第一单元 艺术表现的深层意蕴和审美价值（欣赏、评述）
单元目标：
1．通过本单元的欣赏、评述活动,能够在感受、理解和体验的过程中,发现与描述美术作品某些层次的深层意蕴。
2．通过欣赏、评述活动，能初步了解不同美术作品的审美文化价值和社会价值，并能进行判断、交流与评价。 单元课时分配：本单元包括四步学习活动，可用3-5课时进行教学。
第一课时：欣赏与评述（活动一） 教学目标：
1．通过本课欣赏，使学生初步学习运用直觉感受和形象思维来发现和认识在各种美术形象或艺术形式、艺术语言的深层所蕴涵的内在含义、意义或意味，并可以进行初步的表述与交流。 教学重点：使学生初步学习运用直觉感受和形象思维来发现和认识在各种美术形象或艺术形式、艺术语言的深层所蕴涵的内在含义、意义或意味，并可以进行初步的表述与交流。 教法选择：
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借助多媒体教学，采用多种方法，使学生思维的流畅性、灵活性和独特性得到发展。 过程与方法：
欣赏、思考、讨论、表述
学法引导：通过欣赏与分析感受，引导学生在具体情景中探究与发现，找到不同的装点居室的美术作品的表现形式。
组织形式：引导学生在教师指导下主动地、富有个性地学习。 课前准备
教师准备教具：欣赏挂图或其他影像资料。选择题材内容类型相近而意蕴各异，或形式风格不同但意蕴相近的作品。
学具准备：课本、自己收集的中外美术作品图片和文献资料摘录。 教学过程
一 组织教学
二 启发引导阶段
美术作品是如何表现作者的思想内涵的，通过什么形式？ （
设疑， 引起学生的思考，教师引入本节课的教学主题）
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三
新授
油画棒砂纸画是用油画棒在打磨用的砂纸（砂布）的磨面所作的画。油画棒色彩鲜艳，颗粒细腻，质地柔软：砂纸的磨面较为粗糙，有利于油画棒色附着在画面上，而且砂纸较深的底色更能衬托出油画棒的色彩。因此，油画棒砂纸画色彩明快，画面统一，工具简单，是孩子们易学乐学的一种儿童画，深受广大师生的喜爱。中国画的传统绘画充分地发挥了线描的表现力，不仅可以精确描绘具有空间深度和透视变形的物象，而且可以达到状物抒情、生动传神的境界。
文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国
家，在不同地区、不同国家表现的形式也不尽相同，在意大利表现为绘画和雕刻、建筑的成就，而在德国则表现为农民战争和宗教改革运动。意大利位于地中海区域中央、中古时期世界上最大贸易地区的心脏位臵。佛罗伦萨、米兰和威尼斯都是当时水陆交通枢纽和贸易的集散地，在那里最早出现工商业、萌芽 资本主义，所以也是文艺复兴运动的发祥地。 所谓文艺复
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兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的
古代希腊罗马以人为本的 科学文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革 命。 艺术作品的意蕴大致可分为四个层次：
物质材料
形式构成
作品中的物象
文化意义
２ 主要教学手段
根据艺术作品的意蕴四个层次学生讨论、竞说课本中的美术作品，教师共同和学生进行。
３ 几种美术表现语言形式 建筑、雕塑、绘画、园林 四 小结
总结本节课的内容 课后反思
1 学生能认真配合教师的活动，对教材内容感兴趣；
2 这一课的主要内容，含量重、密度大，但教材编写简单 ，为讲课带来较大的困难; 3 根据教材简化的特点，根据学生的思想，知识 基础状况，对一些重要的、比较难的知识 点注意 了内涵的挖掘和适度的延伸，让学生更好
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地理解，掌握有关知识; 4 学生能根据自己的情况选择感兴趣的内容寻找资料
第二课时：欣赏与评述（活动二）
教学目标：
1．通过本课欣赏活画，使学生进一步学习以审美感受为基础并结合理性分析与综合的研究方法进行欣赏，以加深对美术作品深层意蕴和审美价值的认识理解与体验领悟。
教学重点：使学生进一步学习以审美感受为基础并结合理性分析与综合的研究方法进行欣赏，以加深对美术作品深层意蕴和审美价值的认识理解与体验领悟。 教法选择：
借助多媒体教学，采用多种方法，使学生思维的流畅性、灵活性和独特性得到发展。 过程与方法：
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欣赏、思考、讨论、表述
学法引导：通过欣赏与分析感受，引导学生在具体情景中探究与发现，找到不同的装点居室的美术作品的表现形式。
课堂组织形式：引导学生在教师指导下主动地、富有个性地学习。 教学过程：
课前准备
教师准备教具：欣赏挂图或其他影像资料。选择题材内容类型相近而意蕴各异，或形式风格不同但意蕴相近的作品。
学生准备学具：课本、自己收集的中外美术作品图片和文献资料摘录。 课堂教学
一 组织教学
二 导入（启发引导阶段）
1、展示一些可能引起学生不同审美反应，即有的认为美，有的认为不美的作品，让他们进行欣赏和评述。
2、通过谈话说明，理性知识基础或理性认知与感性知觉的紧密联系，从而指出在美术欣赏中
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也在进行分析与研究，讨论与解释，才能有比较深刻的体验和比较准确的评价。 三 授新课 启发引导阶段
1、先择如《米洛斯的阿芙罗蒂德》、《最后的晚餐》、等作品，结合希腊神话和基督教《圣经》的有关知识，来分析和讨论作品通过什么样的人物形象，表现了什么理念和意蕴。 （教学参考资料）
《米洛斯的阿芙罗蒂德》雕像的欣赏
举世闻名的古希腊雕刻杰作《米洛斯的阿芙罗蒂德》或译《米罗的维纳斯》，一直被西方艺术学者尊为古希腊最优秀的雕刻作品之一，被认为
是西方雕塑作品中表现女性美的精湛典范。 覆盖着线条舒卷下垂的衣褶的下半身，结合得十分自然，并构成巧妙的对比，不仅更显出女神的健壮丰满，而且使整座雕像十分稳定而富于变化。
雕像中女神动作幅度不大，但异常含蓄微妙，直立而又略为倾斜，静止而又稍有转动，加上人体各部分之间的高低起伏、强弱交替的节奏感，形成了整座雕像婀娜向上的优
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美体态。雕像中女神的椭圆形的面庞，简单的发髻、平平额头、笔直的鼻子、丰满的下巴、安详的目光和微微鼓起的嘴角，表现出娴静、端庄、凝重的神情。
雕像中女神既不妖艳惑人、亦非纤巧娇柔，既无媚态、也非羞涩，而是落落大方。雕像中女神洋溢着生命的活力，充满了质朴典雅之美，给人以纯洁、崇高的感觉。
