《视觉艺术鉴赏》读后感
作者约翰·伯格在这本书中谈到论述观赏女子的各种方法及油画传统中互相矛盾的各个方面和广告与资本主义的白日梦。本书图文并茂，生动详尽的为大家展示作者的观点。
在谈及观赏女子的方法中，作者说道：我们观看事物的方式，受知识与信仰的影响，我们只看见我们注视的东西。我认为我们只是在注视我们选择注视的东西，在观看中自动的屏蔽和取舍不愿关注的，而在我们观看别人的同时，别人也在不同程度的回应我们。视觉的这种交互关系让我不禁发问：人与物之间是人主动观看的么？物是被进入到人的视野吗？由于个体本身的差异性，每个人对于影响的理解和欣赏都不同。在读书中，作者对于艺术鉴赏的专业方法，关于印象派和立体派的区别我还是不太理解，这个还需要好好斟酌一番。 都说男子重行动，女子重外观。女子何以如此注意外貌？这是因为周围异性对于自己的特别关注使得自己开始打量自身的姿态，风度，声音，见解，表情，行为举止。因此女性把自己即是观察者又是被观察者的身份，看做既有联系又有区别的组成部分。作者还说道：女性在男性面前的形象，决定了她所受的待遇。的确，生活中，我们可以看到，女子在男子跟前展示出的是什么样的形象，男子便做出相应的回应。在学习中外广告史的选修课上，老师曾为我们展示广告史的发展中女子形象的变化。其中大多数时代里女子作为被消费的群体，赤身裸体供男人欣赏。而在本书中，作者也在本段阐述中插入大量裸体画，用于讲解其观点。而我一直不太理解的是如何区分正常的性文化或人体艺术和色情文化？创造裸体绘画的目的何在？但我想性是人类生活中不可避免的一种客观存在和需求。而人们需要另一种文化去表达它，那便是裸体艺术，它只是将正常生活搬上了绘画中，而性爱的主角就是看画的那位作品的拥有者。裸体本身就是在展示人类本质上最原始的性冲动，但却区分于黄色文化，这种艺术仅供欣赏。文化西方的开放性使我们更能理解裸体艺术的存在，这种艺术形态也是对于其文化形态的客观反映。
最后说说广告与资本主义之间的千丝万缕的联系，广告在大街小巷上随处可见，它大多数是与商业利益挂钩的，而在资本主义社会，广告更是利益的表现方式。其存在利于大众消费，刺激消费，拉动国民经济的增长，最终促进了国家财政税收的增长。因此广告的作用不容小觑，为了促使消费者买账，各大广告商使出了浑身解数，比如可口可乐公司和百事可乐公司，其每年在广告投入上可谓是出血本，但回报更高。高价请明星代言，多种媒体形式的广告展播，为其增彩不少。以百事可乐为例，最初一直处在低谷，活在可口可乐的阴影下，但近几年，它调整方案，启用新一代百事新星并不停换标以应对金融危机，利用“明星效应”
大获全胜，在可乐市场的角逐中赢得了一席之地，它的成功是资本主义市场中广告运营成功的典例。各种各样的商业广告都在传达这样的信息：我们只要消费，就会更富有！它充分调动起人的思维和灵感，运用感性诉求和理性诉求去征服消费者，去购买，去成为可爱的人儿！而广告本身也在不断创新，与时俱进。广告语言也必须突出广告本身具备的实质感，它绞尽脑汁，挖空心思的的想把大众的钱放进厂商的口袋，无所不用其极的夸大甚至造假，但这是我们必须面对的，而我们所做的也只能上表象意义上的鉴别，资本主义已经不能脱离其发展，否则便是自掘坟墓，自取灭亡。
那么这本书能让我们读者学到什么呢？对于我来说，开拓了思维，学习到视觉艺术鉴赏的方法和其中存在的一些矛盾。一本好书，不求它给你带来多么丰富的知识，但求它给你带来多重思考，so i got it! 与君共勉。篇2：视觉大挑战读后感 视觉大发现读后感 一看到《视觉大挑战》这本书，我就被书里面40张卡片给吸引住了，艾玛，每道题都太有挑战性了，这脑力严重不足啊，赶紧叫来老公一起研究，有的题目连我们都有些吃力，这套题得好好收藏，当然里面也有不少适合小孩子的，赶紧一起来看看吧，感谢幼儿园老师提供给我们这么精彩的逻辑挑战书。此次获得的是这套题中的《逻辑大挑战》，咱必须得承认，自己在逻辑方面不是很好，以前做类似这方面的题目，很容易就迷糊了，但就跟吃辣椒一样，越是辣得要命，越是停不了嘴，看题目的时候，有点儿走火入魔了，上厕所、吃饭的时候都拿着卡片琢磨，幸好卡片是单张的，携带方便，我怀疑作者是不是就出于这方面的考虑才做成这种形式吧^_^这套题共有89个小游戏，各个方面的逻辑思维都能体察到，真的是超赞的一套书，值得爸爸妈妈和宝贝们一起挑战的好书。
