第一节 中国古代的艺术设计
一、手工业时代的艺术设计 古代艺术设计的形态： 1.陶瓷艺术设计 2.青铜器设计
3.漆、木、玉等器物的设计 3.车与兵器 4.建筑与城市
• 织染和服饰 • 家具
陶瓷艺术设计 —— 陶 器
• 仰韶文化距今大约7000年左右，是我国新石器时代彩陶最丰盛繁华的时期。它位于黄河中游地区，以黄土高原为中心，遍及河南、山西、陕西、甘肃、河北、宁夏等地。
仰韶文化的制陶工艺相当成熟，器物规整精美，多为细泥红陶和夹砂红陶，灰陶与黑陶较为少见。其装饰以彩绘为主，于器物上绘精美彩色花纹，反映当时人们生活的部分内容及艺术创作的聪明才智。另外还有磨光、拍印、等装饰手法。
• 由于时间跨度与分布地域的不同，仰韶文化必须分类加以区别，主要有半坡类型和庙底沟类型。
• 半坡彩陶
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最早发现于西安半坡，距今有七千年的历史。是我国彩陶文化历史较早、特点突出、影响较大的一个类型。半坡彩陶的遗址，在河流的岸边，因而半坡的彩陶有汲水尖底瓶、葫芦、长颈瓶，另外还有盆类、罐类，与今天的盆罐大体相似。
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半坡彩陶早期纹饰，多为散点式构图。也就是说，在一件器型上，装饰往往只占据器面的一小部分，纹样一般是自然形态的再现。半坡纹饰的形象可爱，表现了人类童年的天真稚气和与自然的亲切关系。仔细体味，有人与自然溶为一体的感觉，可以说是半坡人原始生活的记录。
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纹饰形象主要描绘了当时人们接触的动物，有奔跑的鹿、鱼纹、人面纹、蛙纹、鸟纹、猪纹以及由以上纹样两种或三种组合的纹样。也有一些单纯的任何纹样如折线纹、三角纹、网纹等。
• 庙底沟彩陶
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庙底沟类型的彩陶，主要有盆、碗、罐等。早期和中期也有类似半坡的葫芦形瓶。
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庙底沟彩陶比半坡成熟得多。点、线、面搭配得当，空间疏朗明快。曲面之间，穿插活泼的点和线，使纹样节奏鲜明，韵律感很强。二方连续的组织结构，是节拍的具象化，更使之有较强的音乐效果。这反映了原始的恬淡、闲静的心态
马家窑文化
• 在甘肃发现最多、分布面最广、最具代表性的，当属新石器时代中晚期的马家窑文化。马家窑文化早在20世纪20年代由瑞典考古学家安特生发现。
• 马家窑的彩陶多为红陶，分有泥质红陶和夹砂红陶。彩绘幅面很大，许多泥质细陶往往口沿、外壁都绘有花纹，还盛行内彩，纹饰绘于器物内壁。
黑 陶
• 黑陶，诞生于我国新石器时代晚期，距今已四千多年，是黄河中下游原始文化的杰作。1928年，我国著名考古学者吴金鼎，在山东省章丘县（现章丘市）龙山镇的考古发掘中，首次发现了这一史前遗存，故被命名为“龙山文化”。因以黑色陶器为主要特征，又称为“黑陶文化”。
• 黑陶是继仰韶文化彩陶之后的优秀陶种，被誉为“土与火的艺术，力与美的结晶”。 • 黑陶选用的泥土来自于黄河下游冲积平原，是黄河在其流经的过程中所携带的大颗粒泥沙沉入河底，经过不断冲刷，流至其下游，因此它的深层泥土土质特别细腻、无沙、且粘性大，而且富含多种矿物元素，在 黑陶烧制中能产生纯黑均匀质感，适合于黑陶制做。
• 土取出后经晾干，后用纱布过滤制成泥坯，经过手工拉坯造型后，用贝壳反复压光，直到陶坯表面密度增加，光滑如镜。再以特制的雕刻工具运用线雕、浅雕、深雕、镂空等技法，手工雕刻出绚丽神秘的图案。然后给黑陶作品安装耳、环、鼻、腿等配件。
瓷器
• 青瓷是中国著名传统瓷器的一种。青瓷是表面施有青色釉的瓷器。青瓷色调的形成，主要是胎釉中含有一定量的氧化铁，在还原焰气氛中焙烧所致。但有些青瓷因含铁不纯，还原气氛不充足，色调便呈现黄色或黄褐色。