古希腊人崇尚身心健康，要求健美的体魄和内在的美德相结合的审美观念，可以说在《米洛斯的阿芙罗蒂德》中得到了充分的体现。
1．关于“残缺美”。
断臂的维纳斯一出土，就得到了世人的普遍的赞誉。19世纪一些顶尖的艺术家、文学家更是极口赞美它。比如，罗丹说：“抚摸这座像的时候，几乎会觉得是温暖的”，“这是神品中之神品!……这是中正和平的肉感，经理智熏染过的生之喜悦”。车尔尼雪夫斯基说：“她的轮廓的美胜过活人的美。”总的来看，这一时期人们欣赏的焦点有二：一是形体美，一是由节制的表情与动作体现出来的理性美。对于断臂，则没有特别留意。从维纳斯的断臂中领悟到“残缺
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美”，应该是比较靠后的事情。法国作家让〃艾卡尔在《鉴赏力的批评》一书中曾说：“说真的，如果《米洛斯的阿芙罗蒂德》所呈现在我们面前的是完好无损的形象，她仍然拿着一只表示荣誉的苹果，那么她就不会像现在那样去支配现代精神。而且她的作者的象征手法也不会被广大的观赏者所认识，在我们的眼里，她也不再是美的普遍典型，而仅仅是一个简单的人物，即帕里斯的裁判中的女主角。”（编者注：流行说法认为，维纳斯手里拿着的后来成为特洛亚战争导火索的金苹果。）现在，由断臂的维纳斯雕像引发出来的“残缺美”的概念，已普遍地为人们接受。因此，本文作者的观点其实算不上标新立异。
此外要注意的是，“残缺美”仅只能作为一种类型，它并不就是创造艺术品时必须追求的。比如绘画名作《蒙娜丽莎》，它的画面基本没有什么毁损，但同样向欣赏者们暗示了丰富的内容，在美术史上它的地位和影响丝毫不亚于断臂的维纳斯。
2．维纳斯雕像失去的只能是双手
作者认为，只有失去的是双手，才能唤起大家
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的丰富的想像，雕像也从而获得无穷的生命；失去其他任何部分，都不可能获得这样的艺术效果。对于很多事情，我们不能在假设中作出判断。但是，从一些事实来看，作者的话失之于武断。比如，收藏在卢浮宫内的胜利女神雕像，头颅部分失去了，却和维纳斯雕像及《蒙娜丽莎》并称为卢浮宫的“镇宫三宝”。对于维纳斯失去了双臂不仅无损其美，甚至更增添了美，有人则这样认为，双臂失去，如同芟除多余的枝叶，使维纳斯整个身体的优美的曲线表现得更清楚，给人的印象更鲜明。 有关资料
一、爱和美的永恒象征 《米罗斯的阿芙罗蒂德》（或译《米洛斯的维纳斯》），一般认为是公元前3世纪到公元前1世纪“希腊时期”的作品，作者生平不详。这个雕像是西方美术史中最著名的杰作之一，历来被视为希腊雕刻艺术的珍宝和西方艺术中表现女性美的典范。阿芙罗蒂德是古希腊神话中爱与美的女神（在古罗马神话中称作维纳斯），传说她诞生于大海之中，一出生便成年。其美丽无与伦比。西方文艺作品常取材有关她的传说
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故事，在雕刻、绘画中更为常见，许多歌颂和表现女性美的作品，往往以维纳斯命名。而最为人们所熟悉、最负盛名的，当属这尊《米罗斯的阿芙罗蒂德》。
这尊雕像首先是由希腊米洛斯岛上的一个叫约尔哥斯的农民发现的，并由此得名。1820年4月8日，约尔哥斯在整地时无意中挖掘出这座雕像的各个断块。他随即报告当时法国驻该岛的领事。经过一番周折，这座雕像终于被法国买下，运到巴黎，献给国王路易十八。于是《米罗斯的阿芙罗蒂德》便成为卢浮宫艺术博物馆最珍贵的宝藏之一，辟专室陈列。
约尔哥斯挖掘出这座雕像时，雕像断裂成几个部分：上半身、下半身、发髻的下垂部分、右腰部的断块、刻着铭文的台座，以及拿苹果的手臂断片。由于手臂断片技艺粗俗，很快被鉴定不属于这尊雕像的原物，明显是后人的复制品。这说明雕像很早就已失去双臂。雕像断去的双臂原来究竟如何，一直是雕刻史上的一个谜。许多专家提出过各种假设，试图恢复雕像的原来面貌，但都归于失败，都未能取得令人信服和满意的效果。围绕所缺两臂的争论，最
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有意思的是下列几种说法：一说左手拿苹果，右手抓住围布；二说维纳斯的双手拿着胜利花环；三说右手拿着鸽子，左手拿着苹果；四说维纳斯准备入浴，右手抓住似乎要滑落的围布，空手抚握着一束头发；五说她站在战神马尔斯的身旁，右手握住马尔斯的右腕，左手温柔地搁在马尔斯的肩上。真是众说纷纭，莫衷一是。好在雕像虽然是断臂的，但并不给人以残缺不全的感觉，无损于观赏，反倒更能激起人们丰富的想像力。雕像可供四面观赏，无论从哪个角度看去，都是十分相宜的。与雕像同时发现的底座，多数专家认为是属于这尊雕像的。台座上刻有“美安得罗河畔安屈克拉亚的亚×山德尔作此”的模糊字迹。根据铭文和书体，专家们推断雕像是公元前3世纪到公元前1世纪的作品（因为安屈克拉亚是公元前3世纪时建起的市镇）。作者名字中残缺的字，一般认为是“历”或“格”，因此雕像作者是亚历山德尔或亚格山德尔。但是仍有一些学者认为这个台座不一定属于这个雕像。他们从雕像所具有的典雅、端庄、崇高的艺术风格来看，认为雕像应属更早的“古典时期”（公元前5──公元前4
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世纪）的作品。而不是希腊化时期的。有的学者还认为不一定是阿芙罗蒂德，而可能是海神阿姆菲德里特或胜利女神。虽然有这些争议，但都不妨碍对雕像所具有的高度艺术成就的肯定和赞赏。
在古希腊雕刻中，阿芙罗蒂德的形象改由裸体出现，大致始于“古典时期”盛期的著名雕刻家普拉西特列斯（活动期为公元前375—公元前330年），由此成为一个传统，直到近代。《米罗斯的阿芙罗蒂德》是一尊半裸雕像。用巴洛斯岛盛产的优质大理石雕凿而成。雕像裸露的上身和覆盖着线条舒卷下垂的衣褶的下半身，结合得十分自然，并构成巧妙的对比，不仅更显示女神的健壮丰满，而且使整座雕像十分稳定而富于变化。雕像动作幅度不大，但异常含蓄微妙，直立而又略为倾斜，静止而又稍有转动，加上人体各部分之间的高低起伏，强弱交替的节奏感，形成整座雕像转折有致、婀娜向上的优美体态。雕像身高2.04米，胸围1.21米，腰围0.91米，臀围1.29米，头长0.267米，约占全身的八分之一，是极为匀称的身材比例。据测定，维纳斯从头顶到肚脐的高度与肚脐至