儿子在幼儿园就很喜欢看这本书，这次经老师同意拿回家看，早晚有时间就拿出来研究寻找，加上自己能认识一部分字，可以自己边看要求找的物品边研究寻找，有一种古堡探险的感觉，非常符合这个年龄阶段的孩子寻求刺激，和新鲜感的心理。篇3：《建筑视觉原理--基于建筑概念的视觉思考》读后感
《建筑视觉原理-----基于建筑概念的视觉思考》读后感
《建筑视觉原理------基于建筑概念的视觉思考》是国内少见的启发式教材。重点是视觉思维能力的培养，通过58篇课文对70余个重要概念作了生动的阐述，并配以紧密结合实际的多样化习题，是对建筑视觉教育的有益探索。本书是一个有益的窗口，无论对普通的建筑专业学生和非专业人士，还是对资深的建筑师及其他相关从业者都具有很大参考价值。 作者在序言中提到：“为什么要学习建筑学？”多年来的研究表明，普通大众的视觉审美文化程度一直未能超越四年级水平。如果我们的文化在这个层次上徘徊，那么人类将不会再怀念他们所不知道的东西。建筑学是一门艺术，但不是纯粹的艺术，是与国家的物质和技术资源发展水平紧密的联系。从古至今，建筑一直产生着巨大的视觉力量，但是人们却很少给予关注。目前，人们讨论的焦点是建筑的实用性、经济性和社会因素等，还没有将建筑的视觉表现属性看作是它们最重要的作用之一，因此还无法描述人们对建筑的全面需要，这一现象令人遗憾。可能长期以来人们并不太关注建筑在视觉上带给我们的感受，或者说人们觉得这样的影响其实是很微妙的，甚至可以忽略的。序言中提到的《愤怒的葡萄》的结尾部分，那个问题引人深思：“难道我们可以不知道自己是谁而可以继续活下去吗？如果没有了过去，我们怎样知道我们是谁呢？”人们不能忘记过去而空白盲目地活着，放在建筑上来说，我们不能一味试图毁坏掉有历史有故事的建筑。我们的城市原本可以成为培养审美能力的好地方，但城市似乎情愿变得塞满难看的方格街区，满眼全是没有规划的临街建筑和汽车废弃物。这就是我们的环境，我们生活在其中，并受其影响。我们难以改变这一切。也许最有希望的改变来自民众视觉审美水平的提高，并加强对下一代的视觉读解能力的教育。 如同以光速前行的粒子一样，大量的工作亟需去做，而且面临的问题又是如此紧迫，密切关系到过去、现在和未来。目前和将来的决策都要建立在一个视觉文化的基础上，无论是在设计、理论、功能和结构方面，还是在文化遗产等方面。已经建成的环境也不容忽视，要把它放在极为重要的位置上去考虑。本书的目的正是把建筑上重要并非常基础的概念组织起来。概念学习是一种有效的学习方式，概念是行为的指南，所以，如果我们希望改变我们的个性和文化行为，理解概念是必要的。序言中提到的一个关于概念的问题：“影子是什么颜色的？”当问朋友这个问题的答案时，你会很惊讶的发现大多数人的回答是“灰色”或“黑色”。而你应该告诉你的朋友们：“影子的颜色是承影面表面自有的颜色，但色调更深，还隐隐含有它的补色。”这个时候，再让他们看看室外黄绿色的草地，他们就会看见草地上的深绿色以及带有紫罗兰色的影子。他们第一次看见了影子的颜色！借助概念上的理解，我们获得了一种全新的并且是令人兴奋的视角去看待这个世界。这就是视觉概念的教育为什么如此重要的原因。概念能够帮助大脑理解视觉信息，。没有了概念，我们将什么也“看不见”。 因此在阅读本书后，我想说说我对于其中某些概念的理解，以及尝试运用的实例。
“阴影是建筑设计中的重要元素。阴影能显现形式，让肌理变得可见，提供明暗和对比。”（6-40阴影）富兰克林y盖茨说过：“没有对比便没有感知。”夜晚便是一个巨大的阴影。傍晚，阴影变得越来越长，直到完全的阴影（夜晚）来临。建筑师可能会用灯光来给他们的建筑制造阴影，他们知道人们的眼睛是通过光与影来辨识形体的。太阳作为自然光源照亮了建筑形式和空间。光及其在建筑物上造成的效果随着时间的推移、四季的更替和天气的变化而变化。当阳光使建
筑上的光和影发生变化时，建筑空间充满生机，形式和肌理成为整体。