• 唐代的越窑、宋代的龙泉窑、官窑、汝窑、耀州窑都属青瓷窑系。早在商周时期就出现了原始青瓷。
• 越瓷的特点是胎骨较薄，施釉均匀，釉色青翠莹润，光彩照人。越瓷不但是供奉朝廷的贡品之一，而且又是唐代的一种重要的贸易陶瓷。
• 越窑是我国古代最著名的青瓷窑系。东汉时，中国最早的瓷器在越窑的龙窑里烧制成功，因此，越窑青瓷被称为“母亲瓷”。越窑持续烧制了1000多年，于北宋末、南宋初停烧，是我国持续时间最长、影响范围最广的窑系。
• 越瓷的特点是胎骨较薄，施釉均匀，釉色青翠莹润，光彩照人。越瓷不但是供奉朝廷的贡品之一，而且又是唐代的一种重要的贸易陶瓷。
• 越窑是我国古代最著名的青瓷窑系。东汉时，中国最早的瓷器在越窑的龙窑里烧制成功，因此，越窑青瓷被称为“母亲瓷”。越窑持续烧制了1000多年，于北宋末、南宋初停烧，是我国持续时间最长、影响范围最广的窑系。
• 邢窑，是唐代著名的瓷窑，五代（公元907-960年）时仍烧造。是中国白瓷生产的发源地，在中国的陶瓷史中占有重要地位。
• 唐代的陶瓷业，技术上取得了多项重要成果，陶瓷的产量和质量都有了很大提高。由于整个制瓷业技术的提高和改进，出现了大量瓷窑，而在所有的窑口中，以南方烧制青瓷的越窑（今浙江余姚）和北方烧制白瓷的邢窑最受人们推崇，大体形成了“南青北白”的局面，越窑的青瓷和邢窑的白瓷代表了当时瓷制品的最高水平
• 青花瓷，又称白地青花瓷，常简称青花，是中国瓷器的主流品种之一，属釉下彩瓷。青花瓷是用含氧化钴的钴矿为原料，在陶瓷坯体上描绘纹饰，再罩上一层透明釉，经高温还原焰一次烧成。钴料烧成后呈蓝色，具有着色力强、发色鲜艳、烧成率高、呈色稳定的特点。
• 成熟的青花瓷出现在元代的景德镇。元青花的纹饰最大特点是构图丰满，层次多而不乱。笔法以一笔点划多见，流畅有力；勾勒渲染则粗壮沉着。主题纹饰的题材有人物、动物、植物、诗文等。
• 明清时期是青花瓷器达到鼎盛又走向衰落的时期。
• 它以其古朴，典雅的造型，晶莹艳丽的釉色，多姿多彩的纹饰而著名于世，与明代其他各朝的青花瓷器比拟，其烧制技术达到了最高峰 。宣德官窑青花，在中国陶瓷发展史中据有十分重要的地位，它从一个侧面反映了当时的社会、经济、文化、艺术以致思惟观念。作为宫廷用瓷和精美的艺术品，具有独特的艺术魅力，这与当时轨制的完备与技术的成熟有很大关系
青铜器
青铜器主要指先秦时期用铜锡合金制作的器物，简称“铜器”。包括有炊器、食器、酒器、水器、乐器、车马饰、铜镜、带钩、兵器、工具和度量衡器等。流行于新石器时代晚期至秦汉时代，以商周器物最为精美。最初出现的是小型工具或饰物。夏代始有青铜容器和兵器。商中期，青铜器品种已很丰富，并出现了铭文和精细的花纹。商晚期至西周早期，是青铜器发展的鼎盛时期，器型多种多样，浑厚凝重，铭文逐渐加长，花纹繁缛富丽。随后，青铜器胎体开始变薄，纹饰逐渐简化。春秋晚期至战国，由于铁器的推广使用，铜制工具越来越少。秦汉时期，随着瓷器和漆器进入日常生活，铜制容器品种减少，装饰简单，多为素面，胎体也更为轻薄。 漆器
• 用漆涂在各种器物的表面上所制成的日常器具及工艺品、美术品等，一般称为“漆器”。
• 汉代漆器，在战国时期生产的基础上达到了一个鼎盛时期。
• 汉代漆器制作精巧，色彩鲜艳，花纹优美，装饰精致，从汉代流传下来的工艺品与建筑风格我们可以看到汉代崇尚的古朴，简约之风，以及其装饰图案的朴素、沉稳，而漆器以其稳重朴实，大气磅礴的红黑色调；耐潮、耐高温、耐腐蚀等实用特性；以及光彩照人又不失古韵的特殊色泽，受到了统治阶级的喜爱与推崇！
中国古代艺术设计思想：
1.老子的思想 2.〈考工记〉 3.其他重要思想：
技艺相通
材美工巧
物以致用为本
文质彬彬
顺物自然、素朴质真
制器尚象
物以载道
一、西方古代的艺术设计 1.古代埃及的艺术设计
1、东方四大文明古国之一
2、设计风格：封闭性、稳定性
3、设计文化独特
4、神庙建筑和金字塔
5、制陶技术发达
古代埃及是“东方四大文明古国”之一，是手工业时代最发达的文明地区。其发展的最大特点是封闭的自成体系的完整性与系统化特征。
