赏（1课时）

课型：单一课

教学方法：讲述、欣赏与思考

一、教学目的

1、通过对作品的介绍与欣赏，使学生初步了解宋代绘画艺术的空前盛况及作品的伟大成就。

2、对学生进行爱国主义教育，培养学生的民族自豪感和对中国传统绘画艺术的鉴赏能力。

二、教学重点 作品的艺术成就。

三、教学步骤

（一）引言与组织教学

中华民族能自立于世界民族之林，是因为她有着悠久的文明史。有着自己璀璨的民族文化。中国画----则是世界绘画艺术中的一颗绚丽的明珠。中国古代绘画艺术，多以中国画见长。下面请欣赏中国古代绘画史上全盛时期的作品，中国古代最大的风俗画---《清明上河图》。（板书课题，挂出画卷，约3分钟）

（二）作者简介

作者，张择端，字正道，东武（今山东诸城）人。生卒时间不详。约生活在十二世纪，为北宋未年著名的风俗画家。早期游学于京师。后习绘画，专攻界画，擅长舟船、车马、人物、街市、城郭等。宋徽宋熏和、宣和年间供职于翰林图画院侍诏（画院最高职称）。传世作品有《清明上河画》、《西湖争标画》、《武夷图卷》等。 三）《清明上河图》创作的历史背景

公元十世纪后期（960年），赵匡胤统一中国，建立了北宋皇朝，结束了五代十国的分裂局面。政治上实行了中央集权，经济上发展了农业、手工业和商业贸易。农业上注重了精耕细作、使用良种；陶瓷、纺织等手工业产品闻名于世，畅销国外；火药、指南针、活字印刷术三大发明等科学技术使对外贸易和城市经济空前繁荣，城市集镇不断出现，并产生了世界上最早的纸币，有了专营经商的（商店）、（剧场）、娱乐场等。当时的京城汴梁（今开封市）则更显繁华。但北宋后期各代皇帝为求苟安（亦称偏安），向辽国接受屈辱的澶渊之盟。给西夏纳“岁币”。向金割地、纳银、贡绢，宋徽宗时期则更甚，虽联金灭了辽国，次年金兵大肆攻宋，徽宗为求苟安，主张议和投降，罢免了主战派将领。终在1127年，徽宗成了金兵的俘虏，北宋王朝被灭亡。张择端生活在北宋末期。皇帝宋徽宗赵佶虽昏庸腐朽，却是一个出色的画家。在位期间是宋代画院的极盛时期。招录了不少有才华的画师入画院供职。宋徽宗很注重写生，他诏令翰林画院的画师都要写生。张择端根据京城汴梁繁华的集市贸易与街景（一是说清明时节，但清明时节的景象描写不多，另一说法是从清明坊到虹桥一汴河上河的街景。后者则更有说服力。人物中有赤膊的、戴斗笠的、轿上插树技遮荫的、摊位上的遮阳伞、遮荫篷等可以作证）写生而创作了蜚声世界的《清明上河图》。

（四）欣赏《清明上河图》

1、主题思想：通过对北宋都城汴梁繁荣的经济生活与民俗风物的描绘，歌颂了创造历史和社会财富的下层劳动人民的智慧和力量。

2、作品介绍：

《清明上河图》全长5278厘米，高248厘米，绢本白描淡色长卷风俗画，现藏故宫博物院。

全画气势磅礴，规模宏大，场面复杂，结构严谨，为全景式构图。总体上看，可分为田野、汴河、街市三个地方。情节连绵不断，高潮迭起。图中街市，屋宇栉比，货摊沿街，人物众多，神态各异，人喧马嚣，车轿穿梭。正是这番形形色色，熙熙攘攘，百货俱陈，百态俱备的情景，呈现了北宋末期工商业发达的社会面貌。从商业、交通、澶运建筑等几个具典型意义的角度，集中概括地再现了十二世纪我国都市生活状况。反映了一个历史时期的政治、经济、文化及民俗。构成了一件内容丰富的完整的艺术品，成为研究北宋社会的综合性形象史料。

画卷共画不同阶层的人物550佘人（教材上虹桥部分就有130佘人），不同种类和形态的牲畜

五、六十匹，不同类型的车轿二十佘辆（顶），房屋三十佘幢，大小船只三十佘艘。无论状物写人，还是写动描静，对每个细节都求一丝不苟于浩大工程之中。画家具有非的观察力、记忆力和写生功底。用默写的手法，把游汴河两岸街景时遇到的典型事件描绘出来。如全画的中心---虹桥部分，表现出桥上喧哗、桥下沸腾的热烈场面。桥头货摊相连，左侧桥栏边的人物在观景赏流，桥右侧人物扶栏观船逆流过桥。桥中达官贵人的轿马相遇，双方的豪奴都在呼喝让道，可见骑者勒马，；轿夫阻步。表现出统治阶级的骄横。并使桥上出现拥挤阻塞现象。桥下水流湍急。一大船头已过桥面，船身尚在桥下，船橹末端尚露出在桥右侧一方。另一货船正要过桥，船身已横，船头已被激流冲下。船夫们手忙脚乱，有的奋力撑船，有的挥手呼号，不进则退，船身已横，船夫们手手忙脚乱。这种人声鼎沸、激浪奔腾的热烈场面，在画家笔下表现得淋漓尽致。

作为全景式构图的古代现实主义艺术大作，从远郊河野，一直至城郭街市，不但能鸟瞰繁华的街市，还可极目郊野；楼宇舟桥树木横列于近处，河道原野延伸至天边。景物的大、小、远、近、疏、密、动、静、简、繁，通过画家传神之笔，都得到准确、慎密、生动、妥贴的有机表现。使画卷具有长而不冗、繁而不乱、紧凑严密、起伏有节的鲜明的艺术节奏感。充满“方寸之内，体百里之回“的宏伟气慨。表现了画家在运思立意过程中，概括生活和选取题材方面的高度艺术才华。以及在布局上不受固定视点的限制，充分运用“散点透视”的娴熟技巧。