宗教建筑在体型设计中经常采用穹顶、柱廊的形式，用光创造宗教气氛。不同的穹顶结构和周围内部空间在结构空间上不同层次性，必然导致光线分布的层次性。例如西方中世纪拜占庭建筑最光辉的代表圣索菲亚大教堂。
试着想想，两个大小相同的圆，白色的看起来是不是比黑色的要大一些？盯着白圆看片刻，会发现白圆边缘比中部更明亮，好像光从像中渗了出来，这种现象称为光渗。由光渗引起的白大黑小的错觉就是光渗错觉。古希腊雅典卫城的帕提农神庙在克服光渗错觉上做出了很好的典范：若柱径相同，被明亮天空映衬的角柱看起来就要比深色背景衬托下的中柱细一些。于是，设计人易科特纳斯把角柱加粗近4cm，缩小角开间约60cm，以达到视觉上的稳定。早在古希腊，建筑师就已经注意到了这个现象并找到了解决的办法，所以古希腊的柱式都有卷杀。这种处理是很细微的，帕提农神庙柱的卷杀为1.7cm，但正是这种细微的调 整纠正了人眼的视错觉。
环柱式的古希腊建筑，中央是厅堂、大殿，周围是柱子。排列整齐的的柱廊在阳光下形成“亮暗”相错的富有韵律的艺术美感，在阳光的照耀下，建筑产生出丰富的光影效果和虚实变化，给人带来强烈的视觉冲击，加强了人的审美的心理强度。与其他封闭的建筑相比，阳光的照耀消除了封闭墙面的沉闷之感，加强了希腊建筑的雕刻艺术的特点。
展览建筑功能的特殊性，造就了平面大空间塑造的简洁而巨大的几何形体造型。在阳光的照射下， 构成建筑外观的不同几何形体、直线、曲线、角度全都交织在一起，形成了光与影，明与暗，凹与凸的虚实对比，大大加强了建筑外观的雕塑感和立体感，给视觉以有力的冲击。阳光对于建筑形体的塑造功能是有效而富有感染力的。光线在黑暗的背景衬托下明亮异常，人们可以透过光感受到异常抽象的大自然的存在。 美国国家美术馆东馆，包括展览馆、视觉艺术研究中
心和行政管理机构用房，位于一块3.64公顷的梯形地段上。贝聿铭用一条对角线把梯形分成两个三角形，西北部面积较大，是等腰三角形，底边朝西馆，以这部分作展览馆。三个角上突起断面为平行四边形的四棱柱体。东南部是直角三角形，为研究中心和行政管理机构用房。这种划分使两大部分在体形上有明显的区别，但又不失为一个整体。展览馆入口宽阔醒目，它的中轴线在西馆的东西轴线的延长线上，加强了两者的联系。研究中心的入口则偏处一隅。而划分这两个入口的是一个棱边朝外的三棱柱体，浅浅的棱线，清晰的阴影，使两个入口既分又合，整个立面既对称又不完全对称。巨大而简洁的几何体在阳光下被分成清晰的明暗面，并投出巨大浓重的阴影。整个体型显得明确、肯定，能在第一眼就给人以极大的震撼和难忘的印象。 篇4：艺术与视知觉读后感
艺术与视知觉读后感
艺术与视知觉>读后感
（一）
读这本书实在大一时候，自然设计的老师推荐的，在了解我们所研究的方向时，先具备理论知识是很有必要的。
作为一个艺术领域的门外汉对于现在的我而言这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合>心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩还有对自己的境界实在差得太远的感慨。 以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应是一个由外在向内在的过这一过程比较复杂因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系因此不同的人不同影像相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。”作者鲁道夫如是说。 除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么，而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。 虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止，但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。