从设计文化的角度，古代埃及的建筑、壁画、金属工艺和饰品等共同凸显着其独具风貌的文化形态。
古代希腊历史学家希罗多德说“埃及是尼罗河的 赠礼”。 古代埃及建筑的发展可分为四个时期：
1、古王国时期（第一—十王朝，约公元前3200-前2130年）以北部尼罗河三角洲为主，首都孟斐斯。以陵墓（玛斯塔巴、金字塔为主要形式）
2、中王国时期（第十一-十七王朝，公元前2130年-前1580年）主要建筑活动集中在首都底比斯周围。以庙宇为主要形式。
3、新王国时期（第十八-三十王朝，公元前1582年-前332年）主要建筑活动集中在首都底比斯周围。以庙宇、石窟庙、石窟墓和住宅为主要形式。
4、晚期（比勒密王朝时期，公元前332年-前30年）设计施工精致，规模不大，受希腊罗马影响。 神庙建筑：古代埃及重要的建筑形式之一。布局轴线对称，沿着纵深方向顺序布置着牌楼门、内院、层层次次的神殿及僧侣用房。天棚越往里越低，地面越往里越高，光线昏暗，气氛神秘。
1、霍鲁神庙和牌楼门（公元前237-前57年）
2、一般神庙外观
3、规模较小的卡纳克的孔斯神庙（公元前1198年） 金字塔
论及人类文明建树时，人们首先会想到古代埃及的金字塔，它是人类幼年时代最伟大的成就之一。金字塔把王权和神权的稳固强烈地表现了出来，纵使今天大地上早已没有古老的埃及王国，可是金字塔雄风犹在，人们在它的面前依然会感到渺小和卑微。
在离开罗不远的基泽平坦广阔的沙漠上，耸立着许多体积庞大、高耸入云的金字塔，最高的胡夫金字塔高146.5米，它是古埃及第四王朝法老王胡夫的陵墓。
金字塔的构思反映古埃及人的信仰。他们相信高山、大漠、长河都是神圣的，法老王被宣扬为自然神。于是通过审美就把高山、大漠、长河的形象的典型特征赋予王权的纪念碑，在广阔的大漠中金字塔显得高大、稳定、沉重和不可动摇，又显得单纯、简洁和雄伟壮观。它带着强烈的原始性，仿佛是人工堆垒的山岩、混沌未凿。它的形象和尼罗河的风光十分协调，大漠孤烟，长河落日，何其壮阔。 神庙柱廊
这是新王国第十九王朝兴建的神庙廊柱。埃及神庙的廊柱排列紧密，它不是出于建筑上承担屋顶重量的需要，而是为了制造一种阴森的神秘感而设计的。柱身粗大的体积足以令人惊奇，再加之刻在柱身上的象形文字、神秘的图画，柱子本身就成了宗教崇拜的对象。在这样的 “柱林”中，给人以压抑，沉重和敬畏的感觉，而威慑感正是宗教崇拜的需要。 装饰门》
上埃及国王美尼斯统一了埃及，建立了埃及历史上第一个王朝。古王国的历史是从第三王朝开始到第六王朝（公元前2780—公元前 2280年）。这件《装饰门》是第五王朝时期作品，实际上是一件木刻作品，门的三面刻满了象形文字和立于两侧的男女立像，门楣上有男女相对而坐，均以对称式结构，十分庄重美满和谐。 在古埃及，浮雕和壁画有着共同的程式：
①正面律，表现人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧； ②横带状排列结构，用水平线划分画面； ③根据人物尊卑安排比例大小和构图位置； ④填塞法，画面充实，不留空白； ⑤固定的色彩程式；男子皮肤多为褐色，女子为浅褐色或淡黄色，头发为蓝黑色，眼圈黑色。 主要用来装饰宫殿、庙宇和陵墓，其中保存最多的是墓室壁画。底比斯尼巴姆墓室中的《渔猎图》、《舞乐图》以同样的手法表现了贵族的享乐生活，充满了喜悦的气氛和轻曼舞的情调。 《神殿浮雕》 公元前525年波斯帝国征服了埃及，沦为波斯的一个省。公元前332年，马其顿亚历山大征服了波斯又占领了埃及，从此埃及处于外来民族的统治，艺术进入希腊化时期。公元前30年埃及沦为罗马帝国的一个行省，从这时起古埃及历史宣告结束。
这块浮雕是埃及托勒密王朝（公元前304年—公元前30年）时期作品。 浮雕表现的是女神为国王戴上两重王冠，宣扬了“王权神授”的意思。浮雕遵循传统造型方法，薄衣紧贴裹着身体，表现出女神身体曲线变化美。 《涅菲尔蒂》
据说世界雕塑史上有两位最美的女子雕像，一是法国卢浮宫的《米洛岛的维纳斯》；一是柏林国家博物馆里的《涅菲尔蒂》，她比米洛岛的维纳斯要早1500年左右。这两尊塑像都是无与伦比的。 《涅菲尔蒂》雕像的写实技巧极高可达乱真之境，人们很难相信这竟是出自三千多年前奴隶艺术家之手。