（五）《清明上河图》的艺术成就。

1，作品体现了我国民族绘画的优秀传统和中国古代画家“目识心记”深厚的默写功能。

2，线描技法已臻和谐完美的高水平。突出地体现了我国古代绘画以线造型的技法特色。

3，是人物刻划、景物描绘达到形神毕肖、生动准确的神品之作。 4，是中国画传统的“散点透视”的布局的典型。

5，是界画、山水、人物融为一体的以工带写，以写润工的典范。 6，是显示画家高度的组织技巧和概括现实生活能力的范例。 7，是研究宋代社会的综合形象史料。

（六）结论

《清明上河图》是闻名世界的绢本白描淡色长卷风俗画。是我国古代写实主义的杰作（早欧洲七百余年），是中华民族文化艺术的珍宝，是中国美术史上一颗灿烂的明珠。

第16篇：小班美术课教案：

小班美术教学活动——让鱼儿回家

小二班

梁顺转

一、活动目标：

1.引导幼儿充分体验绘画的乐趣，激发幼儿对绘画的兴趣。2.培养幼儿的观察、审美、创造能力。

二、活动准备：

1.物质准备：自制课件一个、幼儿绘画工具、大型海底世界背景图每人一幅、小鱼若干、背景音乐 2.知识准备：认识多种颜色

重点分析：引导幼儿选择适当的色彩描绘小鱼，鼓励大胆有力的顺着一个方向涂色。 难点分析：色彩的搭配

三、活动过程

1、谈话导入：

今天我们请来了一群小客人，我们来看看它们是谁呀？ 出示第一幅小鱼图片，引导幼儿观看：“哦，原来是一群小鱼来， 我们一起来和小鱼打个招呼吧。” 幼儿齐说：“小鱼，你好！” 师：“小鱼来和我们做游戏了”。大家拍拍手表式欢迎。

2、引导幼儿帮助小鱼，送小鱼回家。

过了一会，小鱼要回家了。可是这条小鱼怎么了？出示小鱼图片，你觉得它怎么了？（放哭声）为什么看上去很伤心，很难过呢？它为什么要哭呢？它的家在哪里呢？（出示海底世界大型背景图）请幼儿相互交流，自由讲述。

原来小鱼迷路了，找不到回家的路了。那我们应该怎样帮助它呢？

3、教师示范撕贴小鱼。

教师在投影上示范撕贴小鱼，边讲解边示范，着重讲解小鱼边缘的撕贴，鼓励幼儿大胆操作。

4、幼儿操作活动：撕贴小鱼。

请幼儿挑选一条自己喜欢的小鱼，开始撕贴。

教师巡回指导，帮助个别能力差的幼儿完成作品，让每个幼儿体验成功感。撕好后，鼓励幼儿和小鱼说说悄悄话。然后撕掉反面的双面胶，把小鱼送回海底世界的家。

5、边听音乐，幼儿排成纵队，做小鱼游的动作游出教室，结束本次活动。

第17篇：美术课《迷彩服》教案

美术课《迷 彩 服》教案

执教：虞阳小学

陈莺 指导：综合科教研组

【教学目标】

1、了解迷彩服的特点与作用，学习制作方法，让学生学会画并剪的方式，让动物们穿上漂亮又具有保护作用的迷彩服。

2、认识那些穿着很有特色迷彩服的动物，让学生知道穿上这衣服的重要性。通过欣赏与观看教师的演示，学习基本的制作方法，最后完成自己喜欢的作品。

3、通过学习让大家知道动物是地球上的“居民”，是我们人类的好朋友，如果保护不了他们，就保护不了我们自己，培养学生保护自然，爱护动物的意识。【教学重点】

学会给动物“穿上”漂亮又具有保护作用的迷彩服，并剪下来。 【教学难点】

用点、线、面等不规则的色彩，给自己喜欢的动物穿上合理的迷彩服。 【教学时间】1课时

【教具准备】课件、范画、展示栏、双面胶等 【学具准备】彩色笔(水彩笔或油画棒等) 剪刀 【教学过程】

一、导入:

1、(展示教师穿迷彩服的照片)激发兴趣。

2、(展示各种兵种的迷彩服照片)了解迷彩服的作用：不同色彩的迷彩服适用于不同的环境这样才能更有效的保护自己,消灭敌人。

3、出示课题《迷彩服》

二、教授新课

1、(出示课件:展示各种动物图片) 以“点” “线” “面” “点、线、面”等为主进行装饰的各种动物图片。

2、制作方法: （1）学生讨论。

（2）教师总结：a、先画出你喜欢的动物外形b、设计迷彩服图案并上色c、沿着动物外形剪下来。 （3）师展示松鼠范画的基本画法。

3、欣赏学生制作迷彩服的作品，拓宽学生思路，激发学生兴趣。

三、学生创作,教师指导

1、提出“动物界迷彩服设计大赛”及大赛要求；画好的作品贴在展示栏上；评出

一、

二、三名。

2、学生在音乐声中创作，教师巡视并指导。

四、作业展评

1、学生投票产生

一、

二、三名。

2、学生评价，师总结并评出“最佳评委奖”。

3、颁奖。

五、拓展

1、（欣赏动物图片）看到这么多可爱的动物们，更加激发我们要爱护并保护动物，怎样去做了？最基本从爱护环境做起，保护好它们的家园。我们从现在就开始行动吧！

2、最后（欣赏迷彩的图案在生活中运用的图片），迷彩服的图案在生活中的使用也很广泛，今天大家都学会了设计、制作迷彩服，有兴趣的同学回去后，平时在生活中就可以运用上。

《迷彩服》教学设计

执教：虞阳小学

陈莺 指导：综合科教研组

在我校“现代农村远程教育应用研究”越来越深入的大好形势下，本着实验的要求，本人在美术课《迷彩服》的教学中，根据学生喜欢游戏的天性为切入点，利用下载和制作的相关教学课件（模式二）资料。通过激趣、竞赛等教学方式，营造良好的课堂氛围，使知识传授、创造思维和动手制作，以及赏析评价得到充分的展示，让学生想象和感受动物迷彩服的特点和作用。不仅达到体验艺术过程中的成功感和愉悦感，还从中受到人类与大自然、与动物应该和谐相处的思想教育。

本节课我用多媒体课件采用了欣赏法、发现法、尝试法等教学方法，让学生发现可以用“点”、“线”、“面”,以及“点线面的结合”给动物身上设计花纹及色彩来进行伪装。这是本节课的教学重点。针对教学目标，我设计了以下的教学环节和策略：

第一个环节，掌握有关迷彩服的知识。课题是迷彩服，任务是为动物设计迷彩服。因而了解迷彩服就是本课的知识点。于是我以课件我自己穿迷彩服展示在学生面前，引出迷彩服，并让学生从军用迷彩服图片中

得出有关迷彩服的作用：隐蔽功能，保护自己，消灭敌人。教师再小结：看来我们人类能设计迷彩服服装来保护自己，在自然界中还有什么也善于通过伪装来保护自己呢？让学生讨论发言，这样教师很自然的可以引入本节课的学习内容。