尤其对于从事艺术类工作的我们来说，这本书对于视觉设计等方面非常有借鉴意义，比一些只分析现象而不给出解决方式的纯理论书实用得多，这些理论与作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。 以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基 本原则，使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系，更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题，“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应，是一个由外在向内在的过程，这一过程比较复杂，因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系，因此不同的人不同影像，相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。”作者鲁道夫如是说。 除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体是他们不懂得所谓的透视法么，而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。 虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止。但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。尤其对于从事艺术类工作的我们来说，这本书对于视觉设计等方面非常有借鉴意义，比一些只分析现象而不给出解决方式的纯理论书实用得多，这些理论与规律也会使我们终身收益。
一本书需要慢慢读，反复读，我喜欢设计喜欢视觉传达这个方向，在以后的学习中也会坚持的。
艺术与视知觉读后感
（二）
本书采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。 书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
鲁道夫·阿恩海姆（rudolf arnheim,1904-2007），原籍德国，1946年定居美国。曾先后就任于纽约社会研究院和劳伦斯学院，1968年后担任哈佛大学艺术心理学教授，1974年退休后担任密西根大学艺术史系访问教授，1976年获“全美艺术教育协会突出贡献奖”.主要著作有《艺术与视知觉》、《视觉思维—审美直觉心理学》、《电影作为艺术》、《艺术心理学新论》、《熵与艺术》等。 阿恩海姆是20世纪最伟大的艺术心理学家和美学家之一，他对艺术心理学、美学、美育、建筑及煤介等都做出了富有创见的贡献，是欧洲学术传统的继承者，其研究成果涉及20世纪思想领域的诸多方面。阿恩海姆很注重格式塔心理学的研究成果。从构图、笔墨、色彩三个方面体现了艺术品中的形式美。
俗语中往往蕴含着真理，生活中人们看到一个美的事物时，常用“带劲”一词来形
容，这里的“劲”我想就是阿恩海姆在其著作中不厌其烦阐述的“张力”吧。按阿氏给的概念：“张力”不同于我们在生活中感知的物理性运动。，它是一种不动之动。“任何物体物体的视觉形象，只要它显示出类似楔形轨迹、倾斜的方向、模糊的或明暗相间的表面等知觉特征，就会给人造成一种正在运动的印象”. 雕塑艺术从展示方式来看，是一种静态艺术，“它只宜选择那些具有概括性的瞬间的表情与形体运动”来传达情感，但古今中外优秀的雕塑作品确实具有一种动感，能够寓动于静，破静为动，“由于形象本身就是死的、虚构的，如果在其中不能看到灵魂的运动和肉体的运动，他的僵死性就会成倍增加”.（达。芬奇） 比如汉代的绘画与雕刻无不呈现一种飞舞灵动之势，图案常用云彩、雷纹和翻腾之龙构成，动物也常常是除遒劲雄壮之外，还要加上一双能飞的翅膀，.