涅菲尔蒂是十八王朝法老王阿赫那东之妻。史称阿赫那东是勇敢大胆的改革家，他竭力削弱宗教对王权的控制，扩大法老王的世俗权力，这种重世俗人生权利的改革，对艺术创作产生了很大的影响，使艺术减少了神性而充实了生活和生命的气息。正是从这个时期开始，埃及艺术才逐渐摆脱僵化程式，趋向生动活泼的现实主义，《涅菲尔蒂》雕像就是这个时期的杰出代表。
埃及肖像雕刻是作为死者的替身而创作的，所以雕刻家竭力追求雕像的逼真。为了达到酷似，还经常从死者身上印下面模，直接翻制雕像，然后再仔细加工。埃及雕刻家经过长期的训练和探索，掌握了极高的写实技巧。 《战士》
在中王国时期的墓室里还流行一种小型的木制雕刻。最有名的是在阿西尤特地方的一个将军墓中发现的有80个战士组成的队列雕像，像高40厘米，有弓箭手和枪盾兵。其中的弓箭手是来自努比亚的雇佣军。
群雕列队战士被表现在行动之中，身体裸露，健壮有力，只是在每个人的腰间系有朱色裤式短裙，个个神勇善战，很有生活气息。 阿门哈特三世的斯芬克司像》
又叫塔尼斯的人面狮身像，长220厘米，被确认是阿门哈特三世的雕像，在埃及同类雕像中它是别具一格的，人的脸上长出了狮子的耳朵，并用厚厚的鬣毛把头、胸、肩包了进去，从而增强了头部浑厚凝重的效果，充分显示了庄严威武的力量。 2.古代希腊和罗马的艺术设计 1.希腊主要设计成就：建筑、陶器
2.罗马是希腊艺术的直接继承和发展，建筑最为杰出，罗马万神殿。 3.欧洲中世纪的艺术设计 主要设计风格： 1.拜占庭风格 2.早期中世纪风格 3.罗马式风格 4哥特式风格
二、近代的设计
1.英国的工艺美术运动 2.新艺术运动 3.德意志制造联盟 工业革命的特点 1.工业技术的进步
（1）能源的变化：包括 燃料和动力，如煤、电力、石油、蒸汽机和内燃机。
（2）材料的变化：采用新 的原材料，如钢铁、玻璃等。
（3）生产的变化：发明众多新机器。
（4）分工的变化：劳动分工细化、专门化。
（5）运输的变化：蒸汽机车、轮船、汽车、
（6）技术应用的变化： 由军事领域转向民用领域。 1.英国的工艺美术运动 拉斯金、莫里斯
1.工业时代的设计：18世纪欧洲工业革命之后的设计 2.生产方式：手工艺——大批量、复制
3.技术变革——影响形成了各种风格的设计 “工艺美术”运动的起源
• 起源于英国１９世纪下半叶的一场设计运动，起因是针对家具、室内产品、建筑的工业化批量生产所造成的设计水准下降的局面。 • 理论指导是约翰·拉斯金，运动的主要任务是由威廉·莫里斯实施。 水晶宫博览会
1851年，为了炫耀英国工业进步，英国伦敦举办了19世纪最著名的设计展览——水晶宫博览会。水晶宫的设计采用了玻璃和铁架结构，博览会对设计理念产生根本影响，各种思想争论对设计界形成强大冲击。终于在19世纪下半叶英国引发了一场工艺美术运动。
拉斯金为建筑和产品设计提出的准则
• 师承自然，从大自然中汲取营养，而不是盲目地抄袭旧有的样式。 • 使用传统的自然材料，反对使用钢铁、玻璃等工业材料。 • 忠实于材料本身的特点，反映材料的真实质感。 • 莫里斯
• 他的设计多以植物为题材，有时加上几只小鸟，颇有自然气息并反映出一种中世纪的田园风味。
• 亦被誉为“现代设计之父”。 1859年，他与菲利普·韦珀 （Phillip Webb，1831-1915）合作设计建造了“红屋”，内部的家具、壁毯、地毯、窗帘织物等，均由莫里斯自己设计。它们实用、合理的结构，以及追求自然的装饰体现了浓郁的田园特色和乡村别墅的风格。从此，他开设了十几个工厂并于1861年成立了独立的设计事务所，把包括建筑、家具、灯具、室内织物、器皿、园林、雕塑等等构成居住环境的所有项目纳入业务之中，并以典雅的色调，精美自然的图案备受青睐。 “工艺美术”运动的影响
• 贡献：提出了“美与技术结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”；强调“师承自然”，忠实于材料是适应使用目的，创造出了一些朴素而适用的作品。