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脚底的高度之比约为1∶1.6，而从肚脐到脚底的高度与全身的高度之比，其比值也是1∶1.6，正符合古希腊毕达哥拉斯所确立的，后来被柏拉图所称谓的“黄金分割”比例。雕像伫立在一块厚约7厘米的台座上，所以整座雕像的高度为2.112米。雕像的脸型呈现出典型的希腊特征：椭圆形的面庞，朴素的波浪式的发髻，平额，笔直的希腊鼻子，丰满的下巴，安详的目光和微微鼓起的嘴角，表现出沉静、端庄、凝重的神情。雕像的整个形象既不妖艳惑人，亦非纤巧娇柔，既无媚态，也非羞涩；而是落落大方，洋溢着生命的活力，充满质朴典雅之美，给人以纯洁、崇高的感觉。古希腊人所崇尚的身心健康、要求健美的体貌和内在的美德相结合的审美观念、以及古代大师精湛的艺术技巧，在《米罗斯的阿芙罗蒂德》中得到了充分的体现。《米罗斯的阿芙罗蒂德》也和古希腊其他许许多多以神命名的雕刻一样，无疑是现实生活中人的美质的集中。对神的歌颂也就是对人的力量和美的肯定。古希腊雕刻中的神像没有丝毫脱离世俗的神秘感和程式化，而是为人们所理解、所欣赏，从中获得鼓舞和力量。
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“米罗斯的阿芙罗蒂德”已成为人类美和爱的永恒象征。从对《米罗斯的阿芙罗蒂德》雕像的欣赏中说明，对于西方雕刻绘画中的大量女性裸体形象，不能简单的加以否定、排斥。而是应该区别对待，把像《米罗斯的阿芙罗蒂德》那样的健康、具有高度美学和艺术价值的作品与那些只注意表现外在感官因素，一味追求刺激的庸俗的作品，甚至是宣扬低级、色情、黄色的作品要严格地区分开来。
德国古典派评论家温克尔曼用这样两句话来赞赏希腊雕像的美：“崇高的庄严、伟大的静穆”。阿芙罗蒂德正是通过特定的形体结构，造成安宁、优美、平衡和理想的视觉形象，显得崇高而静穆。俄罗斯作家屠格涅夫在一篇小说里说：“《米罗的维纳斯》比法国大革命的《人权宣言》更不容怀疑。”这意思是说，在保卫“人性的尊严”方面，它也许更有力量。维纳斯那转折有致的身姿，显得大方甚至“雄伟”。沉静的表情里有一种坦荡而又自尊的神态。在她面前，人们感到的是亲切、喜悦以及对于完美的人和生命自由的向往，这也许就是屠格涅夫把她和《人权宣言》相比的理由吧。
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总之，这座雕像是现存美神中最稀有的珍品，其躯体及衣裙，具有古典的节度，容貌与发型具有希腊化的甘美，宛若一首好诗。19世纪法国大雕刻家罗丹，对这件不朽杰作赞叹说：“看!奇迹中的奇迹!她是古典灵悟中的杰作，是理与情的结构，知与灵的合成，生命的乐章高洁而优雅地飘散着。现代学院派的雕刻，既不了解希腊，也不了解自然，多么美丽的希腊女人!活在雕刻家的心境里。”（《外国雕塑掇英》，上海教育出版社1987年版）
二、千古美谈的思考──话说“断臂美人”
不同民族，不同国家，不同时代的审美习惯是各不相同的，审美个体之间的美感更是千差万别。所以，美是相对的，可变的，流动的，千姿百态的。然而，美又有绝对性的一面。在社会生活中，不同阶级的人，在特定环境中，由于共同的社会实践，产生一种公认的美，这样或那样地体现着生活中某种真理。美的绝对性是美之所以为美的品质，是确定美的本质的固有属性，是客观的，物质的，具有永恒性、稳定性，因而它是不朽的，具有永不枯竭的美的魅力。
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美的相对性和绝对性，在不同的美的形态中，其表现方法又是多种多样的。有的美的形态两者都能充分显示，如大海的波涛，既有惊涛骇浪的恐怖，又有平波展镜的朗丽。它时美时不美，呈现出相对性，然而在相对性中又表现出它那气势壮阔的美的绝对性。有的美的形态相对性很强，绝对性异常弱，如人的装饰美，千姿百态，五彩缤纷，人们对它的审美，也往往众说纷纭，并随着时空的改变而改变。有的美的形态绝对性非常明显，相对性比较隐晦，如火红的朝阳，皓洁的明月，雄伟的长城、秀丽的黄山等，古今中外的观赏者都是赞美的。产生于古希腊时期的雕像《米洛斯的维纳斯》，能成为举世公认的精美绝伦的艺术品，被不同国家，不同民族，不同时代的人们共赏，可谓流传千古，家喻户晓，就在于美的绝对性表现得非常明显和强大。它体现了不同时代、不同阶级的某些共同利益、心理和要求，具有超越于时代的共同美的特点。
（一）高洁的精神美
“维纳斯”是古希腊神话传说中的美神，也是爱神。主管爱情、婚姻和保护家庭。她天生丽
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质，心地善良，热心助人。但自身却很不幸，没有幸福的爱情和家庭。人们出于同情、感激和美好的愿望，崇拜她，把她视为“美好、善良、正义”的象征。由此，产生过许多以她为题材的艺术品。《米洛斯的维纳斯》这座雕像，虽然借助于神的名义，而实际表现的是一种“社会理想”，是古希腊“神人同形同性说”的产物，即神都具有人的外形和性格，只是神是最完美的人。因此，雕像不像欧洲中世纪和东方古代同类题材的艺术品那样充满宗教的神秘色彩，神都是头顶光环或三头六臂，而是极富有人情味。从而不但受到人们的普遍喜爱，还鼓舞着人的斗志。屠格涅夫说：“米洛斯的维纳斯比1789年的原则（指法国资产阶级革命时期的人权宣言）更不容怀疑。”意即：在“保卫人性的尊严”方面，它也许更有力量。19世纪俄国作家乌斯宾斯基在小说中描绘了一个潦倒的教师从维纳斯美丽动人的形象中，唤起生的欲望和力量，改变了对人的看法。认识到人是美的，是有力量的，是能得到幸福的，为了人类的幸福，必须进行不屈的斗争。马克思也对它作过很高的评价：《米洛斯的维纳斯》展露着希腊人
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的思想、意志和品格。虽有着时代的局限（未直接表现人与社会的矛盾），但仍然能够给我们以艺术享受，具有很大的美学价值，而且就某些方面说，还是一种规范和高不可及的范本。 雕像半裸的身躯，肌体圆润、丰满、优雅、健康，洋溢着青春的活力。表现了女性的纯洁和健美，体现着一个民族的教养与美德。显得落落大方，既庄重典雅，舒畅自由而又节制有度，给人以“雄伟”和“温暖”感。全着装不能充分展露“美神”与“爱神”之美，全裸又有放荡之嫌。《罗丹艺术论》中说：“这是古代的神品，给人以被抑制了的热情、理智所调节了的生的愉快。”意思是说：透过她妩媚娴雅的形体，表现了内在的人性精灵之美。雕像的头部微微昂起，眼睛凝视前方，专注沉静，面部流露出智慧、矜持的表情，给人以坦荡无邪、自尊而又自信。无故意挑逗献媚，矫揉造作之感，也毫无装腔作势盛气凌人之态，温煦亲切的美，纯正而耐看，使内在美与外在美达到了完整的统一。在它的面前，人们感到的是亲切、喜悦及对于完美的人和生命自由的向往。
（二）理想的造型美