第二个环节，了解动物迷彩服的特点，并将美术知识融入其中。通过课件分别展示各种动物身上的花纹，引出点、线、面和动物身上奇特的颜色，对动物的迷彩服进行归类，给学生一个系统的内容展示与学习。为了明确本节课的内容，我展示了一些在大自然中生存困难的动物，并告诉学生，在大自然中,有许多动物身上没有迷彩服,生有一定的困难。请大家给自己喜爱的动物设计迷彩服，让自己喜爱的动物能更好的生存下来.第三个环节，激发学生的兴趣，调动学生创作的欲望，为学生创作的灵感增添催化剂。通过引入竞赛，使学生的课堂学习氛围更加浓郁。

第四个环节，学生如何讨论制作并揭示迷彩服的制作步骤，教师再示范，让抽象的知识与技能具体化，让学生直观地了解操作程序，为学生顺利完成创作打下基础。

第五个环节，学生制作。在这个环节中，学生在歌曲旋律《皇帝的圆舞曲》的节奏，自由自在地用彩色笔为自己喜欢的动物设计一件既漂亮又能保护自己的迷彩服。

第六个环节，展评。本人用彩色卡纸设计了一些小区环境：如绿色代表草地；蓝色代表天空等。让学生将自己的画放进自认为适当的小区内，先自己对自己的画作最初的自我评价;然后再请全体同学投票选出一二三名的画并颁奖。然后再由师生共同欣赏简评，并对没有得奖的同学给予肯定和鼓励。

第七个环节，小结拓展。 师生一起欣赏即将濒临灭绝的动物图片，激发学生爱护动物和保护动物。最后欣赏人们利用动物身上的花纹和图案设计的生活用品。鼓励学生回去以后也要结合今天所学习的知识试着把自己的生活用品和学习用具装饰一下。

《认 识 小 数》教案

执教：苏田小学

蔡云清

指导：翁道诚、郭佳 [教学内容] 人教版《义务教育课程标准实验教科书·数学》三年级下册第88-89页 [教学目标]

1、能结合生活实际初步了解小数的含义。

2、会正确地认、读、写小数部分不超过两位的小数。

3、使学生体会数学与生活的密切联系。[教学重点]了解小数的含义，会认读写小数。 [教学难点]小数的含义 [教具准备]课件 [教学过程]

一、创设情境，引入新课

师：同学们，周末你们喜欢去逛超市吗？今天老师带你们去逛逛超市，请看屏幕（课件）。 师：超市的东西可真多啊！你从中发现哪些新的数学知识？谁来说说你发现了什么？

二、自主探究，认识小数

师：火腿肠的价格你会正确地读出吗？我们来试一试，5.98的读法和我们学过的数读法有何不同？ 师：这些价格表示什么呢？（课件出示）你们会填吗？

师：像5.9

8、0.85和2.60这样的数叫做小数。今天我们就一起来认识小数（揭题）这些小数有什么共同的特点呢？

师：老师这里有一些小数看谁能又快又准确地读出？（课件出示：9.7、1.

25、24.3、0.50、10.0

8、60.60、23.00、0.01）

师：你们以为读小数时要注意什么？ 师小结。

师：像这样的小数，你们在生活中有没有见过？学生举例。

三、探究新知，教学例题

师：下面我们就一起来研究物体的长度怎样用小数表示呢？（课件：把1米平均分成10份，每份是多少？用分数怎样表示？）

师：1/10米我们也可以用小数0.1米来表示，那3分米呢？7分米呢？ 师：请认真观察这些数，你发现了什么？

师：如果把1米平均分成100份，每份是多少？用分数怎样表示，用小数又该怎样表示？ 师：你能举出这样的例子吗？ 引导生观察，说发现。 师总结。

师：你的身高会用米单位的小数表示吗？ 生汇报。

师：下面我们就以元作单位的小数来表示一些钱数，好吗？（课件）请同学们打开P89完成“做一做”。

四、深化新知，巩固练习

师：老师想带大家去小数王国参观，你们想去吗？

师：你有通行证吗？想得到通行证吗？赶快写出三个小数就可以得到通行证了。

（一）课件出示知识窗：读小数

课件A：世界百米跑最好成绩是9.74秒；三年级百米跑的最好成绩是15.1秒。 课件B：朝鲜、美国每人平均拥有绿地面积、北京人均绿地面积。

（二）课件出示储蓄所

师：你能帮他们记录一下每人存了多少元吗？（练习二十一第1）

（三）课件出示游艺宫

师：你能帮他们找到自己的好朋友吗？

（四）课件出示智慧园

师：哪个图形的阴影部分可以用0.3表示呢？

五、全课总结，畅谈收获

师：同学们，这节课你们有什么收获？

《认识小数》教学设想

执教：苏田小学

蔡云清

指导：翁道诚、郭佳

“认识小数”是在学生认识了万以内数，初步认识了分数，并且学会了常用计量单位的基础上进行学习的。学习这部分知识既可以在实际生活中应用，又能为今后系统地学习小数打下初步的基础。虽说是学生在课本中第一次接触小数，但是由于小数在生活中的广泛应用，大多数孩子对于小数并不陌生。而怎么读学生有陌生感，整数读法对小数读法产生负迁移。小学生的很多生活经验，以及他们前面所学的整数、人民币、长度单位及分数的有关知识，都能在本课的学习中发挥积极的迁移作用。因此，我认为在教学中充分利用这些有利条件，激活学生的相关生活经验和相关知识基础促进学习的正迁移，使学生在学会的同时，形成会学

的能力。为此在本课我最主要采用了以下教学方法：

1、引入生活情境，激励求知的主动性

教育学家布鲁纳说过：“学习的最好刺激，是对所学材料的兴趣。”心理研究表明，学习内容和学生熟悉的生活背景越贴近，学生自觉接纳知识的程度越高。充分运用直观演示价格信息卡，创设情境，引导学生观察、沟通元角分与小数的联系，形成正确的表象。在揭题之后，以这些价格为基石，马上进入到小数的读法教学中，通过学生多次试读、自由读、齐读来强化学生读小数这也是认识小数，感悟意义的第一个步；在读小数之后，通过让学生说一说分别表示几元几角几分，来理解用元作单位的小数意义。

2、尊重学生的主体性。

本课的重点就是理解用米作单位的小数的意义了，这里我是分三个层次来进行教学的，第一层通过师问生答，扶着学生理解*分米=*/10米=0.*米；第二层理解1厘米等于百分之一米等于0.01米，学生通过独立思考、小组交流、全班交流的方式理解3厘米和16厘米怎样用小数表示；第三层1米*厘米的复名数改写成小数形式就放手让学生自己写，然后全班交流。这样层层递进，由扶到放，尊重学生的主体性。