• 局限：将手工艺推向了工业化的对立面，违背历史潮流，使英国设计走了弯路。 2.新艺术运动 赫尔塔，维尔德
主要起源地：比利时和法国 • 定义
新艺术运动是１９世纪末２０世纪初在欧洲和美国产生并发展的一次影响面相当大的“装饰艺术”运动，涉及十余个国家，从建筑、家具、产品、首饰、服装、平面设计、书籍插图，一直到雕塑和绘画艺术都受到影响，延续时间长达十余年，是设计史上一次非常重要、具有相当影响力的形式主义运动。 霍塔旅馆
维克多-霍塔是比利时新艺术运动的大师,霍塔是一位建筑师，他在建筑与室内设计中经常使用葡萄蔓般相互缠绕和螺旋扭曲的线条，这种线条被称为“比利时线条”或“鞭线”，它起伏有力，并成为了比利时新艺术的代表性特征。 维克多·霍塔（Victor Horta） 设计－－建筑及室内设计
设计特征－－注重植物的“鞭绳”装饰
暴露式钢铁结构和玻璃面 高蒂
西班牙新艺术运动以建筑师安东尼奥·高蒂为代表，他吸取了东方风格与哥特式建筑的结构特点，并结合自然形式，以浪漫主义的幻想，将极力软化的曲线趣味渗透到三度空间的建筑之中去，巴赛罗那的米拉公寓是一个典范。他以浪漫主义的幻想，极力使塑性艺术渗透到三度空间的建筑之中去，与比利时的新艺术运动有异曲同工之妙。 西班牙（曲线派） 代表人物：安东尼·高蒂 （Antonio Gaudi） 设计风格：仿生、哥特式、曲线风格、奇幻
彩绘瓷砖＋混凝土
设计理念：每一个独立的建筑元素都可以更 符合逻辑、更有表情、更丰满、更具有装饰 效果，并少一点平庸。 雷诺（René Lalique）的经典作品，蜻蜓女人胸饰，是最具典型性的新艺术时期首饰。René Lalique最原始的灵感源于大自然。在好奇心和求知欲的驱动下，他把自己融入大千世界，努力发掘每一个细微之处，探索自然界中一切能用于装饰的元素。
女性形象、蝴蝶、飞蛾、蜻蜓……René Lalique的珠宝作品里糅合了各种奇特的主旋律，体现他对自然的热爱。昆虫重新回归美之主题，连黄蜂、甲虫和草蜢也能展示鲜为人知的魅力。René Lalique不愧是一位神奇的魔术师，他善于捕捉精美与微妙的细节，用以点缀自己心爱的珠宝，并探寻如何将平凡的材料塑造成灵性四溢的杰作。
“新艺术”运动ＶＳ工艺美术运动 相似之处
• 它们都是对矫饰的维多利亚风格和其它过分装饰风格的反动 • 都是对工业化风格的强烈反映
• 都旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷
• 都放弃传统装饰风格的参照，转向采用自然中的一些装饰动机，如植物、动物为中心的装饰风格和图案的发展
• 都受到日本装饰风格，特别是江户时期的艺术与装饰风格和“浮世绘”的影响 不同之处
“工艺美术”运动比较重视中世纪的哥特风格，把哥特风格作为一个重要的参考与借鉴来源；
而“新艺术”运动则完全放弃任何一种传统装饰风格，完全走向自然风格，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线、有机形态，而装饰的动机基本来源于自然形态 3.德意志制造联盟 彼得.贝伦斯
• 德国第一个设计组织,1907年成立,是德国现代主义设计的基石。其创始人有德国著名外交家、艺术教育改革家和设计理论家穆特休斯、现代设计先驱贝伦斯、著名设计师威尔德等人。其宗旨是通过艺术、工业和手工艺的结合,提高德国设计水平,设计出优良产品。同盟认为设计的目的是人而不是物,工业设计师是社会的公仆,而不是以自我表现为目的的艺术家,在肯定机械化生产的前提下,把批量生产和产品标准化作为设计的基本要求。它努力向社会各界推广工业设计思想,介绍先进设计成果,促进各界领导人支持设计的发展,以推进德国经济和民族文化素养的提高。它表明德国在工业设计方面已进入一个新阶段,处于世界领先地位。
三、现代设计 1.包豪斯
2.现代主义设计的发展
3、波普设计
4、后现代主义
5、孟菲斯
包豪斯（BauHaus，1919-1933）
格罗佩斯：包豪斯的创始人
