广州美术学院2011本科毕业展
何传勇-小红帽
罗慧《沉》
随着时代的发展，数码技术在人们的生活里起着越来越重要的作用。广州美术学院的“摄影与数码艺术”专业2004年开办以来，专业教学也与时俱进，注重把传统影像融入到当今数字化影像革命的时代浪潮中去，努力做到兼容并蓄、开拓创新。在广州美术学院大学城美术馆的二楼展厅我们就集中看见2011年美术教育学院摄影与数码艺术专业的毕业作品，为了大家更好地了解作品，我们特意采访了创意影像设计作品的指导老师何汉明。
采访者：何老师，您好，非常感谢你能接受我们的采访，您能跟观众介绍下这次毕业展中摄影专业的作品吗?
何汉明：好，今年本专业共有29位同学参加了毕业展览，2011届摄影与数码艺术专业的毕业作品主要分两类，一类为创意影像设计作品由我作为指导老师，另一类为剧情短片作品，由劳业辛老师指导。
采访者：在今年的作品里主要有一些什么特点哪?
何汉明：今年毕业生在毕业创方面主要体现了影像专业中数字技术的广泛应用的特征。其中平面摄影方向的同学掌握了各种拍摄技巧和数字化影像后期制作技能。可以说，当今数字化的发展让摄影变得越来越简单。人人都是“拍客”(就是拍视频、照片发到网络上分享的人)，影像泛滥以及互联网的交流，很难对某些作品产生深刻的印象。但作为专业院校的学生，影像作品创作的核心是“创意”与“质量”。
采访者：那请您跟我们谈谈今年广州美术学院摄影专业的毕业生作品与其他综合类院校里摄影专业作品的不同之处吧。
何汉明：好的。这种不同主要表现在，美术院校的学生在接受摄影教学的同时也有机会接触其他艺术形式的表现，在艺术创新和多元化表现方面有一定的优势。同学不满足于简单影像记录，更多的探索不同的表现形式。通过借鉴与学习当下影像的发展与潮流，融入到自己的创作。把影像作为一种综合的媒体，像其它绘画、雕塑等媒体一样创作。同时，创作的过程也明显体现出年青一代的观念与热点。对于闪婚、性、梦幻与超现实的关注，通过影像来折射出人生的不同追求。但是毕竟同学的经历与体验还是比较简单，思考不够深度，在创意方案与表现上经历了多次的反复与修改。
采访者：您的意思是美术院校多种艺术类型的相互影响扩大了摄影专业学生的视野，使他们的作品呈现出更多元的面貌，或者说他们是“艺术家”而不仅仅是“摄影家”，摄影仅仅是艺术创作媒介的一种。
何汉明：是，在“艺术”与“技术”相结合的课题上我们今年也有重视。比如，今年的毕业创作上比较凸显的是制作与输出的高要求。在前期拍摄的时候已经是高质量的准备，一般的图片素材都使用2200万像数的相机拍摄，部分图片还使用到数码摄影后背拍摄，在图像质量方面是优秀的。后期的制作结合各种软件的使用，按照艺术微喷大尺寸修图，多个图层的结合使得单幅图片高达2G以上的，是挑战学生体能与机器的使用。最终部分图片能够以300dpi的输出1M以上的尺寸。例如熊聪同学的作品。对于色彩的控制也是今年的一个重点要求，首先是对于整体色调的定位与调整，结合先进色彩管理系统，并且终端显示采用目前最高端的艺卓显示器进行调色，在画面色彩的准确控制方面比以往有了长足的改进，例如刘燕青同学的作品。在输出方面要求同学以高质量的艺术微喷输出，保证了色彩的空间表现和作品的百年保存时间，达到艺术品收藏的级别。
另外，同学在画面的表现上寻求个人艺术追求与空间化相结合的表现形式，突破了传统的平面表现形式，结合传统美术的剪纸、灯光、装置等进行综合媒体的表现，例如赵重阳、陈海丽同学的作品结合影像与剪纸镂空变化。增加了作品的互动性，使作者与观众进一步的互动与交流。
采访者：谢谢何老师给我们这么详细地介绍了这次展出的创意影像设计作品。
转型现实主义――评一种年轻的艺术形式