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感人的题材内容与高洁的精神，要通过恰当完美的艺术形式来体现。形式美也是艺术作品抓住观赏者的第一要素。人们感受外物刺激和形成主观反映的生理器官，机制是基本相同的。从而人们心理结构和心理活动的规律，也就会有共同之处。在正常的，不同的审美主体身上，就会体现出某些共同美感。这一点，尤其突出地反映在对形式美的欣赏方面。如和谐、匀称、对比、节奏、韵律、多样、统一等。由物质实体性所决定，要求雕塑比绘画对现实生活进行更集中更概括的反映，更多地运用寓意、暗示、象征性的手法，在更大程度上追求从个别到一般，以有限见无限的艺术效果。雕像采用无衬景、无道具、无装饰、无大的动态的极其简练的造型手法，让观赏者在没有任何干扰的情况下，集中品味主体的外在美以及通过外在美传达出来的内在美。让人感觉增之一分太多，减之一分太少，精练含蓄，言有尽而意无穷。雕像遵循雕塑创作以整个形体为艺术语言这一特殊规律，利用和强调体积的组合变化，造成体积感，以传达特定的思想感情。在体积变化上形成四个面的转换，重心在一脚，另一只脚是
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“稍息”状态；两个膝盖一前一后，组成一个面；骨盆转向相反方向，又是一个面；头侧向另一方，是第四个面。动作的转折很小，很微妙，很协调，表现了女性静穆的美，含蓄地透露出温柔典雅的气质。
法国美学家笛卡儿认为：美是“一种恰到好处的协调和适中”。英国美学家夏夫兹博里认为：凡是美的都是和谐的，比例合度的。雕像以完全立体的造型（圆雕），细腻洁白的质地（大理石），与真人类似的高度，给人以真实的生命感；她体型修长健美，匀称和谐，符合形体美的尺度“黄金分割律”，上身与下身之比为1∶1.618；丰满的胸部，婀娜的腰身，润腴的臀部，构成标准的三围，体现出女性体型鲜明的曲线美，曲立凝视，全身呈S形，从各个角度看，姿态生动，富于变化，静中显动；衣纹柔和飘动，疏密有致，显示出体形线条的优美，与裸露光洁的身躯形成鲜明的对照，富有韵律和节奏感，体现着青春和旺盛的生命力；发型柔美，面庞娟秀，可亲又可爱。整个雕像简洁优美，生动自然，形体语言丰富多彩，既不错乱，又不生硬。车尔尼雪夫斯基赞扬《米洛斯的维纳斯》
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说：“她的轮廓的美胜过活人的美”。这就是说，雕像的形体美，是一种艺术的真实，一种理想的美，是健与美的统一，是真实生活中的人体美不可比拟或难以达到的，但它确实存在于每一个人的目前尚未充分展开的本性之中。艺术家力求抓住人性的美，并予以真实的表现，充分体现人的尊严和崇高，激发人们去维护和追求。因此，这种“标准的”美是永恒的，不朽的。人们观赏它，是接受一次美的洗礼。
（三）完整的艺术美
《米洛斯的维纳斯》在发现时就没有双臂，所以又称“断臂美人”。手臂的残缺，在现实生活中，当然不能说它是美的，但作为艺术美中的残缺，就要另当别论了。艺术美所描绘的对象不仅是自然美和社会美，而且也可以反映自然丑和社会丑。有的是对于丑的再现，有的是作为美的对照而存在的。罗丹的《欧米哀尔》就是通过重点表现老妓的干瘪和衰老，来揭示一个老妓衰亡的自然规律和对任人欺凌的妓女年老色衰后悲惨处境的同情，被誉为“丑得如此精美”。外貌奇丑的钟馗，也使他匡扶正义，嫉恶如仇的内在美更加崇高和悲壮，以至世人发
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出“谁道先生不美容”的赞叹。《米洛斯的维纳斯》是原本就没有塑手，还是挖掘时打断了，已无法考证，也无需考证，因不管是有意，还是无意，断臂已成为这一雕像主体美的对照，是塑造目的的美和塑造手段的美，使身躯美更突出，更鲜明。罗丹也曾把一座雕像的双手砍掉，原因是那双手太突出，影响了雕像的主体美。雕塑的特点是以整个形体为艺术语言，内在的精神性的东西都溶化在形象的整体里，而不是集中到一个点上，否则，会使局部与全身处于对立的地位。所以，杰出的雕塑作品即使局部残缺，也无损其整体美。我国晋代哲人葛洪说：“西施有所恶而不能减其美者，美多也；嫫母有所善而不能救其丑者，丑笃也。”庄子也有“德有所长，而形有所忘”之说。雕像的内在美与主体美的强大、突出，反过来又掩盖了局部的缺陷，使之“视而不见”。
有人认为：断臂的维纳斯是美的，不断臂的维纳斯会更美。其实不然，肢体健全的维纳斯雕像还有很多，有的也很美，但无一能与《米洛斯的维纳斯》媲美，像它那样让人刻骨铭心。高明的艺术家，总是让艺术作品给观赏者留下
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想像的余地，造成一种悬念和遗憾，让人们永远为她牵肠挂肚。断臂比完美无缺更具有一种艺术魅力，诱发人们去发挥自己的想像，通过想像获得“全”的效果。倘若修复双臂，它的“全”就会使欣赏者的情绪达到了顶点，想像的翅膀便捆住了，少有回味，过后便忘，从而降低了作品的魅力，这种“全”实为艺术的不全。况且，修复后，手只能保持一种姿态，不能满足所有审美个体的要求，仁者见仁，智者见智。所以，各种修复方案都告失败，保持原貌成了最佳选择。 罗丹说：“在艺术中，有性格的作品，才算是美的。”他还说：“自然中认为丑的，往往要比那认为美的更显露出它的性格。”断臂是《米洛斯的维纳斯》美的一种个性，使它具有自己独特的性格和面貌，是不可重复的“这一个”。西方美学史上有“美人的黑痣”的观点，即美丽的脸上最好长有一颗黑痣，或一条小小的疤痕。中国美学史上也有“美人方有一陋处”之说。金无足赤，人无完人。西施有病，杨贵妃肥胖，史湘云咬舌，这就是美的个性。千人一面，既单调乏味，也缺少真实感和可信性。因此，《米
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洛斯的维纳斯》不仅给人们带来永远的美的享受，而且也留下永远的思考。她净化着人们的灵魂，也提醒着我们的艺术家：完整的艺术美，必须由艺术作品和欣赏者共同来完成，艺术作品要具有充分发展的美，必须选择能够最充分地发挥欣赏者想像力的形式，达到“破而愈完，半多于全”的艺术效果；少一些功利主义，少一些赶时髦，少一些浮躁，按照艺术美的规律去创造艺术，精品方能出，千古不朽之作才有可能。
三、缺损中见完整
据说维纳斯的胳膊在19世纪出土时还完好无损，右手提着将要滑落的裙裾，左手托着一只苹果。可不知在何时何地两条胳膊神秘地失踪，给世人带来无限惋惜。后来，“断臂的维纳斯”成了“缺憾的美”或“美的缺憾”的代名词。 不过维纳斯的塑像还是太美了。她除了损失两条胳膊外，别无所损，浑身透散着柔美、静穆、高雅的气质，代表了古希腊雕像艺术的最高成就。她太有名了，以致人们要用笔正面描写和议论她，都是一件很难的事。其难处一是“肉眼凡胎”的观者何敢一窥光焰辉煌的美神而遽
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下断语；二是自从她二度出生以来，一代代人的文字记录数不胜数，后生晚辈何能超越前贤。该说的都说完了，在她面前难道只有保持缄默、静穆？不是的，今有日本的清冈卓行，独具新锐的艺术感受力，从美神肩下本应伸展或弯曲的两条玉臂的空荡处放任想像，挥洒笔墨，纵情讴歌维纳斯极至的美丽，讴歌人类的艺术创造力。清冈卓行两眼凝视着“虚无”，他看见了什么？