唐代吴道子的壁画也有 “天衣飞扬，满壁风动”之美誉。在相对“静止”建筑领域，飞檐也似乎要参与到这种飞舞灵动的合奏中——. 双林寺的韦驮像。在全国同类题材作品中，这尊塑像可谓之精品。从构图上看，其身体重心基于左足，下肢朝前站立，从腰部开始，由头部带动整个上体躯干向右侧扭曲，这种扭曲程度，已极大地超出了人体生理所允许的限度，很像一节麻花，但人们从整体气势观看，这种违反人体解剖结构的姿态，不仅没有一点不舒服的感觉，相反却从这种艺术夸张变形之中，感到一种强大的力度和动势，这是由一条从头到脚贯穿于韦驮全身的s形曲线所表现出来的，这条曲线极富弹力和流动感，构成了韦驮身上的飘带萦绕飞舞，本身就是大的曲线，从视觉上也加强了动势。韦驮右臂握拳下垂，肘部向外部伸出，让人感觉肌肉紧张，充满力量。左臂抬起，同右臂形成对比。韦驮整个身躯外轮廓构成一个略带倾斜的三角形，这个三角形由左手、右手肘部和足部三个突出点形成。由于这个锐角三角形的顶点在下部并呈倾斜状态，给人心理上造成了一种微妙的不平衡和不稳定感，因而也增加了这尊塑像的活力和行动感觉。
从马里尼的《人与马》可以看出作者对于“不动之动”的苦苦追寻，作品在高宽深三个纬度上全面外拓，马头向前，人仰向后，人的双臂伸向左右，马腿向下??人们欣赏它时，会感到雕塑内部的“张力”正试图冲破表皮，向空间无限放射似的，这种空间最大化的追求是雕塑不可或缺的形式特质。我国台湾雕塑家朱铭的《太极系列》也是如此，大多运用凌厉，的斜向形体，佐以粗砺的切割肌理，营造出强烈的空间张力（场）美感。 综上所述，雕塑造型中运用倾斜、变形、膨胀、不对称以及节奏与韵律上的变化，就可以产生出“张力”,从而也就产生出静中有动的艺术效果。 这本书利用了心理学来告诉人们为什么会对艺术有美的感受并进行了深度剖析和解读，其间大量的分析和例证为我们这些入门级的学习者们理解艺术的原理提供了良好的土壤。从这本书里我看到了那些纷繁复杂的艺术作品里最本质的共性，也明白仅仅浮于表面创作是远不够的，深入去理解设计的原理才能在艺术这条大路上走得更远。
面对这两个学期的专业课的学习，深深感受到若是没有扎实的理论功底是不能够真正理会课程内容与老师要求的。没有一个设计师是在没有理论基础的同时能够达到登峰
造极的成就的。而这本书《艺术与视知觉》基本上是所有老师都强烈推荐的所以一定值得一读。现在的阅历与知识都没有达到一定程度虽然读起这本书来还是有一定的困难的 但是不管怎样还是理解了一些。这是一本值得一生诵读的书籍 不同年龄段读起来都有不同的感受。
艺术与视知觉读后感
（三）
最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。最后自己觉得还是感受颇深。接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者 鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。”当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明；有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析；有的则通过一些实际案例来作对比。所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想>这就是我们现在所欠缺的东西。也是我今后要好好去学习努力改造的地方。下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。但是有多少人去认真分析这座建筑的平衡之处呢？它不单单是作为以中轴对称的形式体现平衡的，在这座建筑中，中间的那个圆形窗口所处的位置正是在这所建筑本身垂直于水平的结合点，把两边的建筑集中在一起，这样在视觉上就给人一种平衡感。就拿一件大师画的画来说，他在创作的时候，不管是写实的还是抽象的风格，在画面的表达上肯定都存在一种视觉上的平衡。这种平衡可以从画面的重力来下手，也可以将其画面的色彩进行调整等等 .所有这些形式都为了使其画面有个视知觉上的平衡感，通过作者在作品中融入的情感，从而让读者更能够接受它，体会从中的乐趣。