3、引导合作交流，激发思维的多样性

交换一个苹果，每人依旧一个苹果；交换一种思想，每人则拥有了两种思想。新课程所倡导的合作学习方式正好实践了这一观点。在理解以米为单位的小数的实际意义时，我多次采用了先独立思考（把答案写下来）再合作交流的方式，因为“你是怎样想的”这样的问题需要孩子们有较好的表达能力和真正对知识的理解，如果没有学生之间思维充分的交流与碰撞，就无法点燃孩子们思维的火花。

4、让学生经历概念的发生、发展和不断“数学化”过程

尽管是初步认识小数，也要让学生在掌握有关的基本知识技能的基础上经历概念的逐步“数学化”过程，感悟其中的数学思想方法。因此在本课教学中设计了让学生操作、观察、猜测等学习活动，给了学生探索和发现知识的机会。

5、合理发挥多媒体优势，引导学生思维的条理性

在学生原创思维的基础上，教师运用多媒体教学的优势，动态演示了小数意义的思维建构过程。这样的设计一方面让学生较为清晰的理解了概念的意义，另一方面有助于引导学生养成思维的条理性习惯。

6、注重练习的设计

《课程标准》指出：练习，要使学生巩固知识，形成技能，发展创新思维。为了使课内的练习起到促进掌握知识、锻炼能力的双重效果，在组织练习的时候注意了以下两点：一是练习的形式多样，保持学生学习的兴趣；二是练习的难度逐步加深，不断提高学生的认知水平。

《独体字 (取中结构) 》教案

执教：虞阳小学

黄少梅

指导：方向阳

陈伟锦

武朝元

【教学目标】

1、继续巩固双姿，培养学生良好的书写习惯。

2、初步掌握取中结构独体字重心平稳、左右相称的书写技能。

3、让学生在反复观察中发现汉字的形体美，激发其表现美的欲望以及对祖国文字的热爱。【教学重点】

让学生在反复观察反思中，自己发现取中结构独体字的一般书写规律。 【教学难点】

掌握取中结构独体字重心平稳、左右相称的书写技能。 【教学过程】

一、情境导入，发现美

1、课件展示：一排挺拔精神的小雪松

师生问好。要求“立如松”，感受挺拔直立之美。

2、复习坐姿 。要求“头正

肩平

背直

足安”。

3、课件展示：运动员在平衡木上展现的各种优美姿势。学生欣赏、感受运动员站得稳 ，姿势美。

二、寻找规律，书写美

1、结合图片，感受美。

①课件出示“中、羊、木”，这次，你又发现什么？

②学生回答，并结合演示课件，感受这些字就如同平衡木上的运动员一样挺拔、美观。

2、课件出示各种字体，欣赏美。

引导学生发现不论是什么字体的“中、羊、木”，它们都有一个共同点：竖都在字的中间，左右两边笔画相称。这些都是取中结构的独体字。

3、试写两个，尝试美。（相机复习双姿 ）

4、投影展现作业，评价美。

（有针对性地选择两类不规范的书写案例：左右不相称、竖不直。） 老师适时小结强调竖在字的中间，左右两边笔画相称才美。

5、教师范写，引导美。（师配合说要点）

6、学生再次练习，教师巡视指导。（相机纠正双姿 ）

7、小组推荐优秀作业，展示美。

8、编顺口溜，总结要点。

小朋友，学写字，勤观察，善发现。 取中结构这样写，重心落在竖中线， 左右笔画要相称，挺拔稳当真好看。

三、拓展练习，巩固美

课件出示取中结构独体字“平、禾、半”，要求学生自己用心看，用心想，练一练。（课件播放音乐）

四、感悟名言，升华美

1、课件出示艺术大师罗丹的话“对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”

2、总结：这节课，同学们用自己的眼、用自己的心，发现了取中结构独体字的一般书写规律，真了不起！

【板书设计】

独体字

重

取中

心

相称

稳

《独体字（取中结构）》教学设想 执教：虞阳小学

黄少梅

指导：方向阳

陈伟锦

武朝元

伟大艺术家罗丹说过：“对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”美在生活中，美在汉字里。本课教学我按照省级课题“现代农村远程教育工程研究”的实验要求，运用了现代农远教育“模式二”的教学，充分利用多媒体课件资源，不断铺设平台，让学生能自己发现汉字书写的美学规律而欢呼，让学生为自己能初步书写美的汉字而喝彩。

终身教育的理念告诉我们，让学生学会学习要比学会知识重要得多。我根据小学一年级写字的基本要求和基本原则，并结合语文教学中的识字教学以及本班学生的年龄、心理等特点，本节课的教学设计如下：

一、创设情境，发现美。

兴趣是最好的老师，学生一旦对学习产生了兴趣，就会迸发出学习的积极性的主动性。我以雪松课件导入，通过观看，集中学生注意力，让他们发现其挺拔直立的美，然后播放运动员在平衡木上展现的各种优美姿势，让学生发现重心平稳的美。

二、充分利用多媒体课件，化静为动，变抽象为形象，突破重、难点。

在突破取中结构独体字因为重心平稳、左右相称而美这个教学重点时，我充分利用多媒体先出示课件“中、羊、木”，学生通过观察，自主发现这三个字都有一竖，这一竖把字分成左右两半，紧接着我利用课件把这一竖用红线标示出来，再出示田字格，学生一下子就明白这三个字的重心落在竖中线上。然后我又把取中结构独体字“中、羊、木”与运动员和雪松相叠，通过观察，发现中国汉字也因为重心平稳而美。我还利用课件，让学生欣赏不同字体的“中、羊、木”，再次直观发现取中结构独体字的一般书写规律，再以儿歌总结，突破重、难点。

三、借助实物投影仪，实现双边交流，教学互动。

学生书写练习中，肯定存在各种各样的差错问题。我就选择了学生作业中存在的典型问题，利用实物投影，让学生共同评价、修改，及时反馈，加深学生的印象。同时我在实物投影仪下进行范写，配以讲述书写要点，让学生更直观地看到老师书写的整个过程，老师的双姿、笔画的运笔及书写的规律，学生看在眼里，了然于心。

四、引进竞争机制，培养写字兴趣。

兴趣是最好的老师，特别是对于低年级的学生来说，凡是他们喜欢的，学习持续时间相对较长，效果也好。在本节课上，我以小组为单位，进行写字比赛（包括写字姿势），获胜的小组得到一面红旗。在个人表现方面，写字写得好的、有进步的，评点得好的，都给小红花奖励，以调动学生学习写字的积极性，培养学生良好的竞争意识。