第一，他看见了艺术的奥秘。“缺憾的美”也是一种美，一种具有特殊意义的美，它“借舍弃部分来获取完整”。在艺术领域，“缺憾的美”就是完整的美。“完整”指什么？“那失去了的双臂正浓浓地散发着一种难以准确描绘的神秘气氛”，指一种庄严肃穆的“神秘气氛”；“正深深地孕育着具有多种多样可能性的生命之梦”，指一种具有原创性的生命力量。这让我们联想到东方神秘哲学：“惚兮恍兮”“窈兮冥兮”“微妙玄通，深不可测”（《老子》），这便是“神秘”；“万物生于有，有生于无”（《老子》），“虚而待物”（《庄子》），这便是生命自无至有的诞生。“缺憾”正如“无”，“无”何异于“有”？“无
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物之象”“大象无形”（《老子》），这是至德至善至美的一种更高级的存在。也就是说，清冈卓行作为一个东方哲学、东方文学艺术精神哺育成长的作家，以他独有的艺术敏感，目光越过艺术的“实有”、外在形式，窥见到艺术最深奥的“道”，或曰艺术领域的特殊规律：从虚无中见出丰盈，见出无限生机、无限神秘和无限的美。
第二，他看见了无数双眼睛。清冈卓行根本不在意美神玉臂的原始状样，甚至厌恨和恐惧原臂的复殖，因为他想到了无数双富有创造力的眼睛注视之下的“可能存在的无数双秀美的玉臂”，认为“她是为了自己的丽姿，无意识地隐藏了那两条玉臂，为了漂向更远更远的国度，为了超越更久更久的时代。”就是说断臂的维纳斯，维纳斯的断臂，激发起多少不同时代、不同国度、不同肤色的人的美好想像!在一千个观众心目中就有一千双完美的玉臂。断臂仿佛成为神奇的艺术符码，随千万观众的解读而时时翻新。她永远生活在当代。在此作者又为我们揭示了一条艺术规律：艺术形象的意义应由读者、观众来填补、完善和阐释。正如接受美学
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家所言：“阐释似乎正试图补偿艺术已经失去的东西。”“本文的一致性意义──它并没有为本文所系统表述──与其说是本文暗含的内容，不如说是出于读者的建构。” ［德国］沃〃伊瑟尔《阅读行为》第14页、20页，湖南文艺出版社1991年版。 （着重号系原文所有）在作者、作品那儿忽略、遗忘、丧失的东西，正好由读者、观众拾起并重新建构、放大、美化而成无数同质异构的崭新东西。这就是艺术的神妙功能。第三，他看见了对象化的自身形象。艺术是人类自身本质力量的对象化，人类可以从中照见自己创造力，照见自己的趣味、人格、理想。这关乎艺术创造，其实鉴赏又何尝不是如此!艺术鉴赏是一个无限大的空间，任人依自己的眼力与心界在这一空间的某维度上凝定自己的水准，找到自己的感悟结点。人们的文化水准高低、心胸广狭、人格优劣在艺术鉴赏中都毫无遮拦地显露出来。正如马克思所说：“因为任何一个对象对我的意义（它只是对那个与它相适应的感觉说来才有意义）都以我的感觉所及的程度为限。”（《1844年经济学哲学手稿》，《马克思恩格斯全集》第42卷，第126
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页。）奉读《米洛斯的维纳斯》，扑面而来的是发自作者人格境界的一股强烈感染力，感受夏日海边狂野而温暖的风暴。
这风暴里挟着美好的情感、意志，那是作者自始至终动情地诉说自己的真切感受，言语间透露出对艺术的最彻底的钟爱，体现他的高尚情怀，他的赤子之心；这风暴里挟着清新的灵气、悟性，那是作者从一个意想不到的角度揭示人类艺术杰作的感染力、震撼力，并用文字准确而畅快地描述自己的感受，印证他的艺术领悟力卓尔不群。断臂维纳斯赐予了清冈卓行坦露心迹的激情，为我们留下一篇优美的散文；清冈卓行的散文留给我们醇浓的美味，启发和激励我们对艺术的敏感、热爱。 达芬奇：《最后的晚餐》（1495－1497）湿壁画
460×880公分
收藏地点：米兰 格拉契修道院
1495年，达芬奇接受米兰摄政洛多维柯.莫罗的委托，绘制大型壁画《最后的晚餐》。作品描绘了福音书故事中一个关键的时刻，达芬奇独具匠心，选择了耶稣用餐时，宣布在座有人要出卖他，众门徒大为吃惊的情形。众门徒震惊的
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情绪不仅流露在脸上，也表现在手部。在画中，达芬奇用了许多细致的手部动作：有人双手按在桌上、有人竖指发问、有人扪心自问，而判徒犹大则是双手紧握着钱袋，身体略微向后仰，下意识想要逃避。
达芬奇对这幅壁画人物心理变化的掌握极为传神，在此之前，从没有画家为了表现人物而去研究人物的心理，所以达芬奇被视为这种新观念的创始人，为世人证实“艺术家也可以是沉思与创造的思想家，与哲学家没有两样”，这也是《最后的晚餐》之所以被称为旷世杰作的原因之一。 达〃芬奇
莱昂纳多〃达〃芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。
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一、天才少年
莱昂纳多〃达〃芬奇（Leonardo da vinci ，1452-1519）诞生在意大利芬奇镇附近的安基亚诺村，芬奇镇靠近佛罗伦萨。达〃芬奇是非婚生子，他的童年是在祖父的田庄里度过的。孩提时代的达〃芬奇聪明伶俐，勤奋好学，兴趣广泛。他歌唱得很好，很早就学会弹琵琶，他的即兴演唱，不论歌词还是曲调，都让人惊叹。他尤其喜爱绘画，常为邻里们作画，有“绘画神童”的美称。达〃芬奇的家庭是当时佛罗伦萨有名的望族，父亲皮埃罗希望达〃芬奇象自己一样当律师，可后来由于发生了一件事情而使皮埃罗改变了想法，决定让小芬奇学画。当时，皮埃罗受一位农民的委托，要画一幅盾面画。他听说儿子会画画，想试试儿子的画艺，便将这任务交给了小芬奇。小芬奇凭借自己丰富的想象力，用了一个月的时间，画成了一个骇人的妖怪。这妖怪长着火球般的眼睛，张着血盆大口，鼻孔中喷出火焰和毒气，样子十分的恐怖。作品完成后，小芬奇请父亲来到他的房间。他把窗遮去一半，将画架竖在光线恰好落在妖怪身上的地方。皮埃罗刚走进房间时，
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一眼就看到了这个面目狰狞的怪物，吓得大叫起来。小芬奇则笑着对父亲说：“请您拿去吧，这就是它该产生的效果。”皮埃罗从此确信儿子有绘画天赋，便将小芬奇送往佛罗伦萨，师从著名的艺术家委罗基奥，开始系统地学习造型艺术。此时的达〃芬奇只有14岁。委罗基奥的画舫是当时佛罗伦萨著名的艺术中心，经常有意大利人文主义者在这里聚会，讨论学术问题。达〃芬奇在这里结实了一大批知名的人文主义者、艺术家和科学家，开始接受人文主义的熏陶。达〃芬奇在20岁时已有很高的艺术造诣，他用画笔和雕刻刀去表现大自然和现实生活的真、善、美，热情歌颂人生的幸福和大自然的美妙。
