伦勃朗ppt讲稿：主要参考《弗莱艺术批评文选》
19世纪后期的荷兰绘画大师梵高面对伦勃朗的画深情的说：“你知道吗？我只要啃着硬面包在这幅画的前面坐上两个星期，那么即使少活十年也甘心。” 伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1606年7月15日 - 1669年10月4日）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。伦勃朗早年从师 P.拉斯特曼 ，1625 年在家乡开设画室。画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。
不过，由于古典主义是那时的时尚，伦勃朗是如此屈从于它，以至于画了几张神话作品，对文艺复兴艺术的形式也不比对其题材更感兴趣。他看过意大利绘画和素描作品，有时候也会在自己的构图中利用它们，这也是事实。意大利艺术只是其中之一，他从头开始，直接从生活开始。他正是从描绘他感受到的生活开始的。
伦勃朗光线是一种普遍而善用的光线，用精确的三角立体光，勾勒出人物的轮廓线，让其余部分隐藏于光暗之中,用光线强化画中的主要部分，也让暗部去弱化和消融次要因素。给人以稳定庄重的感觉。伦勃朗的油画一贯采用“光暗”处理手法，即采用黑褐色或浅橄榄棕色为背景，将光线概括为一束束电筒光似的集中线，着重在画的主要部分。这种视觉效果，就好像画中人物是站在黑色舞台上，一束强光打在他的脸上。 伦勃朗却以另一种方式成为伟大的插图画家。作为一个插图画家，伦勃朗显示了那样一种高度的想象力，以至于能立刻以直接而又简洁的方式抓住本质，揭示它们，而无需任何附加或装饰。这一点总是在瞬间就对我们产生愉快的惊奇感，赋予我们一种被揭示事物既自然又必然的感觉。
伦勃朗与莎士比亚及其他极罕见人物身上共同拥有的，就是这种品质。伦勃朗与莎士比亚都拥有这样一种彻底而又坚定地创造可信生命，莎士比亚三言两语就可以为我们刻画一个栩栩如生的人物形象，伦勃朗呢，他三笔两笔就能暗示脑袋的转向或是手臂的伸张。他们二人都是从内部进行创造，也就是说，通过一种本能移情而不是外在观察的方法。这种发自自我内心而又能自由进入他人心灵的能力，
在他的素描作品《母与子》（Mother and Child）中，重点自然放在表现上。想像一下，一个更加纯粹的造型艺术家，例如拉斐尔或安格尔，会如何探索肩膀与手臂的各个平面序列；但是，在伦勃朗这里，凡是不能直接表达其性格与心境的东西，都只是简单地被暗示一下而已；请注意在他所有具有代表性的素描作品里对母亲的优美表现，以及手臂和头部的戏剧性运动效果。
Mother and Child（原标题所指无法找到，在此选一幅类似表现性素描为读者参考）
我认为，可以肯定的是，伦勃朗深深地陶醉于戏剧性情境。他因其戏剧性兴趣而选择主题，并以这样一种方式来处理它们，强调光线高于一切。从插图的角度看，藏于德累斯顿的《参孙与黛利拉的婚宴》（Marriage Feast of Samson and Delilah）是一件杰作。这里的所有人物都刻画得栩栩如生，精确而恰到好处，以至于人们一旦看过此画，就再也难于想象此画还可以有别的样子。性格温和、相当饶舌的大力士参孙，此刻完全沉浸在忘我的快乐中，对自己的力量如此自信，因此正要因其荒唐的谜语而暴露无遗。黛利拉则心思缜密地想要将她的男人控制于股掌之间——轻微的嘲弄表情下很少透露什么信息，双手庄重地合在一起，注视着事态的进展，敢于跟可怕的参孙作殊死一搏。每样东西都恰到好处，不仅表现了人物性格，也表现了那一刻的情绪。
参孙与黛利拉的婚宴 Marriage Feast of Samson and Delilah 《约翰被斩首》（Decollation of John）通常被认为是一个相当辉煌的场面，约翰能使人产生巨大的庄严感，而刽子手则让人产生面对恶魔般的憎恨。伦勃朗明白它是如何发生的。约翰被关在地窖里，当斩首的命令在宫殿中的仆役们当中四处流传时，他知道他们会一窝蜂地冲进地窖里来观看这一事件的发生。刽子手长得并不特别凶恶——他没有理由非得长得凶恶不可。他只是在干他的活罢了。约翰的身体也没有表达出特别的情绪，而唯一的一名看守，人们猜测他也许已经认识了约翰，神情不安地注视着一边，脸上挂着一丝怜悯之色。伦勃朗对人情世故了如指掌，他总是了然于胸的，也许不是究竟发生了什么，而是诸如此类的事件最有可能怎样发生。