五、借助音乐，创设情境，激发兴趣。

练习是由感知到应用的内化过程，因此是个艰苦枯燥的过程。在学生练字时，我利用课件，播放古典音乐《春江花月夜》，以渲染气氛，调动情感，创设一个悦耳赏心怕境界，从一定程度上减轻学生上课产生的紧张和疲劳。

第18篇：美术课复习教案

一年级美术课复习教案 课时：1课时 复习目标：

通过复习，使学生在绘画活动中学会观察记忆的良好方法，了解基本的绘画技法，喜欢绘画。讲解彩泥制作的基本方法，引导学生加深印象。

复习重点：绘画的技法。（人物脸形特征的观察及其表现方法。） 复习难点：学会观察记忆的方法。 教学时间：1课时 教学过程：

一、组织教学：检查学生的学习用具。

二、导入新课

1、同学们，我们一起来玩一个“点鼻子”的游戏。

2、这节课我们来学习给同学画张像。（板书课题）

三、讲授新课

1、教师引导学生观察、分析几位同学的脸形、五官。

2、请学生欣赏课本提供的学生作品，看看同龄人是怎样画人物像的。请学生说一说。

3、教师给一位同学画像做示范，请学生观察教师是怎样画人像的。在演示过程中教师要将学生的脸形特征一边说一边画，这有助于学生观察能力的提高。

四、学生作画，教师巡视指导。

1、学生用彩色水笔或油画棒给同学画一幅像。可以在画的背景涂上自己喜欢的颜色或花纹。

2、教师指导学生如何在绘画活动中把自己的观察和想法表现出来，同时鼓励学生独立、大胆地作画。

五、小结。

请学生互相欣赏，猜一猜，看一看哪幅作品画的是谁。

二年级美术课复习教案 课时：1课时

复习目标：

1、掌握基本的造型技能，学会并掌握绘画的基本步骤。

2、了解手工制作的基本方法。复习重点：绘画，并用图案装饰。 复习难点：合适的图案和色彩。 教学过程：

一、引导认知

1、教师展示小鸟的图片。

小鸟什么地方最美，你能说一说吗？（从外形或色彩考虑） 比较看，它们有什么不同？（鸟的羽毛、形状、色彩） 小组交流。

2、教师小结

二、探究学习

1、教师示范一种装饰画法。引导学生根据羽毛的特点用添加和概括的方法大胆地进行装饰。色彩设计可根据图片或想象设计。

2、学生说一说设计的“鸟的乐园”有什么新颖的东西。小组交流。

3、学生单独或小组合作画一只小鸟，看谁画得好又快。（教师注意引导学生画出小鸟的动态与神情。）

三、展示评价

学生作品组成“鸟的乐园”，学生走走看看，观察、欣赏绘画，评一评，谁设计的鸟儿最有趣，谁给鸟儿披的彩衣最美丽。

三年级美术课教案

复习目标：复习本学期所学过的知识，重点复习三原色和三间色的色彩知识，懂得用两种原色调出间色，并学会运用三原色和三间色进行主题创作。

复习重点：运用三原色和三间色。

复习难点：正确运用三原色、三间色创作一幅有主题的画。 学具：水溶性颜料、一次性塑料杯、小棒、画笔、画纸。 教学设计：

一、组织教学，检查学生用具准备情况。

二、创设情景探究：欣赏课本中的图片，思考：在缤纷的色彩世界里，我们经常看到哪种颜色？

教师：红、橙、黄、蓝、绿、紫是生活中常见的颜色，它们都很漂亮，这六种颜色中有三种是不能用其他颜色调和的，而另外三种是用这三种颜色中的两种调各而成的。试试看，你能区分出来吗？ 学生以小组合作学习，边讨论边动手调“饮料”颜色。

三、认识三原色和三间色

三原色：即红、黄、蓝三种基本颜色。

三间色：橙、绿、紫是由三原色调配出来的颜色。 师生共同动手作实验。

教师引导学生认识课本 上的三色间隔重叠图例，分析三原色两两相加会变化出哪几种颜色。

巩固新知识，做“击鼓传色”游戏。

四、课堂练习：用三原色、三间色创作一幅有主题的画。

五、学生作业，教师巡视辅导。

六、评一评，议一议。

四年级美术课 两课时

复习目的：复习本学期所学知识，重点复习手工，培养学生的动手创作能力，发展学生的创新精神。

复习难点、重点：画一幅登山线路的游戏图，进行登山 游戏比赛活动。 教具准备：范作、彩泥、彩色笔等。 学具准备：彩色橡皮泥、彩笔 教学过程：

一、导入新知

1、组织教学。

2、欣赏老师的制作的登山图，请个别同学上台和老师一起玩一玩。

3、揭示课题：登山游戏

二、探索新知

1、观察书本的图例，说说他们做的和老师有什么不同？

2、学生回忆，班级以前组织秋游登山活动，所走过的线路，或自己和父母出游所爬过的山，可以分为几个停靠点和终点。

4、组织各小组讨论，怎样把登山线路图绘制成一张登山地图，制作初稿。

5、学生汇报讨论的结果，进行交流。

6、教师结合学生的想法，提出几点意见和看法。

7、师按照个别学生的想法和学生共同在黑板上绘制一张登山游戏图，稍做示范。

三、综合实践

1、作业：学生分小组进行绘制一幅登山游戏线路图，同时用彩泥制作下棋必需的棋子。

2、要求：路线清晰、构图完整。

四、教师巡视指导，学生练习制作。

五、总结：

1、汇报游戏：学生以小组为主进行登山游戏玩一玩。

2、展示作品，交流心得。

3、师总结，布置下节课工具并要求同学整理好教室，做好保结工作。

六年级美术课复习教案

一、复习目的：

1、复习本学期所学的绘画知识、欣赏知识、造型知识，重点复习学生欣赏了解乐器及乐器的发展，学习运用不同的材料制作乐器。

2、培养学生的创造力和设计意识。

二、复习重难点： 重点：了解乐器 难点：设计乐器

三、教具准备：

教师：课件（ 有关青铜编钟、藏族大鼓、战国彩绘虎座鸟架悬鼓等乐器的文字资料和图片资料„„）

学生：准备制作乐器的竹筒、铁管、铁盒、陶泥„„ 。

四、教学过程：

（一）、引导阶段

1、教师播放几段乐曲让学生欣赏。

2、请学生猜一猜是什么乐器发出的乐曲，教师引导学生感受青铜编钟、藏族大鼓、战国彩绘虎座鸟架悬鼓等乐器的不同音效。

3、请学生交流自己查找到的有关乐器的资料。

4、教师出示图片并简要介绍乐器的发展、乐器的种类，并让学生欣赏不同的乐器发出的不同的音效。

5、原始社会（用兽骨、陶泥等制作乐器）-----奴隶社会（青铜制作精美的乐器）-----封建社会（乐器的用料、工艺更为讲究，多样如：青铜编钟、战国彩绘虎座鸟架悬鼓、等）-----至今（居住在我国西南（云南、贵州、四川）和西北（青海、宁夏、甘肃、新疆、西藏）地区一些少数民族仍旧是用手工来制作乐器。如 ：藏族大鼓，体现了一个民族的独特文化韵味。