“包豪斯”一词由德语的“建造”和“房屋”两个词的词根构成。创始人是格罗佩斯,包豪斯学校由魏玛艺术学校和工艺学校合并而成，其目的是培养新型设计人材。包豪斯是一所设计学校，开设有纺织、陶瓷、金工、玻璃、雕塑、印刷等科目。
包豪斯在设计理论上，提出了三个基本观点：①艺术与技术的统一；②设计的目的是人而不是产品；③设计必须遵循自然与客观的法则来进行。这些观点对于设计的发展起到了积极作用，使现代设计逐步由理想主义走向现实主义。包豪斯的重要贡献之一就是开创了“基础课程”的教育—三大构成。
包豪斯的设计教育产生了深远的影响，其课程结构与教学方式成了世界许多学校设计教育的参照系统，包豪斯的思想在相当长的时期内被奉为现代主义的经典。
时间：20世纪初开始至第二次世界大战结束以后。 观念：民主主义、精英主义、理想主义和乌托邦主义。 形式：面向大众、改变传统、取消装饰（少就是多） 具体特点如下：
1、功能主义特征。强调功能为设计的中心和目的，讲究设计的科学性，重视设计是适时的科学性、方便性、经济效益和效率。
2、形式上提倡非装饰的简单几何造型。
3、具体设计上重视空间的考虑，特别强调整体设计考虑，基本反对在图板上、在预 想图上设计，而强调以模型为中心的设计规划
4、重视设计对象的费用和开支，把经济问题放到设计中，作为一个重要因素考虑，从而达到实用、经济的目的。
从30年代末开始，现代主义开始了一个新的阶段—美国阶段，并对后来的后现代主义产生了重要影响。
5.现代主义设计 美国现代主义与国际主义设计
背景：包豪斯被法西斯强行解散以后，一大批包豪斯的教员和学生先后来到美国，继续从事设计和教学工作，使在德国和欧洲没有实现的理想，得到了实现。自此，源于欧洲大陆的现代主义运动的中心也移到了美国，并且与美国工业设计界注重为企业服务，注重经济效益，注重市场竞争的实用观念一起，逐渐发展成为战后轰轰烈烈的国际主义运动。
当欧洲各国还在由带理想主义色彩的知识分子探讨并实践着现代设计理论的时候，美国已在激烈的市场竞争条件下，发展着与企业紧密相联的工业设计运动。二战期间，许多著名的欧洲画家、艺术家、设计师和建筑师流亡美国，为它的发展注入了活力，美国几乎是轻而易举地就把在欧洲探索尝试了近二十年的成果注入企业和市场之中，并变成了现实，从而为美国成为世界工业化强国奠定了坚实的基础。
美国对于现代设计发展的重要贡献还在于它是世界上第一个把工业设计变成一个独立职业的国家，企业内部的工业设计部门，独立的设计事务所等形式造就了一大批驻厂设计师和专业设计师。这是美国新一代的设计师，也是我们所说的第一代工业设计师。 流线型风格
20世纪30年代产生并流行。它是由物理力学界对流体力学原理的研究引发起来的。一种纺锤形的体积，被力学家测定在空气中的阻力最小，飞机的飞行正是依赖于空气的流体力学原理产生的浮力，机翼的横断面就采取了这样的形态。
尤其是要体现速度的交通工具—如汽车、火车、飞机和轮船等等。 1917年左右被应用于汽车设计，后拓展到其它工业产品设计。 商业化设计
流线型设计风格与“优良设计” 设计师的职业化
国际风格的发起者和推动者 现代主义建筑设计
现代主义建筑设计风格是国外近现代建筑史上影响范围最广、时间最长、争议最多的一种风格流派。它在总结了新建筑运动成果的基础上，提出了系统完整的建筑主张，主要有以下几个特点：
1、注重建筑的功能和经济性
2、强调空间是建筑的主题，反对多余的装饰
3、主张发挥新材料、结构的性能特点 其中，以格罗披乌斯、柯布西耶、密斯·凡·德罗、赖特以及奥图为代表 1958年，米斯·凡·德洛与菲利普·约翰逊合作，在纽约设计了西格莱姆大厦（The Seagram Building），与此同时，意大利设计家吉奥·庞帝（Gio Ponti ）在米兰设计了佩莱利大厦（The Perelli Building），这两栋建筑成为建筑上的国际主义里程碑，为取得形式的单纯、简约，以致到了无视建筑功能要求的地步，使现代主义所推崇的功能第一，形式第二的原则至此让位于形式第一，功能第二。玻璃幕墙，钢架结构的方盒子建筑迅速地在世界范围内蔓延开来，真正地达到了“国际化”的目的。 现代主义的平面设计