其次要谈的是空间，我个人理解视觉上的空间表现其实就是对事物的本身存在的一
种特质的抽象表现形式，物体的体积和面是作用于框架的基础之上的。记得当时我们在上平面构成和是立面构成的时候，围绕一个话题去表现空间的时候，都是基于一种“图形”跟“基底”的关系。平面构成所表现出来的空间只是一种二维的空间感，是要通过人们视觉上的感知去抽象的表达出来。而立体构成是以一种三维的表现形式出现的，立体效果是通过消除变形图形的张力而产生的，它的这种形式能够让人看得见、摸到找，实实在在呈现在人们眼前的。书中讲到：“要判断一个式样究竟被看成是二度的还是三度的，主要取决于哪种看法能够产生出较简单的式样。”我觉得它说的很有道理。当我们在分析一座雕塑像与这座雕塑像周围的空间之间的关系时，就可以被我们看成是“图与底”的关系。如果我们真正愿意把它周围的空间看成是具有一定体积的物体，而不是把它看成事无形的空气的时候，那么雕塑像本身就具有了“图形”所具有的一切性质，因为它不仅是一件封闭的小型的立体物，而且具有一定的质感、密度和硬度。
从建筑本身来说，很多建筑都在不同程度上在表达着空间视觉性。单从建筑外部是不能体现空间的具体存在，更要深入到建筑本身的内部，亲身体会那种给人带来凌驾于建筑空间之外的感觉。好的建筑师会运用各种手法，例如通过建筑框架、光线、装饰等等手法去营造建筑体的空间感，给人一种高大、宏伟、至高无上的感觉。很多建筑体现了空间带给人们那种强悍的视觉冲击力：西方建筑古希腊帕提农神庙、罗马的万神庙、罗马的大角斗场、中国的故宫等等，这些建筑从各个角度去体现了建筑空间带给人们视觉上的美。当然我这里只是举例说明较大的空间给人们营造的视觉冲击力，然而小空间也同样能够给你带来另一种美的感受。在这里我就不做表述了。
第三点要谈的是色彩。书中作者谈到：“歌德把色彩划分为积极的（主动的）色彩：黄、橙、黄红、朱红和消极的（被动的）色彩：蓝、红蓝、蓝红。主的的色彩能够产生出一种积极的，有生命力的和努力进取的态度；而被动的色彩则适合表现一种不安的，温柔的和向往的情绪。”我想这个观点是很多设计师在运用色彩做设计的时候要考虑的必然因素。运用什么样的色彩当然要具体事情具体分析了，前提是要达到色彩的和谐。运用各种颜色或者是混合色使得色彩的色调能够看上去自然而又和谐才是我们运用色彩的主要意图。如果说色彩的色调搭配的不好，看上去不和谐，就会影响了最终的视觉效果。
现在出现了很多要求色彩标准化的趋势，我想这种趋势并不是艺术真正的表现形式，好的艺术作品在运用色彩的时候并不趋于这种色彩标准化。这种色彩标准化不是来自艺术的实践，而是某些染料制造商或者大量生产带色产品的工业部门的产物。它们代表不了真正艺术作品所要追求的艺术色彩。
以上就是我结合书中的三大点谈的自己的一些看法，总体来说，我在这本书中学到了很多东西。它让我更加清楚自己在以后的学习过程中，一定要好好的用心去学，这里的用心就是一种认真的态度、看事情的全面性和带着问题去思考。这本书中也有一些自己不明白或者是不认同的地方，所以自己就把这部分给滤过了。我觉得任何东西只要是自己所需要的，就应该把它接受、采纳和运用，如果对自己没有用的就可以把它删除。没有全盘的接受也没有全盘的否定。问题总是存在着矛盾性，不管自己是持有矛也好，握有盾也罢，只要不拿自己的矛去刺自己的盾就是很好的解决途径。篇5：《超视觉世界》观后感 《超视觉世界》观后感
在《马克思主义基本原理概论》课上，我们观看了纪录片《超视觉世界》，通过它来了解认识的中介系统（如认识的工具、手段等）在认识过程中的作用；并且学习理解感性认识和理性认识相互渗透，相互包含的关系。这部影片的形式有些类似于一场音乐会，有始有终，章节很分明，从人的眼睛出发，以人眼看这个已进入变化时代的世界告终。 影片节奏较为缓慢，序曲结束后就转入介绍 微观、减速、加速这三个摄影视觉世界。一个人诞生之初，睁开双眼迎接世间的第一道光，只能在懵懂中不知所措。光阴茬苒，人依靠眼睛这一逐渐发育成熟的视觉器官来观察周围的世界，于是眼睛便成为人的主体与物质世界客体联系的主要媒介之一，“眼见为实”这一成语可以反映人对于眼睛的信任和依赖，而“眼睛是心灵之窗”又说明眼睛可以传达主体的信息和意愿，无论对象是他者还是客观世界。