（二）、发展阶段

1、教师出示乐器的图片，引导学生归纳乐器的形状及特征。

2、教师启发学生根据自己带来的材料设计乐器，教师讲解乐器的制作方法。

3、学生思考先画出自己的设计草图并进行小组交流。

4、教师根据学生的设计构思进行启发性的讲评。

五、学生制作，教师巡回辅导。

作业：利用竹筒、铁管、铁盒、陶土等材料制作乐器。

六、交流与评价：

1、展示学生制作的乐器并请学生说说自己的设计构思及制作过程中遇到过什么问题，自己是怎样解决的。

2、师生交流评价。

3、布置下节课工具。第二课时 教学过程：

1、教师复习上节课内容，教师引导学生从形和声方面继续加工乐器，让自己的乐器更好。

2、学生制作，教师巡回辅导。

3、学生展示乐器

①让学生分组展示自己制作的乐器并吹一吹自己的乐器。 ② 师生交流----比一比，谁的乐器造型好，谁的乐器能发出优美的声音。

③教师评价，小结。

4、课后拓展

让学生尝试用更多的材料和方法制作乐器。

编钟:是我国古代的一种打击乐器，用青铜铸成，它由大小不同的扁圆钟按照音调高低的次序排列起来，悬挂在一个巨大的钟架上，用丁字形的木锤和长形的棒分别敲打铜钟，能发出不同的乐音，因为每个钟的音调不同，按音谱敲打，可以演奏出美妙的乐曲。

根据文献记载和出土文物，发现我国在西周时期就有了编钟，那时候的编钟一般是由大小3枚组合起来的。春秋末期到战国时期的编钟数目就逐渐增多了，有9枚一组的和13枚一组的，等等„„1978年，湖北随县一座战国时代（约公元前433年）的曾侯乙墓出土的编钟，是至今为止所发现的成套编钟中最引人注目前一套，这套编钟之大，足以占满一个现代音乐厅的整个舞台。它由19个钮钟、45个甬钟，外加楚惠王送的一件大傅钟共65件组成。这些钟分3层8组挂在钟架上，直挂在上层的3组叫钮钟，斜悬在中下层的5组叫甬钟，其中最小的一个钮钟高20．4厘米、质量为2．4千克，在演奏中能起定调作用，最大的一个低音甬钟高达153．4厘米、质量为203．6千克，全套编钟总质量在2500千克以上。钟架是铜木结构的，它的外形呈直角曲尺形（如┏），全长10米以上，上下3层，高273米，由6个佩剑的青铜武士和几根圆柱承托。整套编钟和梁架气势宏大、壮观无比。演奏时乐队由几个人组成，用6只丁字形木锤敲高、中音，用两根长形棒撞低音。经声学专家研究，编钟中的每只钟都可以发出两个不同的乐音，只要准确地敲击钟上标音的位置，它就能发出合乎一定频率的乐音，整套编钟能奏出现代钢琴上的所有黑白键的音响。这套编钟的定音频率为256．4赫，与现在钢琴上的中央“C”频率几乎完全相等。出土后经过试验性演奏，表明它们虽然在地下埋藏了2000多年，但音乐性能仍然很好，它的发音准确，音色优美，音域可跨五个八度之多，变化音比较完备，因此，古典的和现代的乐曲都能演奏，用来伴唱效果也很好。

曾侯乙编钟用料是铜、锡、铝合金，全套编钟上装饰有人、兽、龙等花纹，铸制精美，花纹细致清晰，并刻有错金铭文，用以标明各钟的发音音调，它是公元前433年的实物。可见，远在2400多年以前。我国的音乐文化和铸造技术已经发展到相当高的水平，它比欧洲十二平均律的键盘乐器的出现要早将近2000年。

课题：六年级美术知识梳理 教学目标：

认知目标：对本学期所学知识进行梳理，进一步加强对本册教材的系统掌握。 技能目标：通过系列整理的方式，培养学生归纳总结知识要点的能力。 情意目标：在回顾全册教材的过程中，培养学生科学的学习态度及对美术学习活动的兴趣。

教学重点：系统整理全册知识能力目标。 教学难点：归纳总结全册知识要点。

作业要求：根据本学期美术学科应掌握的知识重点及能力目标，较为系统地进行归纳整理，以手绘报的形式呈现出来。 教学准备： 教师：教材、课件。 学生：教材、铅笔、彩笔等。 教学过程：

教 学 活 动 教 学 意 图

教 师 学 生

一、导入: 直接入课

0．5分钟

做好上课准备

稳定情绪、集中精神

二、梳理知识: 20分钟 1.十一册教材的知识体系： 引导学生按照“线条、色彩、设计、国画、泥塑、版画、欣赏、综合探索”等几大知识体系将本册教材各课分类。 2.系列知识要点：

利用幻灯片依次对各系列知识要点进行梳理总结。 3.六年级美术学科应掌握的知识、能力： 幻灯片呈现

结合教材内容按照各知识体系将所学各课分类整理。

学生根据问题在书中寻找答案（以线条、色彩、设计、国画系列为重点） 回顾本学期所学知识，并欣赏年级优秀作业。

进一步明确本学期美术学科应掌握的知识及能力目标。 通过按各知识体系将所学各课分类整理，培养学生的分析能力。

在找寻答案的过程中进行自我梳理与总结；在集体交流中进一步明确知识点及能力目标。

三、归纳整理： 18分钟 1．实践内容：

根据本学期美术学科应掌握的知识重点及能力目标，较为系统地进行归纳整理，以手绘报的形式呈现出来。 2．提出要求： （1）内容精练、准确； （2）图文并茂、构图合理； （3）具有一定的实用性及观赏性。 3．指导学生进行手绘报的设计与制作。 观看、聆听，明确实践活动要求。