中国的艺术自有中国的艺术问题。无论从哪种艺术史的书写开始，中国的艺术书写自然是有它自己的法则和脉络。这就是中国的艺术家用自己的实践行为，创造了他们所存在于现实历史中的那一瞬间的艺术价值。它的存在来自于历史的发展动力，来自于艺术家感受时间变化的心理体验。因为艺术家有了自觉的发展欲望和意志，就决定了他们要做不一样的艺术创造。中国，在今天的时间框架里和在地理的空间结构里，都有了完全不一样的理由去反映它的社会心理和历史痕迹；它今天的现实古来没有，世所罕见。也许，正因为我们每个人都是个体的存在，无法俯视社会样态的全局，也无法统领艺术的全貌，所以，在这样的情景中，作为个体的艺术家的独立行动和独立判断才具有了个体的价值，才具有了值得历史回眸与记录的意义。
中国，俨然进入了历史的快车道，俨然在复兴着文化的创造力量。但同时也提出了新的中国问题，并形成了新的中国语境。在这样的现实中，谈中国的艺术，岂可仅仅是一种维度、一种样态、一种声音。中国，并非原有之中国，也非集体定义中的中国，而是生存于其中的被个体创造着的中国。同理，中国的艺术、中国的绘画，也不是先前的艺术面貌，也不是先前的流行模式；它们应该是变化中的艺术、是中国处于历史变局、时代转型中的艺术。这样的艺术与绘画才以其独立的判断和独立的意义，构成一段当下的中国艺术历史；而能否成立、能否具有时代意义，这就是历史脉络中的个体的自我意志与精神所决定的、所能够创造的。
时代总是变化，我们无处不在时间的包裹下、负载下、干扰下和制约下；时间的影响在今天的中国尤为壮观，尤为显著：房子快速拆掉、又快速建起；绿野转瞬失去而又在回望之间落成产业园区、架起高速公路；乡村不再袅袅炊烟、晨钟暮鼓，而城镇已然灯红酒绿、高楼林立。信息通讯的便捷、交通运输的快速、网络交流的普及、观念概念的传播、人员迁移流动的规模等等，没有哪一点、哪一个方面不受到时代的影响和时间因素的参与。当一切都在变、当一切都不同于以前的时候，作为艺术家怎么办？艺术，并非空中楼阁，也非墨守陈规。艺术有艺术的法则、有艺术的定律。这，就是艺术的变化，就是时间变化中的新的艺术。当我们沉醉于歌舞升平之时、当我们心满意足于浮华之际，是谁做了那孤独的敏感者？是谁躬身自问了存在的价值？又是谁愿意担当着时间的记录者和仲裁者？究竟谁，能告知我们时间的转换、时代的转型？时间之重悄然浮现于我们的心头和意识里，我们呼吸着时间的负压，我们渴望时间留下它的遗产，我们希望与时间同在。
这就是转型，时代在转型，我们的心理感应在转型，我们的历史文化在转型，我们作为自我意识的存在也在转型中。转型呼唤着转型的一代新艺术家，其新在于新的感知世界与体验时间的方式。他们是自觉的心灵转型：在转型中，他们体验了现实的状态，在转型中，他们追寻着自我的梦想；他们借以转型来慰藉浪漫情怀的失落伤感，因为转型，他们理解着他们的命运，衡量着时代的差异，体会着历史的选择。因为中国，他们希求见证历史的痕迹；因为艺术，他们满怀着激情；因为现实，他们绝不苟合于媚俗之肤浅，因为现实的迷离，他们绝非丧失自我判断的标尺。这就是转型一代艺术家的感悟和立场，他们是自我的存在者，但又是现实情景中的对话者和解释者，他们不做简单的现实复制，而是要通过自己的视觉思维进行现象世界的重组和重构。他们对于艺术的理解，不是孤立于艺术本体语言的进化或固守，而是着力于寻找自我的心灵之路，探索个体与现实交流的语言方法。他们的转型现实主义不再满足于纯视觉的美化，也不再刻意地去表白心理的伤害或自我的陶醉，但也不是故作姿态作历史宏大叙事状。他们是紧紧围绕着自我依存的心灵感应，用视觉的语言去描绘心灵的视窗镜像，去消解单一的图像图解。他们刚刚开始，但他们有自己的抱负：这就是视觉成为思考的方式，成为一代新艺术家言说的对象。