伦勃朗作为一个肖像画家的天赋几乎立刻就得到世人的认可。他在这方面的贡献十分惊人，不可能为人们所忽略。他那种强调人物性格及追求逼真的方式，很容易使他的这一能力广受欢迎。而17世纪的荷兰人想要看到他们在画布上不朽的痴迷与狂热的程度，跟一位现代社会的女士一样强烈。唯一的差别在于，他们想要一种生动的摄影式的逼真，而不是多愁善感、优雅精致的相似。伦勃朗早年创作的作品，几乎跟一张放大的照片一样美丽逼真，而这一点大大早于照相机的发明！这种作品迅速令他闻名遐迩、名利双收。伦勃朗搬出了他父亲位于莱顿的磨坊，移居阿摩斯特丹的闹市区。在那里，委托书纷至沓来。也就是在这个时期，外科医生公会委托他绘制了那件轰动整个荷兰的群像画。这些中产阶级清教徒是与鲁本斯的玛丽•德•梅迪奇（Marie de Medicis）完全不同的赞助人，后者要的是神话修辞与装饰性优雅。而眼下这些功成名就的男人，则想要有关他们脸部特征的牢靠事实，为了这些事实，他们出多少钱都愿意。还有，由于每个人出了同样的价钱，因此每一张脸都要画得一样逼真，一样重要，或者要尽可能做到哦这一点。因此，我们有了《杜普医生的解剖课》（The Anatomy Leon of Dr.Tulp）这幅世上精益求精的绘画中最沉闷的作品之一。其戏剧性动机几乎是直白的、肤浅的。但是这种画给伦勃朗带来了灾难。作为他最早的大幅群像画之一，它当然也是有趣的；但是，我认为，从各个方面说，他都是一件不能令人满意的作品；在这里，与通常的情况一样，他拥有一种该如何在空间中安置对象的清晰完美的感觉，不过他却没有那种将形式与其所占据的空间关联起来的独特的韵律感。
将绘画艺术的目的视为戏剧效果是不可能的，因为这种能力在伟大的艺术家当中十分罕见。我们是想说，这仅仅是一个偶然，仅仅是某些伟大的艺术家的副产品吗？如果是这样，那么，它是一种有助于形式美的目的的副产品，还是一种会阻碍形式美的目的的副产品？这两种情感之间存在着融合的可能性吗？它们当中的每一个是强化另一个，还是只会将观众的心灵导向不同的方向？这些就是伦勃朗的艺术摆在我们面前的课题
现藏于阿摩斯特丹国立博物馆的《夜巡》（Night Watch）是伦勃朗事业的一个转折点。这是一幅精心构思的明暗对照法杰作，许多人物都消失在幽暗中。这一点不能满足那些发现自己被画在黑暗阴影中的赞助人。于是产生了巨大的争议，成了他名望衰落的起点。当艺术家转向肖像画创作时，他的主要支持来自社会名流，不管是作为团体还是作为个人。对伦勃朗来说不幸的是（对我们来说则是一个幸运），在这一阶段，他的天才引导他越来越远离那些能讨好他的同时代中产阶级国人的司空见惯的虚荣心的表现形式。他们追求的主要是他们自己脸部令人愉悦的逼真性。如果说他们想要拥有图画（而拥有图画从社交角度看总是正确的），那么他们想要那种他们看得懂的图画。他们喜欢技艺精湛、细节逼真的画面，整幅画都必须拥有均质的、闪闪发光的光滑表面。
夜巡 Night Watch 正当伦勃朗发展出他那种古怪、粗犷而有表现力的造型情感时，当时的流行趣味则正好向相反的方向发展；几乎所有学生都意识到不能学习他的手法，相反却采用大行其道的光溜溜的优雅画法，因此吉拉德•杜奥（Gerard Dou）及其他学生大发其财，而伦勃朗却穷困潦倒。伦勃朗反其道而行之，在整个17世纪40年代，他迅速改变了风格；当然，也迅速失去了名望。
17世纪40年代末，伦勃朗的画风发生了急剧的变化。现在，他真的感受到了人物的形式、体量与空间的关系，他作画方式的戏剧性也少得多了。他的形式拥有更多的暗示力量，却更少描写性；体块更明确，轮廓线消失了，或者只用一些概括性的暗示来加以表现。 显而易见的是，在戏剧中，那些没有形式感的人也能拥有一种想像的愉悦。当我坚持认为另一种审美情感在某种意义上更重要，也更带终极满足的意义时，我并不否认这种愉悦的巨大价值，因为它的性质较少受到条件的限制，而且更为普遍。在承认戏剧性艺术与形式艺术是两种不同的经验，而且可以互相区分的同时，问题是——它们可以结合在一起吗？如果可以，它们是彼此增殖的，是彼此增强的，还是相互削弱的？这里，我还没有现成的答案。生活情感即使只是被人们在想像中唤起，也是如此强烈，以至于它们总要暂时地消除别的情感。但是，它们的效果也会很快消失。当我们已经熟悉了艺术品的时候，这种情感就会消失殆尽。形式情感不那么强烈，但更为持久，允许人们作更为长久的静观。这就是为什么拥有形式美的作品需要长久以后才会被人们认可，并最终胜过那些更令人激动的戏剧性作品的原因。因此，要是那种戏剧性诉求十分强烈，那么它就会模糊形式美；要是它本身就是笼统而概括化的，那么它就不会干扰我们，并成为我们更为活跃的审美情感的一种若有若无的潜流。在伦勃朗的个案中，最初出现的是戏剧性情感，只有到了其生命终点，形式美才提出了它的要求。 他天生可以获得深受大众喜爱的成功，却在一种内在确信的压力下被迫过上贫困、卑微而又被人遗忘的生活，最终又在一步步走向衰落的命运中发现其内心冲动更加强大——也更加清晰。他以不绝的能量向前推进，直到实现了什么东西；而相比来讲，他周围的世界则没有什么价值可言。
伦勃朗一开始就是一个伟大的人物；接着他成了绘画实践最顽固的激情恋人。只有通过不断的试错过程，不妨这么说，只有通过偶然，他才在他的后半生或者说最后岁月，成为了他自己——一个伟大的艺术家。