达〃芬奇并不满足他的这些才干，他要掌握人类思想的各个领域。他眼光独到，做事干练，具有艺术的灵魂。有一次，他在山里迷了路，走到了一个漆黑的山洞前。他在后来回忆这段经历时说：“我突然产生了两种情绪——害怕和渴望：对漆黑的洞穴感到害怕，又想看看其中是否会有什么怪异的东西。”他一生都被这两种情绪所羁束——对生活之不可知或无力探知的
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神秘感到害怕，而又想把这个神秘之不可知性加以揭露，加以研究，解释其含义，描绘其壮观。他很早就下定决心，要做一个研究者、一个教师、尤其是一个艺术家。
二．科学巨匠
达〃芬奇无论是在艺术领域，还是在自然科学领域，都取得了惊人的成就。他的眼光与科学知识水平超越了他的时代。在文艺复兴早期，人们盲目地接受传统观念，崇拜古代权威和古典著作。人们学习科学知识也只是学习象《圣经》一样的亚里士多德的理论，只相信文字记载。达〃芬奇反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础，他鼓励人们向大自然学习，到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源于实践，只有从实践出发，通过实践去探索科学的奥秘。他说“理论脱离实践是最大的不幸”，“实践应以好的理论为基础”。达〃芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法，采用这种科学方法去进行科学研究，在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法，后来得到了伽利略的发展，并由英国哲学家弗兰西斯．培根从理论上加以总结，成为近代自然科
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学的最基本方法。达〃芬奇坚信科学，他对宗教感到厌恶，抨击天主教为“一个贩卖欺骗的店铺”。他说：“真理只有一个，他不是在宗教之中，而是在科学之中。”达〃芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、牛顿等人的发明创造开辟了道路。在天文学上，达〃芬奇对传统的“地球中心说”持否定的观点。他认为地球不是太阳系的中心，更不是宇宙的中心，而只是一颗绕太阳运转的行星，太阳本身是不运动的。达〃芬奇还认为月亮自身并不发光，他只是反射太阳的光辉。他的这些观点的提出早于哥白尼“太阳中心说”。甚至在当时，达〃芬奇就幻想利用太阳能了。在物理学方面， 达〃芬奇重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他指出：在连通器内，同一液体的液面高度是相同的，不同液体的液面高度不同，液体的高度与密度成反比。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他认为一个抛射体最初是沿倾斜的直线上升，在引力和冲力的混合作用下作曲线位移，最后冲力耗尽，在引力的作用下作垂直下落运动。他的这一发现使亚里士多德的落体学说产生了动摇。
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他发展了杠杆原理，除推导出作用力与臂长关系外，还算出了速度与臂长的关系。他指出了“永动机”作为能源的不可能性。达〃芬奇还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力：“那东西将从地底下爆起，……使人在无声的气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有破坏力。”
达〃芬奇在解剖学和生理学上也取得了巨大的成就，被认为是近代生理解剖学的始祖。他掌握了人体解剖知识，从解剖学入手，研究了生理学和医学。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，也是设想用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人。他发现了血液的功能，认为血液对人体起着新陈代谢的作用。他说血液不断的改造全身，把养料带到身体需要的各个部分，再把体内废物带走。达〃芬奇研究过心脏，他发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜。他认为老年人的死因之一是动脉硬化，而产生动脉硬化的原因是缺乏运动。后来，英国的威廉．哈维证实和发展了达
〃芬奇的这些生理学成果。
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达〃芬奇的研究和发明还涉及到军事和机械方面，他发明了飞行机械、直升飞机、降落伞、机关枪、手榴弹、坦克车、潜水艇、双层船壳战舰、起重机等等。他还在数学领域和水利工程等方面作出了重大的贡献。可以说，达〃芬奇的研究涉及到自然科学的每一部门，他的思想和才能深入到人类知识的各个领域。他是世界上少有的全面发展的学者。 但是达〃芬奇的大多数著作和手稿都没有发表，直到他逝世后多年才被世人所发现。科学史家丹皮尔这样评论达〃芬奇，“如果他当初发表他的著作的话，科学本来一定会一下就跳到一百年以后的局面。”
三．艺术大师
说到艺术创作，在文艺复兴时期当数达〃芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达〃芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。在艺术创作方面，达〃芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：
1、解决了纪念性中央圆屋
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顶建筑物设计和理想城市的规划问题；
2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；
3、解决了当时绘画中两个重要领域--纪念性壁画和祭坛画的问题。达〃芬奇的艺术作品不仅象
镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达〃芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