他们不再把技术当作目的，不再把外在的宏大现实主义当作个体理想，而是追踪着心灵的轨迹，想象着现实的存在形式和历史的现实化。 转型现实主义得以表达，是因为他们不再犹豫，也不再处于文化信心的历史悖论中，他们的转型实现主义是他们自觉、自然地看今天的世界的方式，不再以简单的夸张变形来折射时代的影子，相反以变化重叠的视觉语言来显示传统中的中国、变革中的中国、信息化中的中国、商业化中的中国的样态、状态和心态。中国，乃是他们立足的大地，为他们看艺术提供了丰沃的土壤和资源，他们把它们化合在他们理解世界的视觉方式中。转型即标志了他们的当下关系，表明了他们追求现实时代感的心愿；因为转型带来巨大的落差和时代脱节，他们所以要放弃自我忧伤的慢板吟唱，拒绝失去生命力的乖戾符号，也因为转型带来艺术史的变局，他们不再沉溺于形式的把玩和陶醉，决然放弃对表面的形式迷恋和对点线面厚度的沉醉。他们的转型源自心理承受之重的转型，他们在成长的谈笑之间已经开始了新的历史进程，新的一代文化心态不期然已经成形。
这是一个有信心、有愿望的艺术家群体，他们相识而相投，相谈而互勉，所以积极地要做转型的一代。这也是当前的现实境况使然，恰逢其时，因为在艺术场面上行走的人都处于热望的心态中，都想在艺术的疆域中纵马驰骋，但能不能实现艺术的抱负和追求，并不是一时之勇，需要假以时日和终生的努力。
好画与观念 孰轻孰重? 当代油画：技术占几多?
七月晨光(油画)龙力游
近日,年近80高龄的油画家靳尚谊在名为“向维米尔致意”的展览中,展示了《惶恐的戴珍珠耳环的少女》《新戴尔夫特风景》和《戴尔夫特老街》3张貌似临摹维米尔原作而意在重新审视古典、面对当代的新作,引起油画界、美术界的广泛关注。展览有趣的地方,不仅在于靳尚谊将维米尔原作中的人物进行“跨时空置换”,更为重要的是,老先生“勇敢”地开启了网上讨论会,任由网友“发声”,并发布了ipad数字画册,这种盛邀广大美术爱好者和吸引全社会兴趣的做法,并非大众文化中的“噱头”,而是在提示我们油画这个古老的画种在信息化时代的大美术视野中所具有的价值,并由此引发了一系列关于艺术本体、技术与创作等方面的思考。
一张好画与一堆观念,孰轻孰重?
油画这个发轫于西方,繁盛于西方的古老画种,自上世纪中期开始受到严重挑战,“绘画死亡”、“艺术终结”的言论不绝于耳。西方艺术界开始将油画视为保守或落后的“代名词”,而将装置、影像和新媒体艺术作品看作“时代的发音器”。这种思潮以及带有各种强烈观念的艺术尝试,也从上世纪80年代末传入中国,影响和造就了一批“当代艺术明星”,进而改变了中国美术格局,也影响到了油画这个传入中国不过百年的画种在美术界的发展。2010年前后,西方出现了一股对于过于“观念化”艺术世界的反拨,架上艺术(包括油画)开始“悄然”出现在西方美术学院里,各种油画的交易也呈现良好势头。
对于中国而言,油画始终是美术创作的大宗。美术学院长期坚守着油画的教学与创作,并将“造型”这个核心板块在美术教育中的作用不断发展完善。繁荣的市场交易,也印证了大众对油画的市场需求。尤其是一些小幅油画,已经开始广泛被中产阶层接受,油画已经不单是存在地库等待升值的投资品,而是人们装饰空间的理想选择。
正是在国内外两种大背景的影响下,在北京国际美术双年展等组织的坚守下,一张好画与一堆观念,孰轻孰重的问题似乎已经有了答案。至此,从中国美术界内部开始了一股反思的潮流,那个似乎已经很少有人关心的问题,即技术和观念在艺术创作中的关系开始被人们重新认识。“我们现在强调的想法,其实并没有那么重要,重要的是如何实现它们。”从靳尚谊这个被广为传播的观点中不难看出,技术在靳尚谊创作中的作用,而其新作揭示出的,则是对技术与观念一种更为深入的发问与思考。
技术至上的回归?