通过绘制小报的形式，将本学期所学知识进一步总结与归纳，加强理解与掌握。

四、课堂小结 1.5分钟 1．欣赏同学们的作品 2．回家继续完成完善作业

欣赏作品，重点为内容精练、准确；图文并茂、构图合理；具有一定的实用性及观赏性。简单发表自己的见解。

相互欣赏作品，促进思维扩展，并进一步提高作品质量。

第19篇：小学美术课教案

“明理”之——家乡的老房子

姓名：袁千景 学号：131405036 课堂目标：

1、知识目标：引导学生用自己喜欢的方式了解家乡民居、建筑的一些特点与变化。

2、能力目标：培养初步的探究能力，探究建筑与人们生活的关系与影响。

3、情感、态度、价值观：感受建筑艺术的精美和家乡劳动人民的智慧。明白“劳动诚可贵”的道理。

教师活动准备：

1、收集各个地方不同建筑、民居的照片、图片、邮票等资料。

3、多媒体课件。课堂过程：

（一）了解家乡房子的特点和变化

1、展示作品，了解家乡房子的特点 大家都知道自己家乡房子的特点，现在，我们一起来欣赏一下不同地方劳动人民智慧的结晶——建筑：

（1）谁愿意介绍一下自己的家乡建筑？

（2）在绘画、欣赏和评时的观察中，你觉得我们住的房子有什么特点？

小结：我们住的房子大多是楼房；也有的是平房，或者说砖瓦房，红红的瓦，白白的墙，这一切构成了家乡一道独特的风景。此外，在我们的周围还有许多老房子，让我们去看一看。

2、通过比较，感知家乡房子的变化 （1）（出示制作的“老房子”课件）想一想：我们家乡有没有这样的老房子？你喜欢这样的老房子吗？它哪些地方给你留下了深刻的印象？（根据学生回答适当板书：青青的瓦、灰灰的墙、展翅的屋檐、雕花的房梁„„）

（2）同学交流（可以结合搜集的照片或图片进行交流）； ①你在哪里见过这样的老房子？

②给你印象最深的是什么？说说你当时的感受。

生1：在我的老家农村见过这样的老房子，当时给我的印象就是历史久远。

生2：我也是在老家见过这样的老房子，觉得非常得好奇，回家总喜欢到那里去看看。 师小结：青青的瓦、灰灰的墙、展翅的屋檐、雕花的房梁、门前的石狮子，这一独特的历史文化在我们看来是那样的古老、新奇。

同学们，我们看看在我们祖国，劳动人民是用什么材料建造房子的？ （配图）安徽建筑，湘西吊脚楼，福建土楼„„ 劳动人民发明了怎么样的智慧？

（配图）砖结构，竹子建造，瓦片„„ 这些建筑有什么特殊的作用？

学生：防雨防水，军事防御，散热，抵御潮湿„„

现在让我们一起来画我们家乡的老房子吧！ a、讲解线条画

（1）勾画外轮廓形及比例。 （2）从主要部分入手。 （3）线条明确，有密变化。 （4）明暗对比强烈。

b、讲解色彩描绘的方法。

（1）在初步概括的线条画基础上作色，线条不要有明暗变化，只要线条明确。 （2）线条、色彩画分两种清淡，稍有色差及鲜灰变化。

（3）以色块为主的，线条只要框出结构即可，色块鲜明，对比强烈。 c、大师作品分析，学生示范作业展示。 d、学生作业，教师辅导。

1、学习用线条描绘老房子的特征。

（1） 遵循原则：整体——局部——整体

（2） 讨论用线的方法：是自然曲线好，还是笔直的好？

2、色彩描绘方法。（1） 线条结合法。 （2） 色块表现法。

3、小组讨论总结线、色描绘方法，并想一想自己适合用哪一种方法，为什么？ e、交流，好的作品上台交流。

第20篇：美术课前前后后教案

篇1：美术教学设计前前后后

《前前后后》教学反思

这一课经过几次试讲，才确定了教学形式。不可否认，实践是检验真理的唯一标准，不尝试永远也发现不了不足，尝试的过程就是不断完善的过程，平时上课也是这样，最后一个班的课往往比前面的几节令人满意，教学效果也好。

就像这一课的导课，先是让学生通过欣赏一组具有鲜明透视效果的图片和影像资料来发现“近大远小”的透视规律，但因为缺少直观的对比，没有在学生脑海中留下深刻地认识，取得的效果并不如预想的好。于是灵机一动，随手编了一个双手操，用手的动作来展示不同的位置关系，让学生从双手的位置改变来发现手的大小的变化，学生很容易得就总结出了“近大远小”的规律。这样似乎已达到了教学的目的，但学生的作业交来后，我发现他们的表现对象仅限于近距离的前后关系，或是书上的内容，并没有拓展开来。为了解决这个问题，我设计了各种各样的方式，观察教室、观察课桌、观察站在第一排和站在最后一排的同学，来丰富学生的认识。最后还是走过操场时，忽然想到为什么不把他们带到操场呢？大自然不就是一个活生生的老师吗？为教学气氛更活跃，我还设计了汽车小司机这个游戏环节，来激发学生的学习热情，实践证明走出课堂，又是一片新天地。

篇2：三年级美术前前后后教案

一、教材分析

绘画中表现前后的遮挡关系，能增强画面的空间感，令画面层次更丰富。本课通过学习绘画法和拼贴法，让学生建立用美术语言表现前后空间感的意识，为以后的美术表现作铺垫。 物体由于前后位置不同，会产生前后遮挡变化。生活中事物的前后遮挡关系无处不在，提醒学生做一个有心人，观察这一美术现象，并学习用美术语言表现生活中的美术现象。

本课教材提供了多幅有前后遮挡关系的图片，启发学生用美术思维来看身边的世界。教材中秦始皇陵兵马俑实景照片旁，配有简笔画示意图，一方面表现前后遮挡关系，另一方面还传达出一个信息：身高差不多的陶俑，由于摆放的位置逐渐退远，给人近高远低、近大远小的视觉感受。

教材中提供了两种表现方法，一是剪贴法，即由远及近的粘贴顺序，便于学生理解前后遮挡关系；二是绘画法，即教材下方的三幅学生绘画作品，较好地体现了遮挡、近大远小的关系，为学生进一步构思自己的作品作好铺垫。