四．文艺复兴精神的代表
达〃芬奇比之文艺复兴时期中的任何一人，有更多的、领域更广的幻想。他思想深邃、博学多才。他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉，继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，为自然科学的发展作出了巨大贡献。达〃芬奇是当之无愧的“文艺复兴时代最完美的代表人物”。
列奥纳多〃 达〃芬奇 (1452-1519) da
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Vinci,Leonardo 全名列奥那多〃迪〃塞尔〃皮耶罗〃达〃芬奇，意大利文艺复兴时期画家,科学家,人类智慧的象征.是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师。他不但是个大画家，同样还是一位未来学家、建筑师、数学家、音乐家、发明家、解剖学家、雕塑家、物理学家和机械工程师。他因自己高超的绘画技巧而闻名于世。他还设计了许多在当时无法实现，但是却现身于现代科学技术的发明。总的来说，达芬奇大大超越了当时的建筑学，解剖学和天文学的水平，但是却未能推动其发展。他于1452年出生于佛罗伦萨，虽然他是一个私生子，但是却很被重视，历史资料显示，安东尼奥〃达〃芬奇（达芬奇的祖父）在译本笔记本的后页上写到：1452年4月15日，星期六，夜间第3个小时，我有了一个孙子，我儿子塞尔〃皮耶罗的儿子，名为列奥那多。5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像,同时还能即席作词谱曲,自己伴奏自己歌唱,引得在场的人赞叹不已.《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画,《蒙娜丽莎》则为世界上最著名,最伟大的肖像画.这两件誉满全球的作品使达〃芬奇的名字
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永垂青史.达〃芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感.他曾说过:\"绘画的最大奇迹,就是使平的画面呈现出凹凸感.\" (*达〃芬奇是闻一多首创翻译名，乃按意大利语翻译。旧译“达〃文西”乃按英语翻译，误；意大利语ci读如“奇”非“西”) “上天有时将美丽、优雅、才能赋予一人之身，令他之所为无不超群绝伦，显出他的天才来自上苍而非人间之力。莱奥纳多正是如此。他的优雅与优美无与伦比，他的才智之高可使一切难题迎刃而解。”这是文艺复兴时期的传记作家瓦萨里对达芬奇的溢美之词。莱奥纳多1452年4月15日出生于意大利中部据佛罗伦萨不远的芬奇市（Vinci），并在那儿度过了童年。1469年，他来到佛罗伦萨并在Verrocchio的画室学徒。 1472年，进入当年画家协会。 在艺术方面，他是一位雕塑能手但特别注重绘画艺术，他说：“绘画是自然的女儿。” 传说，在他年轻时，有一次帮老师在一副名为《约翰为基督洗礼》的画中画了一个小天使，结果其水平超过了老师画的所有其他人物。这位在当年已有些名气的老师羞愧难当，从此不再涉猎绘画，只搞雕
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塑了。达芬奇最为世人所熟悉的就是他绝高的绘画艺术,其最著名的作品有：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》《圣安娜与圣母子》等。 《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。《最后的晚餐》绘制在格拉齐教堂圣餐厅的墙壁上。达芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物座成一排面向外，而耶稣基督座在最中间。 在科学方面，他观察天体，曾写下：“太阳是不动的。”几乎是与哥白尼同时发现了“太阳中心说”；他研究飞行的科学原理，设计制造了第一个飞行器；他解剖过三十多个尸体，探究人体结构并第一个发现了婴儿在母体中的生长过程。他曾说过：“你可能会被这天然的臭气弄得退避三舍......你还可能缺乏耐心且不够勤奋，在这些方面我不曾被贪欲或懒散所阻碍，阻碍我的只是时间不够。”
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达〃芬奇年轻时在佛罗伦萨画派画家韦罗基奥的工作室学画，1481年离开佛罗伦萨去米兰，其后获法王法兰西斯一世(Francis I)邀请，前往法国。达芬奇是当时世界的一位天才，他的主要才能表现在科学发现和想象上，他曾经设计过直升机、飞行器、热气球、攻城器，设计过城市防御体系、排水系统，研究过人体解剖、比例、透视。他是欧洲第一位描画风景的画家，他以科学、清晰的头脑著称。当然，也有人认为他很少动手实现他的设想，很少做出真正的成绩，因次在科学上他只是虚名。在文艺复兴“三杰”中（另两位是米开朗基罗和拉斐尔）他画中的人物真实、栩栩如生，构图严谨、稳重。他最著名的画作是为米兰圣玛利亚修道院作的壁画《最后的晚餐》和肖像画《蒙娜〃丽莎》、《岩间圣母》，著作有《绘画论》。晚年达芬奇定居于法国罗瓦河谷的克劳城堡(Chateau De Clos Luce)，并在该处完成他的自画像。晚年的达芬奇却变得泰然、宁静，致力研究信仰与自然的关系。他于1519年在克劳城堡去世。 “一日充实，可以安睡；一生充实，可以无憾”是他遗嘱中的名句。 1452年4月15日，达〃芬
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奇生于意大利佛罗伦萨城附近的芬奇镇上。父亲是当地有名的公证人，家庭富有。达〃芬奇从小就表现出了绘画天赋，他画的小动物惟妙惟肖，于是父亲就把他送到好友，著名画家和雕刻家佛罗基阿的画坊当学徒。达〃芬奇来到画坊以后，老师佛罗基阿就拿来一个鸡蛋让他画，达〃芬奇很快就画了几张，可是老师让他继续画，一连几天都是如此。达〃芬奇终于不耐烦了，认为教师小瞧了他，让他画这么简单的鸡蛋。教师看出了他的心思，意味深长地说：“这个蛋可不简单，世上没有两个完全相同的蛋，即使是同一个蛋，由于观察角度不同，光线不同，它的形状也不一样啊。” 达〃芬奇恍然大悟，原来老师是为了培养他观察事物和把握形象的能力呀。从此以后，他废寝忘食地训练绘画基本功，学习各类艺术与科学知识，为他以后在绘画和其它方面取得卓著的成就，打下了坚实的基础。
达〃芬奇一生在绘画上孜孜追求，为我们留下许多名垂千古的杰作。其中最著名的是《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》。