瑞士的国际主义平面设计以简单明快的版面编排和无饰线体字体为中心，形成高度功能化，非人情化、理性化的风格，其中的“通用体”（Univers）和“赫维提卡体”（Helvatica）至今仍在流行。
现代主义产品设计
德国战后的乌而姆设计学院和联帮德国家用电器公司布劳恩公司在产品设计上所体现的冷漠、理性化、系统化、减少主义形式，从另一个角度完善了国际主义的风格体系。 3.波普设计
波普设计出现于20世纪50年代，又称流行艺术、通俗艺术、新达达主义,代表着流行与大众化的品味。它的鼎盛时期是本世纪60年代，主要活动中心在英国和美国。它代表着60年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向。反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我，追求标新立异的心理。从设计上来说,波普风格并不是一种单纯的、一致性的风格,而是多种风格的混杂。它追求大众化的、通俗的趣味,反对现代主义自命不凡的清高。在设计中强调新奇与独特,并大胆采用艳俗的色彩。波普设计在20世纪60年代的设计界引起强烈震动。并对后来的后现代主义产生了重要影响。
波普运动—一种流行文化的开始
“最近几十年中，没有任何一场艺术运动比在50年代末60年代初发生在纽约和伦敦的后来被称为波普艺术的运动那样在一个通俗化的水平上与应用艺术如此无法分割地交织在一起。”
“POP”一词是”popular”的变体。意思是通俗的、流行的、大众化的。
波普艺术主要发生在美国和英国，最早的波普艺术品被公认为英国画家理查德。汉弥尔顿1956年制作的一幅小型拼贴画《究竟是什么使得今日的家庭如此不同？如此有魅力？》 通俗的、短暂的、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的、机智诙谐的、性感的、诡秘狡诈的、有刺激和冒险的、大企业式的。
波普艺术充满了战后一代对传统文化的反叛。 波普风格在不同国家有不同的形式。如美国电话公司就采用了美国最流行的米老鼠形象来设计电话机。意大利的波普设计则体现出软雕塑的特点,家具的设计在体型上含混不清,并通过视觉上与别的物品的联想来强调其非功能性,如把沙发设计成嘴唇状,或者做成一只大手套的样式。
“波普”基本上是一场自发的运动,它没有系统的理论来指导设计,也没有找到一种有效的手段来填平个性自由与批量生产之间的鸿沟。许多波普设计出自年轻人之手,也只有追求新奇的年轻人乐意一试。但新奇一过,它们也就被抛弃了。这也许正是波普设计的目标之一。波普设计的本质是形式主义的,它违背了工业生产中的经济法则、人机工程学原理等工业设计的基本原则,因而昙花一现便销声匿迹了。但是波普设计的影响是广泛的,特别是在利用色彩和表现形式方面为设计领域吹进了一股新鲜空气,由此剌激了这方面的探索。
4、后现代主义
所谓“后现代”并不是指时间上处于“现代”之后,而是针对艺术风格的发展演变而言的。后现代主义是旨在反抗现代主义纯而又纯的方法论的一场运动,它广泛地体现于文学、哲学、批评理论、建筑及设计领域中。
后现代主义首先体现于建筑界，而后迅速波及到其它设计领域。后现代主义最早的宣言是美国建筑师文丘里于1966年出版的《建筑的复杂性与矛盾性》一书。文丘里的建筑理论“少就是乏味”的口号是与现代主义“少就是多”的信条针锋相对的。他鼓吹一种杂乱的、复杂的、含混的、折衷的、象征主义和历史主义的建筑。他认为,“现代建筑”是按少数人的爱好设计的,群众不了解,因此必须重视公众的通俗口味与喜爱。在这一点上他与波普运动一脉相承. 后现代主义建筑设计
A、具有高度隐寓的设计风格，如澳大利亚的悉尼歌剧院设计，西萨·佩利（Cesar Pelli）的洛杉矶“太平洋设计中心”，等等，它们虽然建立在对现代主义的反动立场上，却不是以历史主义的表现为特征，而是通过诗一般的象征和隐寓达到特殊形式所产生的象征主义。所以，它又被称为“广义的后现代主义”，以区别于单纯追求历史主义和装饰主义的“狭义后现代主义”。
