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摄影艺术与技法学习体会 摄影艺术与技法 _____
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2011 年 11 月 1 日 ___
摄影艺术与技法学习体会
【源起摄影】
大概是在高三的时候，我在网上偶然地看到了一系列于当时的我看来是非常唯美的照片。照片里的模特们大多青春靓丽，即使是原本并不十分好看的模特，也因为在整个温暖唯美的气氛的烘托下，而让人忽略了她本身的样貌，将重点放在了照片整体的感觉上。整个系列照片的背景多是一些带着阳光的明亮的自然风景，或是一片小树林，或是学校楼顶的天台，抑或是一片干净明媚的沙滩。而照片中的模特们多是学生的打扮，表现着小女生小小的心事，闺蜜间亲密无间的友情，以及高中生懵懂甜蜜的爱恋。美好温暖的风景衬托着青春靓丽的模特，使每张照片都让人想到唯美，温暖，青春这样美好的字眼。大概就是从那时候开始，我对摄影的兴趣渐浓，开始羡慕和崇拜那些可以拍出温暖美好的照片，愉悦心情的摄影家们。而那个算是启蒙了我对摄影的兴趣的摄影家，叫做Lainka。
温暖的阳光，虚化的背景，美好的人物，自在的心情，似乎是lainka永恒的主题
我想对于大多数人来说，那种背着背包和单反跋涉于世界各地，拍下很多或美好或现实的照片的生活，是极具诱惑力的吧。而在上了摄影艺术与技法，对于摄影方面的知识有进一步的了解之后，我对于摄影的兴趣就更加浓了。
【学习所得】
在上了半个学期的摄影艺术与技法课程后，我对于照相机的构造和发展历史以及摄影方面的一些专业术语，比如光圈，景深，用光和构图等方面都有了初步的了解。在此过程中出于自身兴趣我也翻阅了一些与摄影相关的杂志，增加了一些背景虚化，构图等方面的知识。由于自身并不会操作专业的照相机，平时只会用卡片机拍下生活中一些觉得值得记录的东西，所以对于光圈，景深那些专业的技巧因为无法在实践中运用而显得过于生涩了。因此我通过书本，杂志以及网上的学习，主要在以下几个方面进行了比较深入的了解。
【摄影构图】
在摄影中，构图是指在拍摄一张照片时，把人、景、物安排到最合理的位置，以达到取得最佳的视觉效果的过程。
对摄影构图的研究，实际上就是对形式美在摄影画面中具体结构的呈现方式的研究。当你很熟悉了解自己的照相机的性能并掌握了一定的操作技巧，当你把镜头对着人物和具有典型意义的事件，对着雄伟的建筑群或美丽的自然风光，很大程度上，构图在这个时候决定着构思的实现，决定着作品的成败。
由于景物特点各异，构图方式也千差万别。其中包括变化式构图，对角线构图，垂直式构图，水平线构图，对称性构图，S形构图，三角形构图等等，但实际摄影中我们若单纯地根据所拍摄景物的特点，从所知的各种构图方式中选出最优的方案，未免显得过于生硬而缺少拍摄的乐趣了。因此，在我看来，掌握构图的四大基本原则才是让照片显得专业但又不失自己的情感在里面的关键。 这四大原则包括：
（一）画面稳定均衡：基本内容是画面上的水平线应该保持水平，垂直线应该直立不歪斜；
（二）画面简洁：专指画面上主体景物上下左右所留有的空间，常由天空，水面，草地，墙壁或大的块面组成；
（三）主题突出，主次分明：尽可能采取各种艺术手段将主体进行强化和突出；
（四）画面有视觉冲击力和意蕴：取景构图时必须使画面具有能引起视觉强烈反应的形式感，而且要匠心独具，“语不惊人死不休”。
这是一张充分运用了三分法的照片，水天的交界线位于整个画面的1/3处，而椅子也处在偏离中心的位置，同时水天相交的淡雅背景很好衬托了椅子的主体性，天空和椅子与倒影相映成趣。
【光的运用】
摄影，向来被称为是一门光和影的艺术，也被说成是用光来作画是艺术。由此可见，合理地运用光线对摄影是何等的重要。在摄影活动中，光线能造成明暗的对比，光线能产生变幻的色彩基调，光线也能突出被摄对象的质感纹理，光线还能强调形状的外观轮廓。所以，如何恰当用光、用好光，主要在于充分了解和掌握光的特性、光比度和对主光、背景光、辅助光、轮廓光、装饰光等一系列光线的合理运用。
顺光拍摄能使人物形象显得丰满，肌肤光洁细腻，但同时物体的质感和立体感贫乏，对主体的描写趋于平淡；侧光既能勾勒出被摄体的轮廓线，又能体现立体感，是摄影用光时较为常用的光线；逆光能给被摄体轮廓镶上一条夺目动人的金边，处理适当，能创作出一种独特的美感，拍出充满戏剧性效果的光影感觉。就我个人而言，我倾向于喜欢那些用柔光拍出来的照片，因为那样的照片给人温暖祥和之感。
在拍摄特定的物体时采用不同的光，拍出的照片感觉也会大相径庭。如何根据被摄物体的特性采用正确的光线，跟构图一样，也是一门很大的学问。
【色彩运用】