在靳尚谊新作的网上研讨会中,有网友指出,其所倡导的“技术问题”,到底是路标还是路障?该网友的潜台词在于,对技术的一味强调,对“小问题”的纠结,而疏于观念的传达,最终会导致油画走入死胡同。在美术界,持同样观点的人不在少数。
长期以来,中国的学院美术教育,在留欧、留苏等先辈美术家打下的坚实基础上,在几代美术同仁的不懈努力下,形成了一批又一批的“学院派”油画家。他们往往具有扎实的造型能力,形式语言趋于写实,技术的高低往往成为作品优劣的主要标准。然而,随着观念艺术的“侵袭”,油画创作内部产生了涟漪,评判的标准发生了变化。不少主题性创作,因涉及为政治服务的意图而受到一些人的诟病,但是耐心地分析中国油画发展历程,不难发现,无论是像《开国大典》还是中国美术史上的奇葩“西藏主题创作”,都没有被政治意图所累,而是在油画民族化的道路上作出了重要探索,董希文、吴作人、潘世勋等油画家在油画语言的丰富与表现上,取得了可贵的成就。时至今日,这种对于油画本体的思考并没有停止。去年,杨飞云等中国油画名家集体到西方博物馆临摹艺术大师经典作品,“回到写生”、“面对原典”等一系列大型展览的举办,似乎预示着对油画本体,技术语言至上的回归。
今年,当潘公凯面对靳尚谊的新作时,提出了耐人寻味的“后古典”观念。他的解释是,“中国新世纪油画创作中一种新的可能性被揭示出来,这种可能性包括两个方面:一是在临摹中创作,在创作中临摹,形成一种新的拼贴风格;二是在临摹中显示作者技巧功力的同时,又在创作中投射作者的理念和感受,这是一种西式文脉中的„以古为新‟”。这个概念的提出,并不仅仅适用于靳尚谊,而是将油画界可以推广的创作方法——“以古为新”以及被长期忽略的临摹问题再次提了出来。其实这里面还有一个更为深层的“透析”,即油画家如何将扎实的基础转变为一幅优秀的创作?这个问题曾因各种观念艺术创作的流行而被忽视、被遮蔽,都是中国油画发展绕不开的一个坎儿。
关于技术的新解
在中国油画界,技术的好坏往往被称为“手艺好不好”,或“活儿怎么样”。而决定活儿好坏的关键要素,也是油画基础训练之一的素描,在最近两年得到了充分的讨论与重视。
跨学科学者马慧元曾描述:“可持续发展的手艺近于思想。也许更确切的表达是,思想就是对种种手艺的综合、调配与平衡,这其中有无限种可能,而个性就爆发于此。”当代艺术家徐冰很欣赏这句话,这位在西方艺术界获得认可,习惯使用当代艺术语言的艺术家,将素描或者手艺,赋予了更新的诠释。徐冰认为,艺术的深度是艺术家处理手头的“活儿”与社会之关系水平高下的结果。对时代的敏感并将其转换为有效的艺术语言的能力,这是艺术家工作实质的部分。
其实，如果我们分析现代与后现代两位大师，毕加索与安迪·沃霍尔的成长经历不难看出，毕加索在立体主义风格出现之前，曾有相当扎实的造型能力，其素描功底深厚，而安迪·沃霍尔在将图像引入当代艺术世界之前，也在插图中表现出了过人的线与面的表现能力。
在中国，一些写实油画家，也开始研究写实之中的抽象元素，以及介于写实与抽象之间的意象表现，一种对技术更为全面的认识开始出现。各种对于技术的新解，可以看成是“八五新潮美术”以来，艺术界一种过快与“世界接轨”的反省，一种对油画在其格局变化中的反思。这种反思与反省，对于油画界来说自是一件喜事，而对于受众而言，也是提高审美能力的一次机遇。
艺术从来不是个人行为，受众是艺术创作中的重要环节，尤其是在全球化的当下。而这种从主体创作层面对技术的反思，以及由此产生的一系列展览和新作，会为观众审美能力提高和视觉经验的积累提供一个缓冲与训练。通过这种方式，才能实现真正意义上的多样化，也才能形成受众对各种艺术形式的包容性与判断力。