B、就狭义的后现代主义而言，它是比较强调以历史风格为借鉴，采用折衷手法达到强烈表现装饰效果的装饰主义作品。从这个角度来说其典型特征表现在它的历史主义和装饰主义的立场，以及对历史动机的折衷主义处理手法和它的娱乐性、处理装饰细节的含糊性里，这些特征在罗伯特·温图利（Robert Venturi）、迈克·格利夫斯（Michael Graves）、阿道·罗西（Aldo Roi）等人的作品中可见一斑。
1984年文丘里为美国现代主义设计的中心--诺尔家具公司设计了一套包括9种历史风格的桌椅子,椅子采用层积木模压成型,表面饰有怪异的色彩和纹样,靠背上的镂空图案以一种诙谐的手法使人联想到某一历史样式。
以简化、变形、夸张的手法借鉴历史建筑的部件和装饰,如柱式、山花等,并把其与波普艺术的艳丽色彩与玩世不恭的手法主义结合起来。穆尔1975-1978年设计的美国新奥尔良意大利广场就是后现代主义建筑的名作,它由各种历史式样的建筑片段构成。
1971年意大利名为“工作室65”的设计师小组为古弗拉蒙公司设计了一只模压发泡成型的椅子,就采用了古典的爱奥尼克柱式,展示了古典主义与波普风格的融会。
设计师将新古典的庄重与“艺术装饰”风格的豪华结合起来,产生了一种好莱坞式的梦幻情调。1985年格雷夫斯为阿勒西公司设计了一种自鸣式不锈钢开水壶,为了强调幽默感,他将壶嘴的自鸣哨做成小鸟式样。这种壶每年的销量为4万只。
5、孟菲斯
后现代主义在设计界最有影响的组织是意大利成立于1980年12月的“孟菲斯”（Memphis）的设计师集团。孟菲斯原是埃及的一个古城，也是美国一个以摇滚乐而著名的城市。设计集团以此为名含有将传统文明与流行文化相结合的意思。
“孟菲斯”成立于1980年12月，由著名设计师索特萨斯（Ettore Sottsov）和其他7名年轻的设计师组成，以后设计队伍和影响逐渐扩大，成为具有世界影响的设计集团。
索特萨斯认为，设计就是设计一种生活方式，因而设计没有确定性，只有可能性，没有永恒，只有瞬间。
2、曼菲斯设计集团
曼菲斯（Memphis）在意大利的米兰成立于1980年12月，由著名设计师索特萨斯（Ettore Sottsa）和7名青年设计师组成。在80年代，它成为世界最著名的激进设计集团，他们设计的家具、用品，虽然大多是豪华型样品，但是，他们的思想却已渗透到诸多用以进行大规模生产的设计领域中，并在平面设计和产品设计方面开创了一种国际性的新风格。
索特萨斯认为，设计就是设计一种生活方式，因而设计没有确定性，只有可能性，没有永恒，只有瞬间。他说：“应当把设计活动从工业需求与计划的单纯机械结构中解脱出来，使它进入一个有着一切可能性和必要性的，更广阔的领域。当人们希望表现生活的寓意时，设计活动也就随之开始了，这就是说，所谓的反传统设计其实是毫无传统可反。一切都仅仅是为了扩大和深化设计活动。”而他自己的目的就是“要使设计有更广阔的交流领域，意义更加深刻，设计语言具有更大的灵活性，而且也要使人们更进一步意识到自己对家庭生活和社会生活所担负的责任。”
“孟菲斯”对功能有自己的全新解释,即功能不是绝对的,而是有生命的、发展的,它是产品与生活之间一种可能的关系。这样功能的含义就不只是物质上的,也是文化上的、精神上的。产品不仅要有使用价值,更要表达一种特定的文化内涵,使设计成为某一文化系统的隐喻或符号。“孟菲斯”的设计都尽力去表现各种富于个性的文化意义,表达了从天真滑稽直到怪诞、离奇等不同的情趣,也派生出关于材料、装饰及色彩等方面的一系列新观念。
“孟菲斯”的设计不少是家具一类的家用产品,其材料大多是纤维材、塑料一类廉价材料,表面饰有抽象的图案,而且布满产品整个表面。设色上常常故意打破配色的常规,喜欢用一些明快、风趣、彩度高的明亮色调,特别是粉红、粉绿之类艳俗的色彩。1981年索特萨斯设计的一件博古架(图11-20)是孟菲斯设计的典型。这件家具色彩艳丽,造型古怪,上部看上去像一个机器人。1983年扎尼尼(Marco Zanini)为孟菲斯设计的一件陶瓷茶壶看上去像一件幼儿玩具,色彩极为粗俗。这些设计与现代主义“优良设计”的趣味大相径庭,因而又被称为“反设计”。