二、教学思路

第一课时教学采用以下环节：找生活中的前后现象——游戏探究，对比感知——欣赏感知——探究远近关系——剪贴法表现前后、远近关系——展示评价。第二课时教学绘画法表现前后，即先画前面的，再画后面的，被遮挡住的地方就不画。通过欣赏表现前后、近大远小现象的绘画作品，使学生学习用绘画的方式表现物体前后遮挡产生的空间美感。

三、教学建议

第一课时

（一）引导阶段

情景导入：两只玩偶争宠，排队争第一。一会儿玩偶a跳到前面来挡住玩偶b，一会儿玩偶b跳到前面来挡住玩偶a，让学生判断谁在前、谁在后。

揭示课题：前前后后。

（二）发展阶段

1．让学生找一找生活中的遮挡现象，判断什么物体在前，什么物体在后。

出示书中的知识窗：把一样物体放在另一样物体的后面，就会产生前后的感觉。 2．游戏探究，对比感知，前后遮挡产生的层次美感。

（1）教师出示用吹塑纸剪的五个水果，教师拼摆无任何遮挡的零散的效果，请学生说出感受。

（2）各组游戏，随意拼摆，尝试探究怎样摆放物品更具有美感？

（3）展示交流，得出结论，画面要有局部遮挡，才会有层次感。 3.欣赏感知。

课件出示资源包中有前后现象的作品图片，学生感知前后关系使画面更生动，更符合视觉审美。

4．探究远近关系

（1）欣赏书中秦始皇陵兵马俑图片，为什么一样高的陶俑看上去会有的大，有的小？有什么规律？学生讨论、交流。

（2）出示书中知识窗：通过逐渐缩小物体的尺寸，产生远近的感觉。

（3）课件出示生活中近大远小现象的图片，拓宽学生思维，请学生说一说这种现象给自己的感受。

小结：画面中有前后遮挡及远近的不同，能使画面更丰富，更生动。 5．怎样把刚才发现的前后、远近关系表现出来呢？

（1）各小组继续玩老师提供的剪贴半成品，各组学生试着摆一摆，想一想先粘贴什么，后粘贴什么。

（2）分组交流，得出结论。先粘后面的、远处的部分，后粘前面的、近处的部分。

（3）学生看书中步骤图，自学，明确方法和步骤。 6．启发构思

你想表现怎样一幅有前后关系的、远近感觉的画面？

（三）实践阶段

习作要求：

1.用剪贴法表现一幅有前后关系、远近感觉的作品。

2.剪出物体外形轮廓——拼摆出前后关系——由远及近粘贴作品。

（四）展示与评价阶段

展示习作，同学间相互找一找画面中表现前后、远近关系的部分。师生参与评价，肯定优点，对表现不足的部分提出完善建议。

（五）收拾与整理阶段

引导学生收拾、整理，维护环境卫生。

篇3：三年级美术教案 第4课 前前后后

第4课 前前后后

彩石镇大龙小学 康进

教学目标：

1、通过回忆，观察与比较，能够概括出“同样大小的物体会显现近大远小的现象”这一规律。

2、能够运用“近大远小”的规律，绘画或拼贴一幅表现物体的前后关系的作品。

教学重难点：

1、能否例举“近大远小”的现象。

2、能否用“近大远小”这一规律来表现前后关系。

3、画面是否表现出了物体的前后关系。

教学课时：1课时

教具学具：绘画工具

教学过程：

一、引导阶段

1、交流课前观察的结果。

2、教师同时出示相应的图片，影像资料等。说说这些景物都有些什么规律？举例说明。

二、发展阶段

1、教师引导学生讨论：在以往的绘画中，你是用什么方法来表现前后关系的？

学生1：把一样物体放在另一样物体的后面，就产生前后的感觉。

学生2：物体通过逐渐缩小尺寸，也会产生前后的感觉。

2、教师小结：知道了“近大远小”的规律后，说说你准备如何用它来表现景物前后关系？ 学生分组讨论

3、教师可以为学生的作业指定一个主题，也可以让学生讨论后自主命题，并选择一种作业形式（绘画，拼贴，或两者结合）。

4、绘画之前可以与学生探讨一下绘画顺序:先画什么比较合理？

三、学生作业，教师辅导，优秀作业点评

四、收拾与整理

要让学生养成将剪下来的废纸屑随手放进纸篓的习惯，这样课后的收拾与整理就比较方便。

五、课后拓展

寻找，收集与本课内容有关的世界名画，并用简单的语言加以书面评论。

教学反思：

本课的教学其实是要让学生建立绘画的空间感。在教学中我采用让学生进行实物拼摆来感受视觉变化，了解改变物体前后视觉变化的方法，然后再通过欣赏作品中的前后视觉变化来加深对绘画空间感的认识。从课后的反馈来看，学生对这方面知识印象深刻，掌握得较好。

篇4：小学三年级美术上册《前前后后》教案设计

小学三年级美术上册《前前后后》教案设计 作者：唐臣立 刘兴翠

来源：《新课程·上旬》2014年第07期

一、教学目标

（一）知识与技能：通过回忆、观察与比较，能够理解并且概括出“同样大小的物体会显现近大远小的现象”这一规律，也就是透视现象。孩子们能够运用“近大远小、近高远低”规律，采用多种绘画形式（如剪贴、粘贴、拼贴、绘制）来表现物体前后关系的作品。

（二）过程与方法：用欣赏学生生活中的透视照片导入新课，激发孩子们的绘画兴趣。让孩子们初步了解“近大远小、近高远低”的透视规律，也可以通过动画片的欣赏，让孩子们了解怎么表示透视现象。最好通过各种绘画手段，来解决本节课的重难点。

（三）素质发展目标：引导孩子们学会观察生活，感受生活，感受绘画快乐。

二、教学重点

能正确理解“近大远小”的现象和透视规律。

教学难点：用各种绘画形式表现“近大远小”的现象和透视规律。

教学方法：先让孩子们欣赏生活中关于透视的照片，然后欣赏动画片，激发孩子们的创作欲望，然后小组合作，通过拼贴作品的动手实践活动，来拓展孩子们的创作思路，突破教学的重难点。

三、教学准备

生活照片、影像资料或课件、彩色纸、绘画纸、彩笔、剪刀、胶水等。

四、教学过程

（一）激趣导入

1.教师出示能显示透视的生活照片，提问：孩子们观察这些景物有什么样的规律？教师引导，近处的什么大（高）？远处的什么小（矮）？然后让孩子们总结。（同样大小的物体，距离我们近的看起来比较大，距离我们远的看起来比较小，距离我们近的物体看起来在距离我们远的物体的前面。这就是一种透视现象，也就是我们今天要和孩子们一起学习的内容——前前后后。

《高中美术课教案模板.doc》

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