《最后的晚餐》是达〃芬奇为米兰圣玛丽亚修
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道院食堂而作的壁画，取材于《圣经》中耶稣被他的门徒犹大出卖的故事。
在这幅作品中，达〃芬奇精彩地刻画了当耶稣在晚餐上说出“你们中间有一个人出卖了我”这句话后，他的12个门徒瞬间的表情。透过每个人不同的神态表情，你可以洞察到他们每人的性格和复杂心态。画面布局突出耶稣，门徒左右呼应。坐在中央的耶稣庄严肃穆，背景借明亮的窗户衬托出他的光明磊落。叛徒犹大处于画面最阴暗处，神色惊慌，喻示他心地龌龊丑恶，与耶稣形成鲜明对照。在这幅画里，达〃芬奇用现实主义的手法讴歌了真理与正义，鞭挞了叛徒的行为与邪恶势力。 为创作这幅画，达〃芬奇付出了惊人的劳动。为准确刻画犹大这个人物，他到各种场合观察罪犯、流氓和赌徒，反复揣摸他们的心态、神态和
形态，并画了大量的速写，直到画出他满意的形象。这幅画的巨大成功致使以后的画家没人敢再涉足这个题材。
《蒙娜丽萨》这幅肖像画的原型是达〃芬奇朋友的妻子。为作这幅画，达〃芬奇先研究了她
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的心理，为保持她欢愉的心情还特别请来竖琴师和歌手为她表演。达〃芬奇极其准确地捕捉到了蒙那丽莎一瞬那的迷人微笑，用精湛的笔触细致入微地描画了她微妙的心理活动。在你看这幅画时，依然会感受到她的微笑所蕴含的摄人心魄的力量。
达〃芬奇不仅是位成绩裴然的艺术家，还是一位多才多艺的科学家。在科学研究上他花了大量的时间和精力，取得了极大的成功。他深入地观察研究动物、植物、地质乃至人体本身。他还模彷鸟的翅膀，设计了一个类似飞机的飞行机械。他还设计了许多先进的纺车、高效率的机床、冲床，最早提出了地质学的概念，第一次正确、全面地描述了人体骨骼、肌肉和人体比例。他的科学实践为以后的科学家提供了思想的源泉。由于达〃芬奇的激进资产阶级人文主义政治观，使他受到封建宗教势力的长期迫害。1517年已是65岁高龄的他，拖着病躯仍然被迫离开了祖国，侨居法国。两年后，这位艺术巨擎溘然长逝。
2、选择《粉色的音调》、《苹果与橙子》等作品，联系音乐的节奏、旋律、曲调和音色等要素，
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来分析和讨论作品以什么样的结构与艺术语言，表现了什么样的情感和意蕴。
3、选择题材或艺术特色相近的中外美术作品，结合其民族文化传统进行讨论和比较分析，尝试解释其不同的审美意蕴和文化价值。
4、鼓励学生根据自己对所选美术名作的欣赏体验和感悟，分别进行扼要的评价与论述。 四 小结
总结本节课的内容 课后反思
1学生能认真配合教师的活动，对教材内容感兴趣；
2这一课的主要内容，含量重、密度大，但教材编写简单 ，为讲课带来较大的困难; 3根据教材简化的特点，根据学生的思想，知识 基础状况，对一些重要的、比较难的知识 点注意 了内涵的挖掘和适度的延伸，让学生更好地理解，掌握有关知识;
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第二单元
装点我的居室
教材分析：本单元为造型 .表现领域，引导学生利用不同形式的美术作品去装点自己的居室，能够学以致用。与此同时，学习中国写意花鸟画、版画、装饰画、铅笔淡彩画等画种和挂画的形式美要求。最后进行展示交流并总结。通过本单元的学习，可以树立学生美化生活的意识，并在交流中取长补短，提高自己。
单元总目标：
1、通过欣赏、感受、认识、评述，了解运用美术作品进行居室装饰的多种表现方法和不同特点，认识和感受不同表现形式和人文特点的美术作品对居室装饰的影响。
2、通过学习居室装饰设计和学习创作适合居室装饰的美术作品，提高造型表现能力及审美表现能力，增强与他人进行合作艺术实践和艺术鉴赏的交流能力。
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活动一
课
题：居室装饰 欣赏与感受
课
时：1课时
课业类型：欣赏
评述
教学目标：
1、通过搜集不同风格、不同功能的居室装饰资料，认识居室装饰的特色。
2、通过分析和评述，认识和感受不同表现形式和人文特色的美术作品对居室装饰的影响。
3、结合实际，通过分析和评述提高审美实践能力。
教学方法：讲述、讨论
教学重点：认识居室装饰特点，提高学生审美
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实践能力。
教学难点：认识和感受不同表现形式和人文特色的美术作品对居室装饰的影响。
教学准备：
教具——欣赏用挂图或其他影像资料。尽可能选择居室类型（如书房或学生房）相同、但表现方法和人文特点不同的居室设计作品。
学具——课本，自己搜集的中外不同风格、不同功能的居室装饰资料。
教学过程：
一、组织教学：
引导阶段：（展示装饰画图片、学生欣赏）
二、讲授新课：
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1、你家里有装饰画吗？
就如眼睛让人充满智慧与灵气一样，装饰画也赋予居室灵性、智慧和思想。家里的装饰画应当既能体现主人的个性、品位和风格，又能点缀居室的色彩，调和室内气氛。
2、装饰画的品种
常见的装饰画有油画、水彩画、动感画、烙画、镶嵌画、摄影画、挂毯画、丙烯画、铜板画、玻璃画、竹编画、抽纱画、剪纸画、木刻画、绳结画、磨漆画等。
找一找第6页的图片中的装饰画有哪些品种？
3、装饰画的风格。装饰画风格大体上分为六种：
热情奔放型镶嵌画、丙烯画、玻璃画：具有色彩鲜艳夺目，易表现热烈感情的新生活特点，适宜新婚家庭布臵。
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古朴典雅型挂毯画、竹编画、绳结画 ：古朴端庄、富于韵味、艺术气氛浓厚，适宜和颜色较深的中式家具配套。
贵族气质型油画
：是装饰画中最具有贵族气息的一种，它属纯手工制作，同时可根据消费者的需要临摹或创作，风格比较独特。现在市场上比较受欢迎的油画题材一般为风景、人物和静物。适宜于“海归派”等具有西方学识与情结的人士。
现代新贵型动感画
：是装饰画中的新贵，以优美的图案，清亮的色彩，动感的效果赢得了众多消费者的青睐。动感画也以风景为主，高山流水，古朴典雅。
现代时尚型摄影画
：具有画面明朗、层次清晰、视野开阔的特点，特别是大幅摄影画，适宜与组合家具衬托，可增强家庭居室中的观赏性和时代感。适宜于喜爱追逐潮流的现代都市人。
古色古香型烙画
：在木板上经高温烙制而成，色彩稍深于木原色。图案的线条较细，效
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