自1930年彩色胶卷发明以来，照片的颜色便不再局限于黑白两种。色彩给彩色照片增加了活力的同时，对于摄影师们也是一种挑战。在巧妙的构图和合理的用光之后，若没有恰当的进行色彩搭配，所拍摄出来的终究还是一件失败的作品。因此，色彩的运用在摄影这门艺术中，扮演着举足轻重的角色。
不同的颜色有着千差万别的意义。比如红色代表着热情，愤怒或是危险。而蓝色则给人沉静安定的感觉。不同的颜色搭配很大程度上决定了作品的性格，温和或者叛逆。我们可以采用180度对比强烈的色彩搭配，给人极大的视觉冲击，也可以采取整体柔和的色彩搭配，给人温暖和谐之感。我相信透过各异的色彩搭配风格，是可以看到摄影师当时拍摄的心情的，正如我们透过《星夜》可以感受到梵高当时近乎癫狂的精神状态一般。
色彩的选择和搭配和构图与用光一样，是一门高深的艺术，需要我们通过反复实践以及内心感觉来细细体会。
【创作灵感】
我们把摄影当做一门艺术来看待，那么正如写作和画画需要灵感一样，一件好的摄影作品是必然需要灵感开启的。女摄影师Julia Fullerton-Batten因拍摄了一组《青春期的幻想故事》而著名，她在谈起灵感时说，“灵感总是来自于生活的细微之处，一个电影场景、一幅画、一本书，都会让我产生一些拍摄上的灵感，我会在脑海里想象各种各样的场景，推进剧情，或拒绝放弃，想要达到最终完美的结合点要花费很长时间，短途旅游总是构思拍摄场景中不可缺少的一步。”而善于捕捉生活中的细节的另一位女摄影师川内伦子则喜欢观察糖块周围的蚂蚁，或是下雨天的屋檐，倾听那些最微弱的声音，从而培养自己对于艺术的感觉。
我想不管是何种形式的艺术，应该很大一部分的灵感是来自于生活吧，更何况摄影的对象本就是生活本身。
Julia Fullerton-Batten的《青春期的幻想故事》中的照片有很多都是拍摄跳跃在空中的人物，从而体现青春期的奇思妙想。抓拍那一瞬间本身已经需要比较成熟的摄影技术，因此我很好奇这幅作品是怎么完成的。
川内伦子拍的多是一些生活中稀松平常的事物，相对于Julia Fullerton-Batten的作品更加的生活化。但她们的灵感同样来自与生活中的细微之处。一片啃完的西瓜，携手到白头的恋人，让人感受到真真切切的生活与其中的温暖和惬意。
【情感之重】
在我想来，摄影绝不是一个纯技术性的活儿，正如任何领域的艺术一样，若没有创作者个人的情感在里面，那么它就仅仅只是一件商品，而绝不是一件真正意义上的艺术品。
摄影师Wim Wenders说，“照片记录的是我和一个特殊场景在一个特殊时刻的交错呼应，我需要完全融入周遭的环境，才能够捕捉到这种特殊的关系，换句话说，我需要成为周遭的聆听者，不受任何外界的打扰。”只有让自已与被拍摄的对象融于一体，去认真倾听认真感受，才能真正了解被摄对象的特点，从而采取最适合的拍摄技巧，创作出富有自己情感在里面的艺术品。
除了摄影师个人的情感外，拍摄对象本身体现出来的情感比我们通过照片揣摩摄影师的情感直观得多。而这些被拍下来的或温暖或现实的瞬间，让我们更好地了解生活，用正确的态度面对生活。这种励志效果，比任何小说或电影更直接更有效。
母亲看着怀中孩子的慈爱幸福的眼神，本已是照片中最美好的部分。在我看来，表现情感的照片是比单纯的风景照更具艺术感染力的。因为我们在人的身上看到的阳光面和积极面，是有能够让我们更好地面对生活的魔力的。
【我与摄影】
我不会操作单反或者更高级的相机，甚至连卡片机我也常常调到自动调节状态。我想摄影对于我的功用还仅仅停留在记录的状态，但是在听了这些课以及为了了解更多而翻阅资料的过程中，我试图努力将自己的水平往艺术方面提升，就算效果也许并不明显，就算我仍旧只会记录一些值得记录的感情，拍摄一些自认为是美好或真实的事物，但却没有技术含量在里面。但是我相信的是，摄影对于每一个爱好它的人都是有意义的，就算只是简单的记录，所拍摄出来的东西对于拍摄者和被摄者来说，都是珍贵美好的回忆。
在我想来，摄影是有着巨大的魅力的。除却记录这一便捷的功能以外，它所具有的艺术价值，是亘久不变的。我并不是一个具有艺术审美能力的人，但是我相信如果一件摄影作品具有艺术魅力的话，是会让人眼前一亮，心中一震的。
我也许永远也拍摄不出具有永恒艺术价值的作品，但是我想其实大多数摄影，甚至大多数的艺术，都是只属于自己的。在拍摄的过程中享受自己独有的乐趣，然后留下永远的纪念，就是摄影对于每个人最大的意义。
这是从乌镇回来的途中拍下的路边的野花，采用的是SONY WX1的自动调节模式进行拍摄。由于是微距拍摄而使得背景虚化了，从而突出了那两朵小花。加上俯拍的角度，而两朵花又不在同一水平面上，个人认为是可以传达出一种积极向上的生活态度的。
这是在西塘拍的河灯，采用了SONY WX1数码相机中的海滨模式进行拍摄，效果竟出乎意料的好，烛光的光晕被放大，使得画面的黑色部分不至于太过空旷。而且每张照片中间都有出现紫色的圆形光晕，但是这张照片上的光晕有部分被河灯挡住了，而不至于把人的注意力完全吸引过去。整张照片表现出一种传统但又不失浪漫的气息。