但任何事物都有其局限性，人眼虽然灵敏，却无法看到太大，太小，发生太快或太慢，以及能见光谱以外的事物。在“超视觉世界”这部影片中，现代科技缔造的超凡摄影技术弥补了人眼的不足，捕捉此肉眼看不见的世界，我们看到了一滴牛奶滴下的瞬间里蕴藏之千奇百怪、造型奇特的微生物，固体内直径仅几十亿分之一寸的原子活动情形，以及一颗子弹以秒速八百多公尺朝靶心射去的霎那精彩画面。它为人类呈现了一个更为丰富多彩的世界，拓展了人的视域，在某种意义上也是一种思域的延伸。佛曰：“一花一世界，一木一浮生，一草一天堂，一叶一如来，一砂一极乐，一方一净土，一笑一尘缘，一念一清静。”这句话在以前只是一种心境的阐释，现在却在显微镜下得到了某种程度的证明。古人云“见微知著”，这个词语在科学不断发展的今天具有了新的意义。
任何科学和文化都是为了使人更深入地了解客观实在，这体现在对自然规律的揭示和对客观真理的追寻。人类从蒙昧到开化，人类社会从野蛮到文明，这一进程从未停止，而作为科学和文化的载体，语言起到了举足轻重的作用。语言是符号化的人的思维手段。人在通过眼睛观察世界之后，头脑中会产生一种“内在情绪”，需要通过某种方式表达出来。可以设想，最初的语言只是一种内似动物叫声的声音，而随着人类对客观实在认识的加深和人类间交往的发展，这种单纯的声音发展成为一种多元化的复杂语言，经验的不断累积和头脑记忆的缺陷又导致了文字的出现。人通过语言与外在世界发生关系、关联。语言成为人的主体与物质世界客体的一座桥梁，人的符号化思维与客观实在的联系者。
作为主体的人的语言具有主体的主观能动性，这种主观能动性自始至终贯穿于语言与实在的作用过程中。因为主体的这一“不确定性”，导致语言与实在的作用过程，由于主体的不同，产生相应的不同结果的差异。换言之，对于同样的一种实在，不同的主体语言与它的作用结果是不一样的。这在某种意义上也内似于不同主体眼中的视觉世界不同这一现象，“超视觉世界”这部影片中的一个细节是蜜蜂眼里的花瓣，并不是人眼中的黄色，而是蓝色。康德曾打过一个比方：人戴着红色眼镜，看到的世界就是红色的。他想说明的是：时间和空间都不是外在的，而是根据人的“内在尺度”。这种“内在尺度”归根结底其实就是主体的主观能动性，而语言作为人类的“寓所”，无远弗界，并非单纯的时间和空间可以包容。
另外，我们深刻认识到感性认识和理性认识有着密不可分的辩证联系。首先，理性认识依赖于感性认识，理性认识必须以感性认识为基础。坚持理性认识对感性认识的依赖关系，就是坚持了认识论的唯物论。其次，感性认识有待于发展和深化为理性认识。只有使感性认识上升到理性认识，才能把握住事物的本质，满
足时间的需要。坚持了这一点，就是坚持了认识论的辩证法。最后，感性认识和理性认识相互渗透，相互包含，二者的区分是相对的，我们不应当也不可能把它们截然分开。
这场音乐会的结尾其实应该很容易猜到，开头小菜独独缺了宏观世界，自然是要放到结局处的。一张张太空望远镜的射电照片已经足够给与观众恢宏的视觉观感，心理上也会回到一个在混沌中摸索的小小人类。观看 “超视觉世界”的过程中，我们能够深刻地认识到人眼的种种局限。如同人的视觉的有限性一样，人的语言由于其“不准确性”，也永远无法完全的描述客观实在。对于在时间中不断变动的客观实在，人的语言再丰富也是不够的。老子曰“道可道，非常道，名可名，非常名”，是对语言局限性的精辟概括。语言的“不准确性”表现在：对于一个事物，描述的语言越丰富，往往离真正的原貌越远，这里似乎可以套用一句民间俗语：“越描越黑”。影片中所反映的我们肉眼无法穷尽的世界，也是一个词穷的世界。 我认为国家地理的这部纪录片最终要解释的，是我们人类在视觉世界里的探索，他反映出一种竭力追求所见世界真相的贲张的自由开拓精神——阿巴拉契亚山以西的人文情怀。那里是真正美国精神的源起，用一切手段去开拓，试图发现周遭的一切，据此我以为本片承载的也应当是这种精神。
